TRAINSPOTTING, LA VIDA EN EL ABISMO…

SEXO, DROGAS Y… ¡MIERDA!

Por Ariel Escalante (@YosoyAriel)

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Las anécdotas en torno a estos temas resaltan en el montaje teatral Trainspotting, la vida en el abismo, que dirige Gabriel Retes, basada en la novela de Irvine Welsh, a partir de la adaptación al teatro de Harry Gibson…

La obra, que reestrenó temporada el pasado viernes 4 de noviembre, retoma la historia de Marco, un joven adicto a la heroína, y su grupo de amigos, quienes viven el presente entre futbol, borracheras y drogas, y evitan tomar decisiones importantes para su futuro…

En la version teatral de Retes se respeta la historia de la novela, que fue conocida a nivel mundial cuando Danny Boyle la llevó a la pantalla grande, pero incluye diálogos y referencias nuevos que intentan acercarla a la realidad social y política del México actual.

El también cineasta considera importante que sean, principalmente, los jóvenes quienes se atrevan a ver la obra. “La intención del montaje surge de la necesidad por mostrar ese otro lado que poco conocemos de las drogas; no los narcotraficantes ni los grandes cargamentos confiscados que orgullosamente el gobierno presume en televisión sino el 80 por ciento que no logran recuperar y llega a manos del consumidor, el adicto, el enfermo”, menciona Retes.

Trainspotting fue adaptada al teatro antes que al cine y en México la estrenó por primera vez el propio Gabriel Retes en 1998. Esta nueva version fue vista por Irvine Welsh el año pasado en Guadalajara, en el marco de la Feria Internacional del Libro a la que fue invitado.

Si bien carece de las escenas brillantes que logró Danny Boyle con el lenguaje cinematográfico, la apuesta de este proyecto es conectar con el publico a través de las anécdotas que reflejan cómo se enfrenta una vida de adicciones, violencia y machismo y a través del trabajo de los actores que constantemente rompen la cuarta pared.

Trainspotting se presenta los viernes y sábados a las 6: 30 y 8:30 pm en el Teatro Rodolfo Usigli, en Coyoacán, hasta el próximo 31 de diciembre.

 

 

Trainspotting

Dramaturgia: Harry Gibson, a partir del original de Irvine Welsh

Dirección: Gabriel Retes

Elenco: Vicente Flores, Meritxell González, Raúl Andrade, Sofía Sojo

Viernes y sábados 18:30 y 20:30 horas

Teatro Rodolfo Usigli; Eleuterio Méndez 11, colonia San Mateo, delegación Coyoacán, Ciudad de México.

Entrada general $350. Estudiantes e INAPAM $250.

STOP KISS

¿CÓMO EXPLICAS LO QUE NO PUEDES EXPLICARTE TÚ?

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)*

Un día la actriz Claudia Nin comparte en Facebook un cartel de la próxima obra de teatro en la que participa. La imagen que usaron para promover Stop Kiss logró captar mi atención. Primero porque quién lo compartía la conozco, sin embargo, el contenido logró mi interés, específicamente dos frases:

 

“La obra Off-Broadway que movió a Nueva York ahora en México.”

“¿Cómo le explicas al mundo lo que no puedes explicarte tú misma?”

 

Al pasar los días volví a ver otro post con la sinopsis:

 

“Callie, una neoyorquina experta en evadir conflicto, conoce a Sara, una provinciana soñadora, y comienza una amistad que cambiará sus vidas para siempre.”

 

Después volví a olvidar el próximo estreno de Clau, con quien tuve oportunidad de colaborar en un proyecto hace un par de años, hasta que un post en Facebook donde ella estaba etiquetada me recordó, otra vez, Stop Kiss. Ese post del 16 de octubre de 2016 volvía a mostrar el cartel promocional de la obra con un mensaje largo, yo sólo leí los primeros 147 caracteres (con espacios):

 

“El amor es amor, y no reconoce nada referente a estratos sociales, condiciones económicas, edades, religiones ni mucho menos preferencias sexuales.

