Reseña: NOCHE DE ESTRENO

UNA FALLIDA REALIDAD

Por Viridiana Nárud (@Viridianaeunice)

Me pregunto si el ser humano es capaz de entender la verdad y comunicarla de forma consciente todo el tiempo. Porque algunas obras de teatro hacen creer que el drama del hombre siempre es conscientemente inconsciente y verdadero. Como la obra NOCHE DE ESTRENO en donde la falta de entendimiento y caos de la obra recae sobre el director Antonio Castro. La obra aborda la historia de una reconocida actriz que cae en crisis después de su encuentro con una joven fan que muere después de conocerla. La vejez, tema central de la obra dentro de la obra, afecta a este personaje a tal manera que la realidad y la ficción se confunden.

Si bien es cierto que el drama escrito por John Cassavetes fue creado para generar confusión y decir de manera expuesta una serie de verdades acerca de la vejez, el amor y la actuación, a manos del director Antonio Castro, sólo es caos. Uno como espectador no entiende qué está sucediendo en escena. Y no por el drama escrito sino porque la visión del director se encuentra perdida. Queda claramente expuesto al intentar crear fallidas escenas de terror, luego cómicas, de drama… una escenografía e iluminación descuidas, actuaciones que no tienen matices y actores que gritan todo el tiempo.

El arte, si bien es cierto, no es una expresión total de la verdad, sí arroja un poco de ella. Es por ello que su verosimilitud es importante. Incluso el teatro del absurdo nos hace decir: ¡Claro, esto es verdad! A pesar de los rinocerontes en medio del escenario. Pero aquí sólo muestra descuidos. Incluso el no arte nos revela su ausencia. Lo que molesta es la falta de carácter por parte de los expositores y la pretensión.

Como artistas escénicos es muy fácil apoyarnos en el concepto y decir que pocos son los elegidos para entendernos. Esta idea surge por nuestras estructuras económicas que han ido deformando el espíritu del hombre desde la Revolución Industrial. El hombre máquina es incapaz de cuestionarse quién es en realidad y sentarse a buscar una respuesta que probablemente nunca sea resuelta. Quizá por ello, cuando escuchamos dramas que nos guían a pensar lo que debemos saber, suponemos es interesante.

NOCHE DE ESTRENO es una obra descuidada, sin intención de decir nada. Aunque Cassavetes llega a cuestionar para qué está escrita, al parecer, para los actores y el director jamás fue una pregunta que debiera ser respondida. Sin embargo, la responsabilidad no recae sólo es los exponentes de esta obra, también en un público poco exigente que se reía de nada y que no se cuestionaba por qué estar sentados durante dos horas viendo a personas crear una fallida realidad.

Basada en la película Opening Night de John Cassavetes
Dirección escénica: Antonio Castro.
Elenco: Ariane Pellicer, David Hevia Arturo Ríos, Martín Altomaro, Tina French, Anillu Pardo y Pamela Ruz
Teatro Helénico (Centro Cultural Helénico, Avenida Revolución 1500. Col. Guadalupe Inn)
Funciones: Martes 20:30 horas. del 17 de abril al 26 junio
Boletos: $450, $350 y $250.

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Reseña: LAST MAN STANDING

EL DILEMA ESTÁ EN EL RING

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)

La Compañía TeatroSinParedes, al menos en dos de las tres obras que he visto de ellos, plantean dilemas éticos. Y estos planteamientos te permiten conocerte, conocer tus puntos débiles y salir “knockeada”del teatro hacia la vida.

Last Man Standing toma a una práctica deportiva, el box, como ficción y a la práctica actoral como realidad. La obra es un vaivén de alegorías desde el box hacia la vida misma, como también pasa en el teatro. Una historia en la que serán boxeadores aunque no sean boxeadores.

Trama, conflicto, acción, combate, contienda, enfrentamiento, espacio, ring. Aquí, no es la espectacularidad del boxeo lo que interesa sino las historias de Christian y Rubén y Carmen quienes no han tenido otra opción para salir adelante que boxear.

Sales del Teatro El Galeón, que está atrás de Auditorio Nacional. Al pasar por la puerta trasera del Auditorio vez a mucha gente formada porque va a salir quien acaba de dar un concierto. Preguntas “¿qué pasa?” Un papá te responde “va a salir Adexe y Nau”. “¿Quién? Mejor me muevo rápido de aquí”.

Mientras camino, me quedo meditando ¿cambiar al sistema aunque se te vaya la vida en ello o perpetuar el actual sistema, el del box, el del teatro, el de México?

Y tú, ¿eres espectador o voyeurista?

Reseña escrita el 8 de abril de 2018.

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Reseña: BREVE HISTORIA DE LA RABIA

Ser tu misma vs los estereotipos

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)

Hay una desnudez más complicada que un streaptease. La vida de Glenda es su cuadrilátero y ella nos narra momentos clave de su vida en tres rounds.

“Sólo puedo ser yo misma, ¿voy a quedarme sola?” dice Glenda mientras recuerda una parte de su vida. Dado que nos encanta lo que no somos, que somos humanos que nos atrae tanto lo que nos destroza, ella se pregunta también si hay una escala en la que se mida ser hombre o mujer porque a ella era poco femenina, según la norma.

Lo bueno es fácil de contar pero la parte oscura que llevas dentro, esa cuesta. Se requiere fuerza de voluntad para ser feliz y más permitirte amar.

¿Tú qué haces para dejar atrás todo lo que duele?

De: Lucía Leonor Enríquez.
Dirección escénica: Mahalat Sánchez.
Elenco: Glenda Tejeda.
Sala Novo (Madrid 13, Col. Del Carmen Coyoacán)
Funciones: Martes 20:00 hrs. Hasta el 24 de abril de 2018.
Boletos: $200, $100, $50. Tú eliges qué precio pagas, la obra es parte del programa Teatro Justo de Teatro La Capilla.

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Reseña: LAS DESPEDIDAS

UN VIAJE SOBRE LA BREVEDAD Y LA INTENSIDAD QUE CONLLEVA VIVIR

Por Fredo Godínez (@AlfiePingtajo)

I – Las preguntas

¿A los cuántos años puedo presumir que he cumplido con mis metas en la vida?
¿En verdad estoy parado en el lugar donde, siempre, quise estar?
¿Soy completamente feliz o lo soy a pesar de mí?
¿Estoy solo por gusto, por convicción o mi soledad es una consecuencia de no saber enfrentar mis miedos?
¿Y si fuera diagnosticado de cáncer, cómo lo afrontaría, cómo lo tomarían mis amigos y familia?
Esas son las preguntas que, pienso, se realizó Lucía Gómez-Robledo a la hora de escribir Las despedidas, su ópera prima.

II – La trama

Las despedidas cuenta la historia de Ana, una chica que a sus 32 años se siente satisfecha con su estilo de vida, el cual se verá alterado al enterarse que una enfermedad la podría arrebatar del mundo, antes de lo planeado. Una noticia que, sin duda, la cambiará tanto ella como a su entorno, y de paso la confrontará con uno de sus mayores miedos: la soledad.

Conforme avanza la obra, el espectador se adentrará al mundo de Ana y -guiados por ella- conocerán cada uno de los sentimientos a los que se fue enfrentando y la forma en la que aprendió a relacionarse con su familia, sus amigos y sobre todo con ella misma.

III – La interpretación y el texto

Lucía Gómez-Robledo escribió una obra que busca retratar la forma en que una mujer y su familia confrontan una enfermedad que podría terminar con lo que conoce por vida. Pero sobre todo busca confrontar las dos caras de la moneda: por un lado tenemos a una mujer que, ante la noticia de tener una grave enfermedad, busca sacar fuerzas de dónde sea; y por otro lado tenemos a la familia que quiere apoyarla y protegerla, a su modo, de algo que no está en sus manos. La primera recurre al humor negro como defensa ante la sensación de lástima que emerge, sin quererlo, de su familia.

Por otro lado, Bárbara Riquelme reinterpreta adecuadamente el texto dramatúrgico y logra que cada uno de los actores ponga la energía necesaria para ofrecerle al espectador una historia íntima que a través del humor negro ofrece al público una mejor forma de procesar y comprender un tema tan delicado como lo es el Cáncer de mama.

Las despedidas deja ver a una joven dramaturga con un futuro prometedor, pues en dicha obra se refleja que tiene una gran capacidad para contar y construir historias sencillas, cotidianas y universales. Tal y como lo que proponía Italo Calvino en sus “Seis propuestas para el próximo milenio”, que en México fueron retomadas por la Generación del Crack, a la que pertenece la narrativa de Ignacio Padilla; escritor que dejo el mundo de los mortales el pasado agosto de 2016. Por cierto, dicho escritor fue maestro de Lucía Gómez-Robledo y probablemente con él aprendió a crear este tipo de textos.

IV – Mi introspección

Ya lo he dicho en reseñas anteriores, cuando asisto a ver una obra de Teatro espero salir con una grata experiencia, pero sobre todo, deseo que dicha me genere la misma sensación que una buena novela, un buen cuento o un buen poema. Dicho de otra forma, anhelo ser confrontado y cuestionado.

A diferencia de la protagonista de la obra, no padezco una enfermedad tan grave, pero sí llevo conmigo, a todas partes, el estigma de haber sufrido un episodio de estrés-depresión que se somatizó a través de migraña y vértigo. Eso está ahí y en cualquier momento puede volver a ocurrir si no aprendo a controlarlo y a conocerme. Empero, para bien o para mal, gracias a eso he ido aprendiendo a romper algunos miedos y a tomar las oportunidades que la vida me da.

Sin embargo, día con día me invaden las preguntas con las que inicié este texto. Y casi nunca tengo la respuesta definitiva.

Y como la protagonista de esta obra, busco rodearme de gente que sepa estar cuando la necesite y no cuando les convenga. También quiero y necesito rodearme de las personas que logren aceptarme tal y como soy sin buscar corregirme o cambiarme ni en la cosa más insignificante.

Y sí, como la protagonista, sé que hay personas que han perdido más cosas que yo y han tenido la fuerza para levantarse de entre las ruinas como una Ave Fénix.

¿Y usted, querido lector, está donde quiere estar y rodeado de las personas que desea tener en su vida?

-o-o-o-o-

“Las despedidas”
Dramaturgia: Lucía Gómez-Robledo.
Dirección: Bárbara Riquelme.
Elenco: Sebastian Torres, Lucía Gómez-Robledo y Karla Bourde.
Sala CCB del Complejo Cultural del Bosque: Paseo de la Reforma y Campo Marte s/n.
Martes 8:00 PM, hasta el 27 de febrero de 2018.

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Reseña: LA PIEL DE VENUS

UNA PUESTA EN ESCENA QUE EMOCIONA

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice*

Pocas veces, admito con tristeza, una puesta en escena me emociona. Creo que el arte expresa sentimientos, a pesar del concepto. En mi experiencia suele pasar que una dirección puede ser opacada por la pretensión del director exigiendo de sus actores virtuosismo o, por el contrario, la emoción se encuentra alejada de una buena dirección. Es difícil encontrar el equilibrio. Así que como espectadora me paso mis jornadas teatrales con un sentimiento de carencia. Como si el teatro me debería algo. Cuando el teatro seduce, encanta y quiere un poco más de ello. Es un juego de seducción.

“La piel de Venus” es una obra escrita por David Ives y dirigida por Angélica Rogel. El texto está basado en la novela de Leopoldo von Sacher-Marsoch, “La Venus de las pieles” (1870), la cual causó polémica no sólo por su contenido erótico sino porque se presume que los pasajes en donde el personaje Severin le pide a Wanda ser vejado y maltratado, fueron autobiográficos. Gracias a este autor tenemos el termino masoquista.

La obra de Ives habla de un dramaturgista, interpretado por Gerado Trejoluna, quien toma el texto de Marsoch y, mientras se encuentra desgastado por no encontrar una actriz digna del personaje de Wanda, aparece una aparente actriz, interpretada Gabriela Zas, quien lo someterá a juegos de seducción y mentales. Los giros de tuerca en la dramaturgia son esenciales, uno no puede adivinar el siguiente paso del escritor, y se agradece ya que te mantiene en suspenso.

David Ives se encuentra alejado de condena acusatoria respecto a los roles de género, el masoquismo o perversines. La obra simplemente muestra y cuestiona a los personajes que, pareciera, se han mezclado con la vida de los actores. Este juego no sería posible si no fuera gracias a la dirección de Rogel, quien es capaz de entender el ritmo y atiende las necesidades del espectador, que no son más que el mantenerse al vilo de la butaca.

Las actuaciones de Gerardo Trejoluna y de Gabriela Zas emocionan. Fluyen permitiéndonos jugar con ellos. “La piel de Venus” es un juego en donde la realidad y la ficción se funden entre los personajes, los actores y los espectadores. Uno se pregunta: ¿quién está viviendo realmente esto?, ¿el actor?, ¿el personaje?, ¿me he encontrado en esa posición? ¿Quién soy?

LA PIEL DE VENUS
Autor: David Ives
Dirección: Angélica Rogel
Elenco: Gabriela Zas y Gerardo Trejoluna
Compañia: Petit Comité y Pispirispis producciones
Duración: 110 min.
Género: Drama
Función apta para mayores de 18 años.
Teatro Benito Juárez (Villalongín 15, colonia Cuauhtémoc, Metrobús Reforma)
Viernes martes y miércoles, 20:00 horas. del 6 de febrero al 14 de marzo
Costo: $141 entrada general. 50% de descuento, sujeto a disponibilidad y limitado a estudiantes de nivel básico, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno e INAPAM con credencial vigente. ***Aplican restricciones

* Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.
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Reseña BARATARIA: ESTADO DE MÉXICO

Gobernada por un hombre que en su vida ha leído un solo libro

Por Viridiana Tovar (@albusviridi)


Mientras me acomodaba en una butaca con mi acompañante, junto a los doscientos espectadores que recibió la noche de reestreno esta obra, alguien grita: “¿En cuánto está la canasta básica?”… silencio incómodo, murmullos, todos con cara de “claro que lo sé pero ni modo que me pare y lo diga” y finalmente una señora valiente entre las decenas de mexicanos que ignorábamos por completo la respuesta, grita: “34 pesos”; a lo que siguió una carcajada entre la multitud, más caras de desconcierto, el señor de al lado que entre dientes murmuraba -nunca supe a quién- algo como: “…por favor, si la libra está en treinta y el dólar todavía más caro…”. Yo quería hundirme cada vez más en mi asiento, primero por la pena de no tener la más =!/&/%$ idea y luego porque al parecer nadie a mi alrededor la tenía. No hubo mejor manera de retratar el panorama de México, 2018: ELECCIONES.

¡La isla Barataria está en barata, últimas rebajas, rebaja sobre rebaja! Gobernada por un hombre que nunca en su vida ha leído un solo libro, esta ínsula es trasladada al Estado de México entre los tintes de Miguel de Cervantes en el maravilloso mundo del gallardo hidalgo, Don Quijote de la Mancha; donde su acompañante Sancho Panza gobierna de manera ilusoria dicha tierra y aún siendo aconsejado por el Quijote, su gobierno fracasa al exceder los propios límites y no ofrecer amparo alguno a sus habitantes. Dolorosamente esta isla ficticia para Sancho es la inquebrantable realidad de ciento treinta millones de personas y sus gobernantes no han tenido la humanidad que este personaje tuvo, al reconocer su mal gobierno y retirarse con las manos vacías.

Foro Shakespeare
Zamora 7, Condesa
Miércoles 20:30 hrs.
Del 31 de Enero al 9 de Mayo
Dramaturgia y Dirección: Benjamín Cann
Elenco: Norma Angélica, Dalilah Polanco, Natalia Madera, Andrea Guerrero, Carmen Madrid, Arantxa Marchand, Alejandro Calva, Omar Medina, