Una compañía que cuestiona la mexicanidad

Buitre Amargo reestrena “Enmediodelmar”, su opera prima, sobre la Isla de Clipperton

POR JOHANA TRUJILLO A. (@jOtrujilloA) / FOTO BUITRE AMARGO

Buitre Amargo inició su trabajo teatral en septiembre de 2016 bajo la inquietud de Iozé Peñaloza y Bruno Zamudio por narrar y cuestionar el significado de la mexicanidad. “Iozé y yo nos conocimos en la carrera. Yo era de las pocas personas que estaban en el área de teatrología y que, dentro del Colegio de Literatura Dramática y Teatro, se estaba preparando como dramaturgista. Iozé quería trabajar con un dramaturgista para el examen de la materia de dirección impartida por Artús Chávez. Me contactó y aceptamos trabajar en conjunto. A partir de esa experiencia nos dimos cuenta de que había un gran entendimiento y una similaridad particular en nuestros intereses artísticos, procedimentales y discursivos”, comenta Bruno.

El nombre de la compañía, resalta “la amargura como un sabor que se queda impregnado y que no siempre es desagradable, solamente amargo, y necesita de cierta atención para saborearlo y recibirlo”. El buitre, un ave carroñera cuyas sus garras no están diseñadas para matar sino para caminar, les parece “un ave con una identidad mexicana cuyo pico le permite extraer el tuétano. Eso es parte esencial de lo que hacemos”. Les interesa cuestionar el significado de la mexicanidad, qué nos hace mexicanos. “Queremos descubrir por qué sólo el nacer en territorio mexicano tendría que ser el único argumento válido para determinar nuestra nacionalidad, ¿qué más nos hace mexicanos? Y más aún cuando sabemos que no hay un México, sino muchos, muchas formas de convivir con él, muchas formas de representarlo y de vivirlo”.

Además, esta joven compañía promueve el diálogo entre la dirección y el dramaturgismo. “Algunas personas que llevan haciendo teatro más de veinte años nos han dicho que el dramaturgismo no puede existir en México porque es difícil que el director o directora acepte que haya alguien a su nivel en cuanto a representación frente al equipo que conforma una obra”.  Promueven la idea de que quien está a cargo de la dirección no siempre tiene que estar completamente seguro de su decisión escénica. Para Zamudio, “un dramaturgista puede ser una gran fuente de formación constante, de cuestionamiento, no sólo para sus decisiones escénicas y artísticas sino también en cuanto a sus prácticas procedimentales durante un ensayo, análisis de texto, transmisión de notas, recepción del público”.

 

Nueva temporada en El77

Estrenaron “enmediodelmar” el año pasado en el Centro Cultural El77 y regresan ahora los sábados a las 19:00 hrs., del 11 de enero al 15 de febrero. La idea era “desarmar una dramaturgia más tradicional que conocimos gracias a uno de los principales dramaturgos de nuestro país, Víctor Hugo Rascón Banda. Nuestro acercamiento a la historia de “La Isla de la Pasión” ocurrió gracias a la obra homónima escrita por él. La montamos para el Primer Certamen Nacional de Puestas en Escena y después de cierta revisión nos dimos cuenta que la historia nos interesaba, pero nos importaba resaltar problemáticas que Víctor Hugo no hacía porque su énfasis estaba en otras cuestiones de la anécdota. Comenzamos a reescribirla con la intención de que sólo fuera un ajuste dramatúrgico, pero naturalmente después del proceso de ensayos me di cuenta que estaba escribiendo otra obra con premisas específicas para reforzar lo que nosotros queríamos presentar discursiva y estéticamente”, comparte Zamudio.  Parte de su proceso creativo para hacer este proyecto consistió en reuniones, ensayos y conversaciones sobre qué le interesaba a Iozé como director o qué escenas verdaderamente nutrían su concepto escénico.

Ellos vieron la valentía de las mujeres de esa historia, puesto que asesinaron a su violador: “Nos pareció un caso de justicia complejo, ¿cuál es la postura de la gente ante ello? Nos atraía eso, nos atraía poder generar la discusión y nosotros tratar de encontrar una respuesta en colectivo”. Como hombres también buscaban cuestionar sus privilegios, su construcción masculina a partir del patriarcado.

Con un escenario inundado de arena, “enmediodelmar” cuenta lo que pasó en la Isla de Clipperton como parte de la historia de nuestro país, y de la que generaciones actuales conocen poco. Así que ve a el El77, ubicado en Abraham González #77 en la colonia Juárez. Puedes comprar tus boletos en línea.

La Cabra Salvaje lleva teatro espontáneo a la Sala Novo

Por Redacción / 28 de octubre de 2019

La Cabra Salvaje presenta “Memorias a la deriva”, una propuesta escénica que usa  la metodología del Teatro Espontáneo. Un grupo de cinco intérpretes da vida a las historias que proponen los y las espectadoras, quienes comparten desde situaciones actuales hasta anécdotas complejas y significativas.

Para que las historias narradas se transformen en improvisaciones escénicas, una conductora o conductor dirige el diálogo entre lo que ocurre dentro y fuera del escenario. Solamente habla quien así lo desee.

En esta interacción teatral se va construyendo una experiencia única  donde se refuerzan los lazos sociales a través de visibilizar y resignificar las historias individuales. Esto se logra porque los espectadores se vuelven personas activas y creadoras del acontecimiento teatral, y no solamente observadores.

La función es un laboratorio de la vida e imaginación de una comunidad. Reconoce todas las historias de vida como material digno de ser escuchado y representado.

“En nuestra manera de abordar el Teatro Espontáneo, lo fundamental es devolver las anécdotas que cuenta la audiencia desde metáforas corporales y distintos tipos de escenas, y no la representación literal de las mismas. Ponemos en primer plano la lectura polisémica que cada persona pueda hacer de su propia historia para encontrar nuevas perspectivas”, comenta Alejandro Bastién Olvera

La Cabra Salvaje la conforman Lizet Alvarado Feliciano, Alejandro Bastién Olvera, Ingrid Castro González, Ricardo Lomnitz Soto y Manuel Sosa Fernández. Entrenan a partir del teatro físico e improvisación, por lo que las funciones tienen un alto contenido de danza, humor y fuerza física.

Quedan 3 funciones: los domingos 3, 10 y 17 de noviembre a las 6 p.m. La función dura aproximadamente 100 minutos. La entrada cuesta $200. Hay descuentos para adultos mayores, estudiantes y maestros.

Se presenta en la Sala Novo del Teatro La Capilla ubicado en la calle de Madrid #13, en la alcaldía de Coyoacán. Síguelos en su Facebook.

Intentos para deshacerse del dolor

Mil Grullas Teatro interviene cinco espacios no teatrales

Por Johana Trujillo / 24 de octubre, 2019

Mil Grullas Teatro, fundada en 2016 por Paulina Orduño, Belén Mercado e Isaí Reveles, es una compañía que produce piezas escénicas que conducen al espectador a generar una mirada consciente y crítica. Su primera obra original fue “Intentos para deshacerse del dolor”, que se estrenó en 2016 en el recién desaparecido Microteatro México. Este año nos contarán la historia completa de la chica que necesita deshacerse del dolor.

La actriz Paulina Orduño es la protagonista, quien harta de extrañar a su ex-pareja, decide escribir una lista de todas las formas que existen para extirpar el dolor y está dispuesta a llevar a cabo cada una de ellas con tal seguir adelante con su vida. La comedia nacida de la pregunta ¿para qué carajos existe el dolor? es un texto de la dramaturga Aída del Río a partir del original de Paulina y el director Mauricio Montesinos.

“Intentos para deshacerse del dolor” intervendrá el Teatro Humanitas de la Universidad Humanitas Madín, el Centro Cívico Satélite, Foto Museo Cuatro Caminos, el gimnasio Warrior Factory y el Centro Cultural Luis Nishizawa, al norte del valle de México. Dará nueve funciones los jueves 8:30 pm y sábados 7:00 pm, del 9 de noviembre al 7 de diciembre. Podrás comprar tus boletos sólo a través de Boletia en el siguiente enlace: https://boletia.com/eventos/intentos-para-deshacerse-del-dolor

Fechas y sedes

Este es el calendario de sedes y fechas para que puedas elegir la sede que mejor te quede:

  • Teatro Humanitas Madín de la Universidad Humanitas Madin, Dirección: Camino Vallejo a Madin 38B, Camino a madin, Atizapán de Zaragoza

Sábado 9 de noviembre, 7:00 pm

  • Centro Cívico Satélite Dirección: Circuito Médicos 77, Cd. Satélite, Naucalpan de Juárez

Jueves 14 de noviembre, 8:30 pm

Jueves 21 de noviembre, 8:30 pm

  • Foto Museo Cuatro Caminos de la Fundación Pedro Meyer. Dirección: Ingenieros Militares 77, Lomas de Sotelo, Naucalpan de Juárez

Sábado 16 de noviembre, 7:00 pm

Sábado 23 de noviembre, 7:00 pm

  • Centro Cultural Luis NishizawaDirección: Tec de Monterrey Campus Zona Esmeralda, Bosque Esmeralda, Cd. López Mateos, Atizapán, Estado de México.

Jueves 28 de noviembre, 8:30 pm

Sábado 30 de noviembre, 7:00 pm

  • Warrior Factory Dirección: Paseo de Otoño esquina con Rosas, La Florida, Naucalpan, Edo. México

Sábado 30 de noviembre, 7:00 pm
Sábado 7 de diciembre, 7:00 pm

Toia&Callaci, argentinos viajeros que hacen teatro popular

La compañía que trae de gira El ángel de la valija

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)

13 de septiembre, 2019

Agustina Toia y Severo Callaci llevaban años trabajando cada uno por su cuenta. La traducción al italiano de “El ángel de la valija” les llevó a crear en 2017 su compañía Toia&Callaci.

“Venimos trabajando desde hace más de 10 años en la creación independiente de espectáculos ya sea en Argentina, América Latina y Europa. Cada quien en diferentes grupos como actores, directores y productores. Fue hace dos años cuando decidimos unirnos como compañía y empezar a trabajar juntos. Nos gusta viajar y poder llegar nuestro trabajo a la mayor cantidad de lugares posibles”, comenta Agustina Toia.

 

La Gira Mexicana 2019

Ahora viajan con “El ángel de la valija”. Mientras, están armando un nuevo proyecto sobre el universo femenino. Severo estará a cargo de la dirección y Agustina actuará.

Agustina me cuenta que la gira por México nació porque a fines del 2018 fueron seleccionados por el Festival Internacional A Escenabierta de Guanajuato 2019. “También habíamos quedado seleccionados para unas fechas cercanas en dos festivales en Europa y no queríamos decirle que no a nada. Fue así como pensamos en ampliar la gira por México ya que veníamos desde tan lejos”, dice Toia.

Contactaron a la productora mexicana Viridiana Mendoza, y se creó un equipo de trabajo con el que comenzaron a trabajar sin conocerse y a la distancia. “Es nuestra primera vez en el país y estamos felices, nos han recibido con mucho profesionalismo y mucho amor, que es el que hace siempre la diferencia”.

Han tenido muchas funciones ya. Se han presentado en Guanajuato, Veracruz y Michoacán. Este 19 y 20 de septiembre estarán en Cuernavaca. El 24 de septiembre en la FES Acatlán, el 25 de septiembre en el Centro Cultural El Hormiguero en CDMX. Finalmente, en Oaxaca el 28 y 29 de septiembre.

 

El proceso de creación de Severo Callaci

“El ángel de la valija” es fruto del trabajo de un actor y un dramaturgo a lo largo de 7 años. Severo cuenta que comenzó a partir de un taller que dictó el también director del espectáculo, Sergio Mercurio. “Esta experiencia tenía como objetivo encontrar una poética personal. A partir de ese taller fue que comenzamos a trabajar, a buscar el espectáculo”.

Su espíritu viajero alargó el proceso un poquito. “Como vivíamos en dos ciudades diferentes y viajábamos mucho, nos íbamos encontrando en diversos periodos de trabajo. Íbamos probando cosas, yo luego las trabajaba solo y se las volvía a mostrar tiempo después. Muchas de esas cosas quedaron en el espectáculo, y otras no”.

Y es que el tiempo permite que la creatividad surja, pero da tiempo de encontrar lo más rico. “Fuimos encontrando en el lapso de esos siete años una profundidad muy interesante, todo se fue uniendo y justificando en si mismo. Cuando uno trabaja de esta forma artesanal, solo queda lo mejor de lo mejor. Y eso es lo que se ve en la obra”, concluye Callaci.

Toia&Callaci hacen teatro popular

Para esta compañía argentina el Teatro es una forma de comunicarse con ellos mismos y con el mundo. “A través de la escena poder inventar un universo y poder decirle al mundo lo que pensamos y deseamos. Para nosotros siempre fue así, hasta los dolores más grandes han caído en la escena”, comparte Agustina.

Ellos crean un teatro donde la gente ríe y se emociona. “El teatro popular es aquel que esta hecho de elementos, personajes y situaciones que todos conocemos, que están todo el tiempo a nuestro alrededor, en la calle, en nuestras casas, en nuestras vidas”, me cuenta Severo.

Ese teatro tiene una búsqueda abierta, “que es para todo publico, que es inclusivo, que lo puede ver e identificarse cualquier persona de cualquier edad o clase social”. ¿Y cómo lograron que la obra provocara esa identificación y descubrimiento en el público?

 

Deseos y aprendizajes del oficio de hacer teatro

Si el teatro hablar a través de Toia&Callaci nos diría que podemos “abrir puertas, pensar, buscar el amor, encontrarnos de verdad, sin pantallas y sin prejuicios, estar, simplemente estar. Observar y creer en lo posible. Que el misterio y la poesía, la belleza y el humor van de la mano, y nosotros con ellos, bien agarrados. Cantar, sentir la música, emprender un viaje, compartir”

Para Agustina el teatro puede ser un verdadero instrumento de transformación social y humana. “Creemos profundamente en esta forma de hacer teatro, donde se propone un encuentro real con los espectadores, donde lo que ve y oye, nos hace pensar, sentir y emocionarnos”.

Han trabajado muchos años de manera independiente. Entre lo que han aprendido es “saber convivir con la incertidumbre pero a la vez creer profundamente en nuestro trabajo y en nuestro modo de hacer teatro. Uno tiene que procurarse la invención, pensar en los dispositivos escénicos, luego vender la obra y también hacer las luces y el sonido”, me comparte Agustina.

Hay muchas formas de vivir del teatro, ellos eligieron el teatro popular. Ese teatro “que no tiene dificultad para comunicarse con la gente y llevarlo adonde haya un público que quiera verlo, grandes ciudades y pequeños pueblos, a teatros enormes y también en pequeñas salas que nos abren las puertas. Así logramos vivir del nuestro Teatro, y trabajar mucho, ensayando, pensando en la próxima puesta, organizando giras”.

 

También darán un taller de entrenamiento físico-expresivo y composición de personaje en el Centro Cultural El Hormiguero. Conoce los detalles.

Provocar algo en quien mira

Último Reino, teatro sobre la animalidad y lo humano.

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA) / Fotografía: cortesía de la compañía.

Valentina Martínez Gallardo dirige junto a Edson Martínez Luna Último Reino, el proyecto escénico que se presenta en Un Teatro, Alternativa Escénica y que hace una analogía entre la cacería y el acto de amar. La idea surge en Buenos Aires, en 2018 durante un curso de dirección de escena que Valentina tomó con Emilio García Wehbi, un artista interdisciplinario autodidacta.

Ella llevaba varios proyectos con el tema de la animalidad y lo humano. Tuvo la idea de investigar sobre la cacería. Su encuentro con el libro “Abismos” de Pascal Quignard, “que de entrada tenía unas pinturas rupestres en la portada, y sólo abrí el libro y fue como encontrar un tesoro. Pascal es un escritor sorprendente. Y todo ese libro fue una guía fundamental para mi proceso y para mi vida en general”, dice en entrevista con Distrito Teatral.

“Además, las clases de Wehbi y otras que estaba tomando de danza con Eugenia Estévez, quién trabaja todo el movimiento a partir de la organicidad del cuerpo y de improvisaciones, hicieron que las ideas empezaran a caer. Así que tanto mi cabeza, mi cuerpo y mi alma empezaron a confluir en el mismo tema. Lo que me dio el impulso de pedir la beca del FONCA de Coinversiones”, asegura. Gratamente se la dieron y así pudo concretar todas estas ideas que surgieron en Buenos Aires.

El Colectivo Charalito nació en el 2012. Edson Martínez y Mariana García Franco, tras varios años de trabajar juntos en distintos proyectos y colaborando con compañías como El regreso de Ulises, Teatro H y Teatro Línea de Sombra, entre otras, deciden formar un colectivo de trabajo. En el 2014 Valentina Martínez Gallardo y su compañía La Justiciera, se integra generando diversos proyectos tales como: “Watashi o qué diablos”, “Yo no soy Muhammad Ali”, “Desmantelamiento de un pez”, “Mirando un vaso de agua en una habitación”, entre otras. Desde el 2018 Mariana García decidió continuar su trabajo con Teatro Línea de Sombra. Ahora el Colectivo y La Justiciera lo conforman Edson y Valentina, quienes invitan a diversos artistas de diferentes disciplinas según las necesidades de cada proyecto.

 

Su laboratorio de experimentación interdisciplinaria

Con su laboratorio de experimentación interdisciplinaria crean lenguajes teatrales nuevos. Quienes han inspirado su trabajo son artistas como Mariana García Franco, Emilio García Wehbi, Romeo Castelucci. Del lenguaje de la danza está Wim Vandekeybus y Pina Bausch. El lenguaje cinematográfico incluye a directores como David Lynch, Lars Von Trier, Tarantino, Passolini, entre otros. En el lenguaje pictórico Rothko, Soulage, Bacon, Picasso, y varios más. También está la literatura. “Generalmente no partimos de textos dramáticos, si no de ensayos, novelas, poesía, cuentos y filosofía”, comparte.

Algo fundamental para su trabajo y para los laboratorios “ha sido siempre observar el mundo. Como dice Wehbi, observar con ojos de niño cada vez y dejarnos sorprender. Eso es muy importante para nosotros y a partir de eso, tomar lo que nos sirva para crear nuestras piezas”.

Lo que ven, escuchan, leen, bailan, sienten, el momento de vida en el que se encuentren les lleva a decidir los temas que quieren trabajar. Forman el equipo de trabajo de acuerdo a lo que cada proyecto va necesitando. “En los laboratorios más que nada nos interesa ir creando atmósferas, paisajes habitables que provoquen algo en los que miran. No intentamos contar historias ni que la gente entienda algo en específico; lo que buscamos es ampliar el panorama en primer lugar de nosotros los creadores y en segundo lugar del espectador que nos mira. El interés es provocar algo en la entraña del que nos mira.”

El proceso creativo de su más reciente estreno

Último Reino no parte de un texto dramático. “En este laboratorio en específico partimos de algunos ensayos de la serie de “Último Reino” de Pascal Quignard, “Sexus” de Henrry Miller, Jacques Derridá “El animal que siempre estoy si (guiendo)”, Giorgio Agamben “Lo abierto, el animal y lo humano”, entre otros”. Durante el proceso creativo, tomó fragmentos que aportaban al desarrollo de la pieza. Además, en esta ocasión el codirector Edson Martínez también escribió algunas escenas. “No trabajamos con una dramaturgia convencional, pero si nos apoyamos en el texto. Al final hay un texto que rige la obra.”

Valentina en específico trabajó con la escritora nicaragüense Noelia Espinoza, con quién ya había trabajado para la obra “Sed”. Con ella ha encontrado complicidad para el trabajo textual de sus piezas. Ella le plantea sus inquietudes y los temas que quiere abordar y Noelia escribe. “Además ambas nos recomendamos libros y vamos nutriendo el proceso de escritura. Yo procuro darle libertad creativa, así que le dejo escribir lo que ella vaya sintiendo. A partir de ahí yo tomo lo que me sirve y lo nutro con el trabajo de improvisación que realizo en el laboratorio con todo el equipo creativo”, dice.

Respecto a si lo que hacen se le quiere llamar interdisciplinario o experimental, ellos hacen teatro. “Me parecería muy difícil no usar todas las herramientas que existen como el video, la música, la danza, etcétera. Ese es el teatro que nos gusta hacer”, afirma. Vayamos pues al teatro a participar activamente y a pensar.

Regresará por una breve temporada en el Teatro Carlos Lazo de la Facultad de Arquitectura en Ciudad Universitaria. Los jueves y viernes del 30 de enero al 14 de febrero de 2020

Gira 1020 de la compañía francomexicana Teatro Entre 2 en el marco de sus 10 años de trayectoria

Teatro Entre 2 celebra su trayectoria con cine teatro

La compañía celebra su trayectoria con la Gira 10.20. Lleva dos de sus espectáculos de cine teatro por distintas ciudades de México.

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)

1 de septiembre, 2019

A siete meses de cumplir 10 años de trayectoria, la compañía festeja su aniversario con la Gira 10.20. Entre las ciudades que tiene confirmadas visitar están Ensenada, Tijuana, Mexicali, San Luis Potosí y Toluca.

Olivier Dautais, Arnaud Charpentier y Francia Castañeda,

Fue fundada el 1 de abril de 2010 por Francia Castañeda, Arnaud Charpentier y Olivier Dautais. Se caracterizan por hacer un taller en escena donde dejan ver todo el proceso de creación. Producen proyectos que mezclan artes como la pintura, el teatro y la música. Aunque tengan una obra terminada, nunca está concluida porque todo lo que aprenden la va alimentando.

Por ejemplo, en 2013, su espectáculo Un teatro Xico, reinauguró el Teatro Xicoténcatl de Tlaxcala creado en 1873. Intervinieron el espacio para que todo ocurriera en las butacas, los pasillos, los pasos de gato, los palcos y fuera del recinto. Pusieron especial atención en recuperar la historia del lugar y sus recuerdos. Su espectáculo multimedia El principito pintado fue premiado en 2014 como Mejor Obra Infantil por la Agrupación de Periodistas Teatrales (APT).

También han sido apoyados en tres ocasiones por México en Escena del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

 

Celebran con su Gira 10.20

La Gira 10.20 llevará dos de sus espectáculos de cine teatro por varias ciudades de México. Iniciarán llevando La Palmera, cuentos y mentiras para todos a la IX Semana de Teatro para Niños en el Centro de las Artes de Ensenada (1 de septiembre), Tijuana (2 de septiembre) y Mexicali (3 de septiembre).

Estarán en el Teatro Polivalente del Centro de las Artes (CEART) de San Luis Potosí el sábado 26 de octubre con La descarga aún no se ha completado. Y el domingo 27 de octubre con La Palmera. Después las presentarán en el Festival Cultural del Alfeñique en Toluca el viernes 1 y sábado 2 de noviembre, respectivamente.

La Palmera, cuentos y mentiras para todos

Espectáculo de cine teatro La Palmera, cuentos y mentiras para todos de Teatro Entre 2

Toma una estructura de “Las mil y una noches”. Varias historias se encajan unas en otras con la narración de carismáticos músicos-narradores. La música se ejecuta en vivo para viajar por la historia de un hombre que se pierde en un desierto y se encuentra a un fúrico demonio. Las imágenes de los retroproyectores son el personaje principal. La pantalla proyecta todo lo que el pintor Olivier Dautais va improvisando bajo la luz del acetato. Mágicamente, a través de su trazo, poéticos universos animan la pantalla, cual si fuera cine.

La descarga aún no se ha completado

Espectáculo de cine teatro La descarga aun no se ha completado de Teatro Entre 2

Se basa en los textos Mantenerse vivo y Ampliación del campo de batalla de Michel Houellebecq y El esclavo hombre viejo y el perrazo de Patrick Chamoiseau. En el 2017, el Festival Cervantino a través de su programa Revoluciones OFF pidió a la compañía plantear un montaje original que hablara sobre Revoluciones sociales.

Investigaron y encontraron textos relacionados con revoluciones en países como Francia, México y Haití, y específicamente sobre el tema del 68. Lo fueron escribiendo poco a poco a manera de collage. También utiliza la técnica de Cine Teatro. Todo es hecho frente a los ojos de los espectadores, incluso las imágenes y el sonido.

Si quieres conocer más de sus actividades y seguir su gira, visita: www.teatroentre2.org

Entrevista: ALAN URIBE VILLARRUEL

El director quiere provocar y hablar de la familia, la diversidad y el amor con “Soñé una ciudad amurallada”

Por Johana Trujillo

¿Quién es Alan Uribe Villarruel?

Es originario de Ecatepec, Estado de México hace cerca de 10 años que vive en la Ciudad de México. El teatro llegó a su vida por accidente cuando estudiaba Informática en el Instituto Politécnico Nacional (IPN) «El único taller que se adaptaba a mis horarios y en el que no me iba a sentir un inútil era el de teatro», recuerda. Con el tiempo se enamoró de su clase de teatro, dejó esa carrera e ingresó a la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT).

Alan es un hombre abiertamente gay. Hace teatro profesional desde los 24 años. Ama dar clases y dirigir. Siempre le ha gustado bailar y cantar, conocer gente, emprender, discutir y aprender. Actualmente es actor de la Compañía Nacional de Teatro y director artístico de la compañía JuegoTeatro.

La idea de crear “Soñé una ciudad amurallada” nace en un momento en que estaba tremendamente enamorado de dos personas cercanas a él. Tuvo que  enfrentarse con una idea del amor que «ya no me alcanzaba para estar bien en el mundo. Esto me obliga a replantearme las formas conocidas de emprender una relación amorosa. Los códigos aprendidos ya no me eran suficientes».

Escrita por Juan Carlos Franco y estrenada en 2017, «es sin duda la obra más hermosa que he comandado y una de las más entrañables en mi carrera. Me representa en muchos sentidos y al mismo tiempo me ha ayudado a moverme de sitio. A evolucionar. A mi y a los que están cerca de ella».

La obra entrañable de su carrera

La obra retrata una relación que pareciera muy moderna o poco convencional, con una visión absolutamente humana y cercana con la que cualquiera puede identificarse. «Eso es lo que la hace poderosa. La inclusión y la compasión son la capacidad de ver que el otro y yo somos semejantes. Creo que Soñé… es divertida y fresca. Contagia al espectador de cierto fuego juvenil que invita a la libertad, a la experiencia nueva, a la tolerancia y la normalización del amor».

Después de temporadas en Casa del Teatro, Sala Novo o Teatro La Capilla, la producción ama cuando la gente es partícipe de las risas o los silencios incómodos. Si te animas a ver este espectáculo, serás parte de «una pequeña reunión en un depa en el que vas a conocer a tres morres que le perdieron el miedo a la sociedad y construyeron su pequeña utopía de sesenta metros cuadrados. Creo que la experiencia de ver una temática así en escena, un trío de jóvenes dispuestos a fundar una familia diferente y enfrentarse así al mundo, resulta inspiradora».

Deja que el teatro te toque y modifique. «¡Me encantaría ver al público incendiado de reacciones! Ya ha pasado y ese es nuestro principal objetivo. ¡Tocar, y ser tocados! En todos los sentidos. Acérquense a ver una propuesta diferente y provocadora. Enamórense de los personajes y pregúntense qué tan bisexuales podrían ser».

Con cincuenta butacas sobre el escenario del Teatro Benito Juárez (Villalongín 15, Col. Cuauhtémoc. Metrobus Reforma), “Soñé una ciudad amurallada” dará 12 funciones del 22 de marzo al 14 de abril. Las funciones serán los viernes a las 8 pm, sábados 7 pm y domingos 6pm. Puedes comprar los boletos en Ticketmaster o en taquilla.

Una dramaturgia en espera de respuestas: ¿Y ágora qué?

Por Johana Trujillo (@joTrujilloA)

Al actor, director y fundador de la compañía franco-mexicana Teatro entre 2 le interesa cada vez menos hacer obras preescritas. Quiere retar mucho más a los artistas, y ofrecer a los espectadores algo distinto a una obra de teatro con “¿Y ágora qué?”

Teatro entre 2 es una compañía franco mexicana con 8 años de trayectoria, en la que han desarrollado su propio estilo que llaman “Cine Teatro”. Una de sus principales características es que varios de sus espectáculos salen a las calles y hacen intervenciones urbanas sorpresivas. Ante el surgimiento del interés por encontrar un arte que hable del bien común y de lo importante, la compañía se arriesga a dejar el teatro predefinido para abrir una brecha: un arte que realmente sea público, porque su fin es propiciar una experiencia humana diferente entre artistas y espectadores.

Después de despedirse el mes pasado de “Tragedia en bicicleta”, un cortejo nupcial en bicicleta en la vía pública; y tras proponer “Arbolea”, un convivio debajo de los árboles mezclando teatro, performance, arte, poesía y literatura; ahora trabajan en inventar un teatro que no se basa en obras ni texto y que tiene un tiempo que decide el espectador. Arnaud Charpentier comentó que ¿Y ÁGORA QUÉ? “va a abrir una reflexión, un diálogo, es decir: una dramaturgia en espera de respuestas. Eso me parece muy bello y arriesgado de lo que estamos haciendo ahora”.

Agregó que quieren cuestionar el poder y la autoridad en el quehacer teatral inventando una nueva forma de trabajo. “Como director, tenía la idea de que las formas teatrales se encarcelan, se acartonan una vez que ya se estrena y hay dificultad de cambiar y mejorar lo que ya está creado. Me cansa mucho la manera en que el teatro esta pensado, prefabricado, pre-producido. Considero que hay que tomar muchos más riesgos en el proceso de trabajo. Y hacer un trabajo más abierto, transparente, participativo. Eso es lo que realmente me mueve ahora”, dijo Charpentiere

La propuesta parte del Ágora de la Grecia antigua, la plaza pública en la cual los ciudadanos confrontaban opiniones y participaban activamente en el debate político, directamente, sin representante. Es producida por Paris Ramos y Abigail Cinco, y cuenta con la participación de: Francia Castañeda, Arnaud Charpentier, Valentina Sierra, Aldo González, Paola Herrera, Sergio Solís, Yanet Miranda, Marco Guagnelli. Los artistas invitados son la dramaturga Verónica Maldonado, el artista plástico. Olivier Dautais y, como fotógrafo y encargado de vídeo, Carlos Abraham Macías.

Nuevamente con el apoyo del Fondo para la Cultura y las Artes, a través del programa México En Escena, hace realidad un sueño que ha tenido desde hace dos o tres años al ver una problemática en la democracia: ¿Y ágora qué? “Me parece que tenemos graves problemas en el sentido de que no podemos actuar. No tenemos ningún peso político, ningún peso sobre el mundo en ningún ámbito. Y me pregunto desde hace mucho por qué tenemos tan poco peso. Por qué nuestra voz no es escuchada, por qué no existimos. Y no es un problema mexicano, es un problema que vive la gente en Francia, en España, en Grecia, en Estados Unidos, en todas las llamadas democracias”, concluyó.

¿Y ágora qué? cambia la idea predeterminada del teatro y el arte mediante intervenciones juguetonas y sorpresivas, donde el ciudadano adulto toma la palabra cada semana. El pasado 27 de octubre llevaron acabo “Charlatería El Ágora” y durante noviembre serán de 12 a 15 horas, y de manera gratuita, los sábados 17 y 24 en la Plaza de la Ciudadela: Lotería Agoral (17 de noviembre) y Pancracios Informativos (24 de noviembre). El martes 27 de noviembre ejecutarán Serenata Ambulante en las inmediaciones del metro Balderas.

El proyecto incluye un ciclo de Mesas Redondas sobre ciudadanía y democracia. La primera mesa redonda, realizada el pasado martes 6 de noviembre en el Centro Cultural El Hormiguero se llamó Ciudadanía constituyente y tuvo como invitados a Mora Fernández y Rubén Ortiz. Las siguientes mesas redondas se llevarán a cabo el jueves 29 de noviembre y el sábado 15 de diciembre, en espacios y con invitados aún por confirmar.

En 2019, todo el material recopilado durante estos seis meses de investigación y exploración con ¿Y ágora qué?, desde encuestas y fotografías hasta videos, serán la base de un testimonio vivo de esta travesía, contado por los artistas y los participantes. Todo este proceso permitirá crear el espectáculo teatral de calle: Los Demócratas Anónimos con dramaturgia de Verónica Maldonado, quien sigue el proceso de trabajo desde el principio, y ha obtenido varios premios por parte de TV UNAM, La Jornada, la Secretaría de Educación Pública SEP, el Instituto Mexicano de Cinematografía IMCINE, el Gobierno del estado de Yucatán y Universitas, entre otras instituciones.

Puedes conocer más de la compañía visitando www.teatroentre2.org

JOSÉ MANUEL TRAE CANCIONES PARA UN MUNDO NUEVO

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)

José Manuel López Velarde escribe, compone, dirige y también administra el espacio cultural La Teatrería. Es alentado por maestros como Daniel Finzi Pasca, Ximena Escalante, Martín Acosta, Mauricio García Lozano, Enrique Singer y José Caballero.

 

Fue asistente de director de espectáculos como Cri Cri Kinderkabarett con la cantante mexicana Eugenia León, en Alemania y Nunca más de la reconocida interprete alemana Ute Lemper. En el ámbito de la música ha dirigido la gira de Sasha Sökol para el disco 11:11 que se lanzó en 1997; así como espectáculos de Juanes y Belanova.

 

Es autor y director de obras como “Laberinto” a lado de jóvenes en riesgo social en calles de la Ciudad de México; el musical “Si nos dejan”; la obra para peque “El último teatro del mundo” y “Mentiras” (2008), musical que ya tiene nueve años en cartelera./

 
Ha traducido y dirigido las obras como “Conejo blanco, Conejo Rojo” o “NASSIM”. Una traducción y dirección que está a punto de estrenar a nivel mundial, en español, es “Canciones para un mundo nuevo” del compositor de teatro musical y ganador de tres premios Tony, Jason Robert Brown.
 

“Canciones para un nuevo mundo”, el primer espectáculo producido por Brown Off-Broadway en 1995 a sus 25 años, llega a México en español bajo la dirección de Manuel. Se estrena el próximo 23 de julio en el Teatro Milán (Lucerna 64, Juárez) con una temporada, lunes y martes a las 8:45 p.m., hasta el 21 de agosto. En entrevista para Distrito Teatral conversa sobre este proyecto.

 

 

¿QUÉ HACE PODEROSAS A LAS CANCIONES QUE CONFORMAN “CANCIONES PARA UN MUNDO NUEVO” Y POR QUÉ EL ESPECTÁCULO ESTÁ MÁS VIGENTE QUE NUNCA?

Me parece que la misma temática es el mismo hilo conductor de la obra; es dar ese paso inesperado y que hace que tu mundo cambie por completo. Extrapolarlo a que siempre estamos tomando decisiones y todos nos podemos identificar con tener que cambiar nuestro mundo e ir a un lugar que no conocemos y, que posiblemente da miedo, pero hay que tomarlo y avanzar porque lo único constante que hay en la vida son los cambios. Creo que eso lo vuelve muy universal.
 

¿CÓMO LLEGÓ “CANCIONES PARA UN MUNDO NUEVO” A TU VIDA Y QUÉ MOTIVACIÓN HAY DETRÁS POR ESTRENARLA EN ESPAÑOL EN MÉXICO?

“Canciones para un mundo nuevo” llegó a mi vida como eso: sólo canciones. Hace muchos años, más de 20, baje el disco. Son canciones que me han acompañado hace tiempo, que me gustan mucho y que han resonado en mi vida, en mi crecimiento.

Para esta puesta me llamarón Carlos Vidauri y Daniel Delgado para hacerla de un día al otro. Para cerrar ha sido un proyecto muy vertiginoso, hubo que decidirlo y aventarse pronto, desde producirla y montarla. Ha sido muy gozoso. No ha habido mucho tiempo de pensar dos veces las cosas creo que son canciones muy universales que pueden resonar en cualquier lugar, estamos haciendo una adaptación al español muy respetuosa tomando en cuenta que es para un público mexicano.
 

Una canción que siempre le llamó desde hace muchos años fue ”Yo no le temo a nada”. Se ha sentido identificado de diferentes formas con el paso del tiempo “e incluso de sentirme así o todo lo contrario. Ser por ejemplo padre de familia cambia mucho tu sensación del miedo y de lo que te da miedo y de que es lo importante”, me comenta López Velarde.

Para quienes se animen, “van a ver muchos musicales en uno cada canción es un personaje, una situación y una atmosfera diferente. Son como dieciséis obras ligadas por este hilo conductor de dar un paso para enfrentarse a un mundo nuevo literal o metafóricamente. Se van a enfrentar a muchas obras de teatro en una”, concluye.

Alicia González, con (Des)arraigo incita a la búsqueda personal

La actriz y cantante Alicia González, quien en los últimos siete años se ha desempeñado como productora y actriz de su compañía teatral JUEGO teatro, por primera vez realiza un trabajo de dirección con un unipersonal escrito por Mónica Perea que se estrena este miércoles 6 de junio en Sala Novo.

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)

Conocí a Alicia González gracias a la puesta en escena que dirige y está por estrenar: “(DES)ARRAIGO. SOLO PARA ACTRIZ-BAILARINA, ORQUESTA Y UNA BICICLETA.” Esta obra escrita por Mónica Perea es la primera vez que su compañía, Juego Teatro, hacen un unipersonal; la primera vez que musicalizan en vivo; la primera vez que la actriz Julieta Cano está en escena y no como parte de lo creativos de la compañía, y es la primera vez que Alicia dirige sola.

La decisión de dirigir este unipersonal “no surgió directamente como una inquietud de explorar la dirección, yo eché a andar el proyecto y mi intención era producirlo y gestionarlo, pero poco a poco nos dimos cuenta de que era mucho más lógico que yo lo dirigiera ya que nacía de una inquietud mía y yo parecía tener muy claro hacia dónde quería llevarlo en términos escénicos. Una vez que acepté, por supuesto, moría de miedo. La comunicación entre Julieta, los creativos y yo ha permitido que el proceso sea totalmente gozoso y nuestra exploración muy afortunada. ” Me cuenta la directora.

¿Cuál es ese cambio que viene a abrir (Des)arraigo en la vida profesional de Alicia y en la trayectoria de su compañía? “Sin duda creo que es un parte aguas para Juego Teatro, porque después de 7 años de trabajar juntos nos hizo darnos cuenta de que hay facetas de los integrantes de la compañía que no hemos explorado aún, y de que los esquemas de trabajo siempre pueden encontrar nuevos caminos”

Juego Teatro es una compañía que nace en 2011 y cuya línea de investigación parte del teatro físico; generan en cada montaje el desarrollo de códigos de movimiento que utilizan como principal medio de expresión. Apuestan por el movimiento y el teatro físico. “Desde que comenzamos nuestras carreras profesionales hemos explorado el movimiento, lo hemos hecho como compañía pero también de manera individual. La danza y otras técnicas de movimiento han sido una búsqueda constante y genuina, es uno de los intereses que hemos compartido y que nos hicieron comenzar a trabajar juntos. Creemos que al margen de la palabra se abre un gran campo de posibilidades interpretativas, y que es ahí donde vive la honestidad. En la dramaturgia de Mónica Perea encontramos una estructura que nos permite indagar en esta exploración”.

La compañía lleva ya siete montajes en su haber donde cinco son dirigidos por Alan Uribe, uno por Daniel Bretón y otro por Antonio Algarra, además, han montado dos textos escritos por mujeres. Alicia González es la primera mujer en esta compañía que dirige un unipersonal sobre una mujer que va a buscar su propio camino. Todo esto que le hago ver le parece muy revelador.

“Me siento desde hace mas de un año inmersa casi sin buscarlo, en este oleaje de mujeres que buscan reivindicarse como creadoras, como autoras de sus propios discursos, y no sólo en el mundo de las artes. Es un tema que se me presenta constantemente y siempre de manera vehemente. Admiro y respeto a mis maestros, directores y compañeros de escena, he tenido la fortuna de conocer a hombres inteligentes y talentosos que me han enseñado mucho. Aún así, no se necesita ser estadista para darse cuenta de que hay muchos más hombres en puestos creativos, que mujeres, y me parece que tendríamos que preguntarnos el por qué. Y aunque nunca me atrevería a menospreciar la invaluable participación de los hombres de nuestro equipo, sí reconozco que me siento feliz y satisfecha al ver que la dramaturgia, el concepto escénico, la producción, la dirección y la actuación están en manos de mujeres que admiro, y que trabajamos arduo para contar con la mayor honestidad posible la historia de una mujer que se busca. Cito a Diana Reséndiz en el manifiesto de la obra Nuestra Venganza es ser Felices: “No venimos a pedir que nos respeten. No venimos a pedirles nada. Venimos a contar nuestra historia.”“

En 2017, después de tres montajes en que Julieta Cano había coreografiado o asesorado movimiento, Alicia tuvo la inquietud de hacer un montaje en el que ella fuera la protagonista. “Siempre he creído que tiene un potencial interpretativo maravilloso que he visto en sus participaciones con otras compañías, mientras en la nuestra permanecía en el lado creativo. Así que presenté mi proyecto al equipo, decidimos que sería un unipersonal. Dado que es un unipersonal, me permití probar algo con lo que soñaba desde que empecé a estudiar música, y que debido al tamaño de los elencos y las nóminas nunca había sido posible: ¡musicalizar en vivo! Tener esa oportunidad y contar con músicos amigos de toda mi confianza, me hace muy feliz; pero sobre todo, me entusiasma muchísimo encontrarme mano a mano con Julieta en este proceso creativo y echarme el clavado con ella este miércoles que estrenamos.“

El texto está conformado por 12 escenas que dan nombre a cada estación del viaje del personaje: Pertenencia, Arraigo, Salto, Todo atrás, Cambio de ritmo, ¿A qué vine?, Nada me detiene, Es mío, El dolor de crecer, Yo soy, Futuro Porvenir y Caldo de pollo o cómo siempre se regresa al origen, con los que vas conociendo a Julieta. “En cada estación buscamos núcleos emotivos y tratamos de establecer con ellos un vocabulario corporal y musical, que corra de manera paralela a la palabra y abra una ventana mucho más directa hacia el espacio emotivo que explora la intérprete. Juego Teatro ha abrazado el desarrollo de códigos de movimiento como eje de trabajo, en el que hemos tratado de profundizar a lo largo de los años.”

El texto está escrito a partir de experiencias reales de la vida de la actriz Julieta Cano por un interés de Alicia de contar su historia. “Ella emprendió un viaje con el que siempre me he sentido profundamente identificada, y me gustaría abrir ese espejo para que el espectador conecte con su propia búsqueda. Éste me parece, además, un gran lugar de partida que difícilmente nos dejará mentir en éste montaje que, como ya mencionamos, es primera vez de tantas cosas.”

Con (Des)arraigo, recordaremos que “todos hacemos un viaje en algún momento de nuestras vidas, “El” viaje, que se vuelve revelador, un antes y después. Quizás la particularidad de éste personaje es que cada punto que pisa en su travesía se vuelve extremo, intenso, radical. Yo encuentro mi propia experiencia en esta historia, y estoy segura de que muchos lo harán también.”. (Des)arraigo es una incitación “a quienes no han emprendido su búsqueda, a que la reciban con los brazos abiertos cuando se presente, e incluso a que la propicien, sin miedo. Y a quienes ya la vivieron, a que traten de observarla sin juicios.”

En la propuesta de dirección , la música y el movimiento son los grandes compañeros de escena de la intérprete. “En nuestra propuesta, la música es mucho más que un generador de atmósferas, es más un catalizador de la acción, un elemento vivo que se comunica de manera directa con la intérprete y su creación coreográfica que a su vez, está construida por variables que se reorganizan en cada función.“

(Des)arraigo es el primer proyecto de la residencia que Juego Teatro tiene en Teatro La Capilla este año. Los siguientes montajes que podremos conocer como parte de su residencia son: “Soñé una ciudad amurallada”, de Juan Carlos Franco bajo la dirección de Alan Uribe, que presentará su tercera temporada; el estreno de “Juan y Julia”, también de Juan Carlos Franco basado en “La Señorita Julia” de Strindberg, dirección colectiva; y “Padre Nuestro”, el primero del tríptico “Máquina Becket”, texto de Alejandro Iglesias Mendizábal y codirección de Alan Uribe y Meraqui Pradis.

Por lo pronto, este miércoles 6 de junio tienes una cita a las 8 p.m. para conocer el viaje de Julieta. Estará en temporada todos los miércoles y jueves de junio en la Sala Novo de Teatro La Capilla, ubicada en Madrid #13, Col. Del Carmen Coyoacán.

Consulta la obra en nuestra cartelera.