Bajo esta valiente y muy actual premisa, la puesta en escena  #StopKissMx llegará a nuestro país el próximo 8 de noviembre, lugar en el que se presentará en uno de los recintos teatrales más importantes de la capital mexicana: el Teatro Milán.”

 

En este momento no recuerdo en que publicación sobre la obra lo vi: un beso lo cambia todo. Algo así decía el mensaje. Con eso y el título de la obra supe de qué iba. E imaginé. Imaginé que si iba podría saber qué vivía una mujer cuando se sabe lesbiana pero no puede explicarlo al mundo porque ni ella se lo puede explicar. Eso era mi recuerdo de algún otro post que leí cuando el Frente Nacional por la Familia convocó a una marcha, entre otras cosas, en contra de que se legalicen los matrimonios igualitarios. Dicha problemática interna me resultaba interesante, un tema del que no había escuchado hablar.

 

Así, el 3 de noviembre me aparece en mi timeline de Facebook una publicidad de la Fanpage de Stop Kiss y de nuevo esa frase me llama la atención:

 

“¿Cómo le explicas al mundo lo que no puedes explicarte tú misma?”

 

Esa frase me habla, no por que me atraiga una mujer sino porque hay cosas de mí que no puedo explicarle a los demás por eso.

 

Seguí leyendo hasta “¡Aprovecha la preventa del 50% hasta el 8 de Noviembre!”, no vi más. Entré directo al enlace a Ticketmaster, averigüé el precio de la entrada: $175, ¾ una real promoción tomando en cuenta que en Teatro Milán los boletos generalmente superan los $300 ¾ y se lo compartí a mi novio. Realmente quería ver la obra, sola o acompañada, pero yo quería descubrir lo que tenía que decirme Stop Kiss.

 

La campaña de Facebook que diseñaron para la obra es una muestra del poder de las redes sociales para informar, para darte a conocer y, sobretodo, del poder que tienen unos mensajes bien escritos para hacerte imaginar lo que un producto tiene que ofrecerte.

 

Cuando se unen elementos como conocer a alguien para interesarte en lo que hace, conectarte a una hora específica para informarte en redes sociales y tu interés por el teatro o las historias, todo indica que el trabajo de tu community manager va por buen camino, que el presupuesto que destinas a redes sociales está teniendo resultados medibles (con nombre y apellido). En la promoción, el diseño y el mensaje son la clave para comunicar el valor de lo que ofreces. Desafortunadamente, en el teatro independiente pocas compañías tienen el presupuesto o gente profesional a cargo de su comunicación.

 

Por si te lo preguntas, sí, fui a ver la obra. Aunque, la obra no va de lo que imaginé, sino de los prejuicios y la violencia hacia dos mujeres que una noche decidieron darse un beso, y cuya historia vas conociendo en flashbacks, recuerdo esta frase: “Si no te gusta tu trabajo deberías buscarte otro”.

Me gustaría que vayas a explorar una nueva historia, me compartas tu opinión y me digas qué fue lo que te llevó a ver Stop Kiss.

 

STOP KISS

De Diana Son

Dirección Sebastián Sánchez Amunátegui

Con Claudia Nin y Alodra Pavón

Teatro Milán (Lucerna 64, esq. Milán)

Funciones martes y miércoles 20:30 hrs.

Hasta el 15 de febrero.

 

*Diseñadora gráfica de profesión, mercadóloga y community manager por necesidad y experiencia. Curiosa, observadora y promotora por naturaleza. Puedes conocer su perfil profesional en LinkedIn

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

En DISTRITO TEATRAL creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Vamosalteatro para descubrir qué #valelapena ir a ver y conversar. Da click aquí si quieres conocer más de nosotros.

ALAIN KERRIOU: EL MAGO DE LA ESCENA

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)* Foto: PQ México

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En estos tiempos de guerra la historia calla, los periódicos mienten y en las redes sociales se generan movimientos políticos y sociales virtuales que, en su mayoría, fracasan. No es de sorprenderse que los hombres se sumerjan en el hastío de la soledad. Si bien es cierto que la soledad puede ser causante de grandes reflexiones, encuentros con la otredad… en la actualidad es asfixiante porque está vacía, manteniendo una falsa apariencia de estar acompañado por puntitos verdes del chat.

Cuando las ciudades necesitan expresarse, cada determinado tiempo, nacen una serie de individuos que expresan las pasiones de la humanidad a través del arte. No es casualidad que en esta época de sumo individualismo un hombre solitario trabaje en un oculto estudio de la ciudad de México, trate de dar vida a todo un concepto que ha sido olvidado durante siglos y, retome fuerza cada determinado tiempo. Hablo de Guilio Camillo y su “Teatro de la memoria”. Entender a Camillo y su teatro necesita de un arduo esfuerzo que lleva una vida de estudio y compromiso.

Sin embargo, no escribo para hablar de Guilio Camillo, un filósofo de cinquecento italiano que tuvo que manejar su obra con inteligencia y hermetismo para no ser quemado por la Santa Inquisición. Me encuentro aquí sentada para escribir de un hombre que trata de sobrevivir a la ignorancia e insensibilidad de las artes, que con su obra se ha convertido en un maestro mago de nuestra generación y, que es un artista multidisciplinario porque una sola expresión artística no le basta.

Alain Kerriou es el encargado de traer la idea cinetísmo al teatro y la danza. Ha trabajado durante años con la intervención de super 8, 16 y 35 mm, también ha intervenido sus piezas instalativas relacionadas con la escultura. Para entender un poco la mente de este creador debemos acercarnos a la idea del concepto del espacio ya que le permite la invención de unos nuevos, por esa razón la escenografía ha sido uno de sus máximos exponentes.

Hablar de Kerriou es invitar a la especulación filosófica de una obra y vida. Nadie puede decir que el proyecto “Do Not Play” que se estrenó en el Museo del Eco en el año 2014, en el que sólo hubieron aproximadamente sesenta espectadores, no existió. Nadie puede decir que esas piezas instalativas que intervienen el espacio y tiempo durante ensayos y su exhibición final no existieron. Actualmente, Kerriou trabaja en su “Proyecto Camillo” en donde sus obsesiones se concentran. Ha comenzado la creación de un nuevo espacio que durante un corto periodo verá la luz del día, para después ocultarse nuevamente en el recuerdo de los espectadores y en la mente del creador.

Alain Kerriou muestra sus obras como una extensión de él mismo, con un velo que nos permite vislumbrarlo de manera más clara. Kerriou, sin querer, ha generado un misticismo que lo envuelve junto a su obra. Estar a su lado, muchas veces, significa no comprender lo que ha dicho. Empero, tiene un imán que no te permite alejarte. Al final, al ver un poco de la obra de Alain, aunque no se comprenda del todo, uno se emociona y algo se modifica de manera interna. Para nosotros, espectadores, es un misterio el por qué, pero no para el creador. Una vez más Alain Kerriou modifica el espacio y tiempo interno del hombre para desaparecer.

 

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

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PULMONES

ABRIRLE LOS BRAZOS AL AMOR

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)*

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Disfruto del teatro que me hace reírme de mi misma. Disfruto del teatro con el que me identifico porque me deja pensando o al menos me muestra algo de mí que no me había detenido a conversar conmigo misma. Disfruto del teatro que me lleva a abrir conversaciones nuevas con las personas que están en mi vida. Por todo lo anterior disfruté de ir a ver PULMONES el jueves pasado. Después de un año de haberla visto en su temporada de estreno, me sigue haciendo reír y me sigue dejando preguntas a responder.

 

En PULMONES, una pareja joven está teniendo una conversación sobre si traer a un niño a este mundo o no. Eso es algo importante, porque ellos crecen y se hacen personas, porque dicen que si te importa el planeta lo ético sería no tener hijos… También, hay personas que no deberían tener hijos. Sin embargo, ¿qué pasa con nuestra capacidad para hablar de lo que necesitamos o de los temas que nos inquietan? ¿Y con nuestra capacidad para amar?

 

Estos personajes en sus veintitreintitantos sacan la risa de quienes los miran. Como en cualquier relación, viven dificultades y eventos que podrán a prueba su relación y el amor que sienten el uno por el otro porque enamorarse es fácil, amar no tanto. Su discusión o conversaciones como pareja es tan cotidiana que cualquier hombre o mujer se recordará en algún momento de su vida. Qué se acabará primero ¿el mundo o su relación?

 

El texto del inglés Duncan Macmillan explora la conversación sobre tener una familia a la vez que lo entrelaza con las preocupaciones sobre el planeta y el mundo. La propuesta de dirección de Alberto Lomnitz, uno de los directores más prolíficos en el teatro mexicano, deja en las actuaciones de Ana González Bello y Roberto Cavazos toda la responsabilidad de lograr meternos en la historia de esa pareja que conversa sus inquietudes y desarrolla su capacidad de amar a pesar de los miedos o dificultades que se tienen en el camino. Los únicos elementos en que se apoyan son la iluminación (también de Lomnitz) y dos bancos de plástico, el resto está en nuestra capacidad de imaginar y dejarnos llevar por las convenciones que nos plantean los actores.

 

Dime algo, ¿con quién compartes tus ansiedades? ¿A quién le agradeces que sea esa persona que te aguante cuando te pones sensible? ¿A quién amas y no se lo dices lo suficiente? ¿Con quién te reencontraste después de un tiempo y seguía siendo importante para ti? Vale la pena que vayas al Foro Lucerna, en la colonia Juárez, con esa persona porque se reirán, y quizás abran esa conversación pendiente.

 

 

PULMONES

Dramaturgia: Duncan Macmillan

Dirección e Iluminación: Alberto Lomnitz

¿En qué teatro? Foro Lucerna (Lucerna 64 col. Juarez)

¿Qué días está? Jueves 8:45 p.m.

¿Cuánto cuesta? $250

Hasta el 8 de diciembre

 

 

*Diseñadora gráfica de profesión, mercadóloga por necesidad y experiencia. Curiosa, observadora y promotora por naturaleza.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

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LOS MINUTOS SE VIERTEN

UN AUTO DE FE AMOROSO

Por Fredo Godínez

 

“Llevamos en la sangre, en el alma y en la mente, lo que hemos sido. Nunca dejaremos de ser, nuestras madres (padres), nuestras abuelas (abuelos). Pero siempre será nuestra elección lo que seamos.”

Carolina Estada.

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Mucho se ha discutido sobre si el director debe pensar en el espectador al momento de ir armando el rompecabezas que unirá en un solo cuadro al dramaturgo, a los actores y al director. Los desencuentros en este tema son frecuentes.

 

El debate tiene dos polos, pienso: la obra debe ir en busca del espectador o el espectador en busca de la obra.

 

Desde mi perspectiva, una buena obra de Teatro es aquella que logra conectar con el espectador sin hacer a un lado las búsquedas estéticas o discursivas del dramaturgo o del director. Y por otro lado, lo peor que puede pasarle a todos es que el espectador salga de una obra de Teatro de la misma forma en que se entra: sin nada.

 

Mis conocimientos del Teatro son los de un simple espectador que va por los foros en busca de obras, de historias que me cubran los huecos que me dejan la Novela, el Cuento o la Poesía.

 

“Los minutos se vierten” no sólo me cubrió mis huecos, mis ausencias sentimentales; si no que me abrió tales y me recordó que a pesar de esas ausencias sigo en pie, sigo vivo.

 

A través de la Danza y el Teatro, un colectivo de actores se plantan en el escenario para contarnos sus historias familiares, más precisamente sus recuerdos más hondos y alegres que tienen y conservan sobre sus abuelas. La sinceridad de cada actor en el escenario es asombrosa; aquí la ficción es la gran ausente y cede espacio a la entraña, al sentimiento más puro. El teatro, pues, como una auténtica catarsis y el espectador como el gran receptor, quien también tendrá su oportunidad de abrir sus entrañas y ponerse al mismo nivel del actor. Es un círculo sentimental que se abre con el actor en escenario y logra cerrarse cuando el espectador se reconoce y da voz a sus sentimientos y recuerdos.

 

“Los minutos se vierten” es un homenaje a las abuelas por sus enseñanzas, sus cuidados y también es un reclamo, una reconciliación y un perdón; un auto de fe.

 

“Los minutos se vierten” es una obra que viene a recordarnos que uno es lo que es gracias y a pesar de nuestros abuelos, nuestros padres y nosotros mismos.

 

“Los minutos se vierten” como un homenaje al tiempo perdido y una invitación a atesorar cada recuerdo, pues son gasolina para sobrevivir a los tiempos difíciles.

 

“Los minutos se vierten” es una obra realizada por la parte personal e íntima de los actores, y que busca conectar con los sentimientos más profundos del espectador. Una obra que sirve para formar públicos teatrales, y que debe y puede ser vista por toda la familia.

 

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“Los minutos se vierten”

Creación colectiva basada en el texto homónimo de: Carolina Estrada.

Dirección: Adrián Asdrúbal Galindo Vega.

Reparto: Iván Caldera Álvarez, Gabriela del Río, Marisol Paredes, Yollotl Manzur, Alejandra Díaz y Natalia Alanís.

Producción y Gestión: ONIRISMOS, A. C.

Teatro Sergio Magaña: Calle Sor Juana Inés de la Cruz, 114, Sta. María la Ribera, 06400, Ciudad de México.

Martes y miércoles 8:30 P.M., hasta el 26 de octubre.

ROMEO Y JULIETA

¿QUÉ SE NECESITA PARA MONTAR UN SHAKESPEARE?
Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

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Muchas han sido las versiones y puestas en escena que surgieron de la experimentación, literalidad, adaptación o fragmentación de la obra más representada del dramaturgo isabelino. Y dicho fenómeno, quizá ha colaborado a que la obra siga instigando el interés de actores, directores, dramaturgos e investigadores teatrales. Pero, en este tenor: ¿cuál es el sentido de seguir montando una obra tan conocida?, ¿qué falta por descubrir en el texto?, ¿hasta qué punto se puede volver un ejercicio vacío y mecánico? Los riesgos, conforme pasa el tiempo, crecen. Parece que montar un clásico requiere cada vez de mayor pericia para lograr un legítimo movimiento emotivo en el espectador, y no sólo una valoración de carácter histórico y cultural.

El director José Caballero, monta con la compañía El coro de los otros, una versión de “Romeo y Julieta” donde todos los actores son todos los personajes de la obra. Y es justamente esto – amén de la variedad de edades entre los integrantes de la compañía- los que se vuelven, definitivamente, aspectos imprescindibles en la conformación del discurso escénico: todos, independientemente de la edad, son susceptibles a amar y ser amados. Todos son Romeo y todos son Julieta. El discurso de dirección avanza hacia un conocido sitio: el amor y la imposibilidad de ser ejercido, gracias a una serie de circunstancias “indirectas” y coincidentes. Aunque éste, resulta ser un discurso bello e idílico, no parece derivar de un análisis absoluto de la obra. Es decir, la sustancia del texto, se diluye en la gran beldad de la propuesta discursiva, soslayando cualquier profundización. No es la superficie lo que debemos observar, es la inmensa fuerza y potencia del tema lo que vuelve interesante y valioso el texto de Shakespeare.

Se distingue una genuina intención por cubrir las exigencias de carácter en cada personaje, desgraciadamente el flujo de éstos termina por debilitar la escena. No es un problema de forma, sino de fractura en la línea de acción.

“Romeo y Julieta”, es un ejercicio que nos recuerda que existió un dramaturgo brillante, cuya grandeza radicaba, entre otras cosas, en conferir a los personajes de una agobiante fuerza interior. Es por esto que, montar una obra de Shakespeare exige un agudo trabajo analítico. Es laudable que se sigan montando obras este dramaturgo, que incluso se hagan adaptaciones y se ofrezcan, quizá, otras alternativas para observarlo, contemplarlo o acercarse a él; pero siempre con la consciencia que, al enfrentarse a sus obras, se estará entrando a un universo lleno de las más perversas tentaciones.

ROMEO Y JULIETA
De William Shakespeare
Dirección y adaptación: José Caballero
Con: Laura Almela, Rubén Cristiany, Luis Arturo García, Alejandro Toledo, Lucía Uribe y Patricia Yáñez
Se presenta en el teatro Benito Juárez (Villalongín 15, col Cuahutémoc)
Finaliza temporada el 02 de octubre.
Viernes 20:00 Hrs, sábados 19:00Hrs y Domingos 18:00Hrs.

oscar.fontana@distritoteatral.mx
*Actor / Dramaturgo / Teatrista

3 DÍAS EN MAYO

UN MONTAJE IMPECABLE
Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

Un par de días después de que el ejército nazi tomará Polonia, Gran Bretaña entra en pendencia con Alemania. Winston Churchill (primer ministro) se reúne urgentemente con su gabinete de guerra para decidir si deben rendirse ante el ejercito del dictador alemán, o deberán luchar por la victoria.

El dramaturgo británico Ben Brown escribe en 2011, “3 days in may”. La estructura del texto propone a Jock Colville (secretario de Churchill) como el personaje que irá narrando los antecedentes. Brown, con esto, rescata como idea central, la postura que Churchill mantuvo “siempre” ante la guerra: el continuar luchando y no rendirse. Es claro que, el texto de Brown contiene en la anécdota, un importante valor histórico que se convierte inmediatamente en el discurso de su dramaturgia.

El montaje dirigido por Lorena Maza y Alberto Lomnitz resulta al inicio lento en tempo, pero la dirección hace que conforme se va desarrollando, se vuelva interesante y el público logre familiarizarse con los personajes y anécdota. Si bien no es una dramaturgia sencilla y tan asequible para el espectador, la dirección coadyuva a que el éste sienta interés por la ficción.

Respecto al trabajo de los actores en escena, resulta complicado – en ocasiones – la representación de personajes históricos, ya que existe un enorme riesgo de parodiar la forma y descuidar el fondo. En este montaje, de quién quizá tuviéramos más referencias es de Churchill – interpretado por Sergio Zurita – a quien debemos una propuesta donde destaca un tono de voz que por momentos resulta forzado. Más allá del parecido físico con el personaje, los recursos formales de los que echa mano, pueden convertirse en un peligroso veneno contra la verosimilitud, e incluso poner en riesgo el tono. Sin embargo, el trabajo de todos es plausible y atractivo por su diversidad.

“3 días en mayo” es el claro ejemplo de un montaje comercial impecable. Todos los elementos están en consonancia: la música, la escenografía, el mapping e incluso el diseño del programa de mano. Definitivamente, es un montaje que se ha preocupado por utilizar sus recursos en el cuidado de la ejecución.

“3 DÍAS EN MAYO”
De: Ben Brown
Dirección: Lorena Maza
Con: Sergio Zurita, Luis Miguel Lombana, José Carlos Rodríguez, Fernando Bonilla, Pedro Mira, Miguel Conde, Nicolás Sotnikoff, Juan Carlos Beyer
¿Dónde se presenta?: Teatro Helénico (Av Revolución 1500)
¿Qué días se presenta?: Viernes 20:30 horas, sábados 18:00 y 20:30 horas y domingos 18:00 horas.
¿Cuánto cuesta?: $450, $350, $250, $160.
Hasta el 25 de septiembre

oscar.fontana@distritoteatral.mx
*Actor / Dramaturgo / Teatrista

PURAS COSAS MARAVILLOSAS

PARA CELEBRAR LA VIDA

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

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Un niño de apenas siete años, se enfrenta con una terrible experiencia: el comportamiento suicida de su madre. En esa búsqueda, quizá por entender(la), decide enumerar todas las cosas magníficas por las que vale la pena vivir, encabezando la lista con la deliciosa experiencia de saborear un helado.

“Every brilliant thing”, escrita por Duncan McMillan y Jonny Donahoe es un unipersonal que inició en 2013, en el Fringe Festival de Ludlow y de ahí, ha recorrido Reino Unido con gran aceptación entre el público.       En México, Pilar Ixquic Mata se encargó de adaptar y traducir el texto, para finalmente presentarlo como: “Puras cosas maravillosas”, obra bajo la dirección de Sebastián Sánchez Amunátegui y la actuación de Pablo Perroni.

El propósito del texto de McMillan y Donahoe es, evidentemente, la penetración emotiva en el público. A través de la historia de este personaje que va creciendo con su lista, busca transitar por diversos temas, pero hay uno que se distingue inmediatamente y el cuál deja petrificado al espectador: la toma de decisiones y la responsabilidad que esto conlleva. El montaje invita a participar a los espectadores (con ánimo) a construir juntos la ficción, recreando algunas escenas de trascendencia en la historia.

 

Pablo Perroni, genera con su actuación, un importante movimiento emotivo en su espectador. Nos regala generosamente la construcción de un personaje lleno de preguntas, incertidumbre y miedos. Su ejecución es, sin lugar a dudas, plausible y conmovedora. Esto bajo la dirección de Sánchez Amunátegui que logra un montaje ágil y entretenido; haciendo uso de la menor cantidad de recursos.

 

“Puras cosas maravillosas” logra que el público se sienta útil, que no sólo sea espectador, que forme parte, que contribuya con lo que ve y que tome una postura al respecto. Luego también, que la lección haga eco en cada una de esas mentes expectantes: encontrar siempre una razón para celebrar la vida.

 

“PURAS COSAS MARAVILLOSAS”

De: Duncan McMillan & Jonny Donahoe

Dirección: Sebastián Sánchez Amunátegui

Con: Pablo Perroni

¿Dónde se presenta?: Foro Lucerna (Lucerna 64, Col Juárez)

¿Qué días se presenta?: Miércoles 20:45 Hrs.

¿Cuánto cuesta?: General $250.-

 

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*Actor / Dramaturgo / Teatrista

ESTRENARÁN PROYECTO MORFEO

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Por Johana Trujillo (@jOtrujilloa)

PROYECTO MORFEO es un espectáculo que fusiona danza, circo, la manipulación de objetos con el teatro de imagen que estrena el 23 de septiembre en el Espacio X del Centro Cultural de España en México a las 19:00 hrs. Nace a partir del interés de EX-áNIMA de realizar un espectáculo desde un proceso de investigación entre artistas de diferentes disciplinas escénicas, particularmente la danza, la manipulación de objetos, la acrobacia y el teatro de imagen.

 

La idea surge a partir de considerar los sueños como un gran misterio para el ser humano, a pesar de que pasamos un tercio de nuestra vida durmiendo, y 20% de este tiempo soñando y no sabemos casi nada de ellos. Dentro de esta temática decidieron explorar algunos temas, como los desordenes del sueño, las diferentes faces que componen el sueño y este aspecto místico del sueño que representa Morfeo, en el que los sueños se presentan como revelaciones de nuestra personalidad, de nuestros temores y de nuestra verdad. Una temática accesible para todos los que nos gustan las artes escénicas y que podrá transportarnos a escenarios fantásticos.

Beneficiado por el Fondo de Ayuda a las Artes Escénicas Iberoamericanas IBERESCENA, en el periodo 2015-2016, bajo el rubro de “Ayudas a Co producción de Espectáculos de Teatro y Danza iberoamericanos”, con la colaboración de México y Costa Rica,  Es un espectáculo que trata sobre unos personajes con dificultades para dormir bien, que se sumergen en lo profundo de sus sueños, pasando por las diferentes etapas (el adormecimiento, el sueño ligero, el sueño delta hasta la fase REM) para encontrar a Morfeo (el sueño mismo) y poder dormir plácidamente.

Si es la primera vez que exploras el teatro y al danza. Si te gusta pasar un rato entretenido y diferente con familia o amigos. Si busca algo para hacer con personas de diferentes edades… PROYECTO MORFEO quizá te entretenga, quizá sientas e interpretes libremente las imágenes que veas como sentirían aquellas imágenes o situaciones que se presentan en los sueños.

Como nos dijo la directora de PROYECTO MORFEO, Ana María Moreno,  “esperamos que el espectáculo les muestre que la magia esta en nuestra imaginación y lo que nosotros hagamos con ella y que el arte no se debe de “comprender” sino de sentir, que va más allá de las palabras, las nacionalidades o las técnicas.”

Disfruta cada día más de las artes escénicas.

 

SATISFACTION

DEJA LA MEDITACIÓN POR IR AL TEATRO

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)*

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El primer evento que cambió mi vida lloré. El segundo, dejé de comer. El tercero guardé silencio y mentí. El cuarto no me escuché. Así, llega un día en que te recuperas, reconstruyes y reencuentras. Y esto es lo que me provocó dejar la meditación de los jueves por ir al teatro para ir a ver Satisfaction, escrita e interpretada por Carmen Zavaleta y dirigida por Ángel Luna.

 

“Esto no empezó hoy, empezó cuando dejé de vivir con mi cuerpo. Uno deja de vivir con su cuerpo y se congela.” Con esta frase nos recibe Sara, una mujer de 45 años que se siente satisfecha… casi siempre. Que a los 17 años encontró en la comida cómo llenar los huecos del cuerpo y los dolores del alma. Que por muchos años el silencio se volvió parte de su vida por un hecho que la cambió para siempre. Que nos habla de una mujer que se le complica el mundo desde pequeña… que nos habla de todo eso que no empezó hoy sino hace mucho tiempo.

 

Hace unos meses les contaba de “Puras cosas maravillosas” y porqué valió la pena cruzar la ciudad. Hoy les digo que con Satisfaction confirmo lo que hace que para mí valga la pena ir al teatro, lo que para mí significa buen teatro. ¿Por qué? Por que para mí el buen teatro es el que te habla, te resuena, te transforma, no te deja indiferente y te hace conversar. Porque el buen teatro es el que logra que tomes consciencia de una parte de la realidad, es el que te conmueve hasta las lágrimas (como una chica que al final abrazó a la actriz), es el que te deja sorprendido y con un “¿Oye tía, esto es real?” (como el sobrino de Sandra, que me invitó al teatro). El buen teatro, para mí, es el que disfrutas pero a la vez es una manera diferente de conversar y darte cuenta de algo.

 

¿Por qué vale la pena Satisfaction? Porque Carmen Zavaleta hace gestos que te llevan a reír e imaginar. La manera de hacernos ver lo que nos cuenta con su actuación, una silla de terciopelo rojo, una cartulina blanca, un plumón negro y el juego con el lenguaje es una clase de semiótica pura. Porque una cartulina comienza siendo dos senos y se va transformando en el primo, en el taxista… porque la iluminación nos hace olvidar que estamos en lo que alguna vez fue el refectorio del Teatro La Capilla. Porque Carmen Zavaleta se divierte actuando y se nota. Porque a todos nos ha pasado algo que nos ha cambiado la vida para hacernos crecer.

 

Disfruto el teatro cuando me provoca algo: reír, reflexionar, querer compartir, querer conversar. Disfruto el teatro cuando le entiendo, cuando siento que me comparte algo. Disfruto el teatro cuando me hace querer llegar a casa para escribir. Disfruto el teatro cuando logra encender en mí el entusiasmo para ser excelente en lo que hago y poder ayudar a productores y creadores a tener salas llenas. Gracias Carmen Zavaleta por mostrarme y recordarme por qué disfruto el teatro.

 

Date el tiempo de ver Satisfaction porque no habrá sido en vano.

 

*Diseñadora gráfica de profesión, mercadóloga por necesidad y experiencia. Curiosa, observadora y promotora por naturaleza.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

En DISTRITO TEATRAL creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Vamosalteatro para descubrir qué #valelapena ir a ver y conversar. Da click aquí si quieres conocer más de nosotros.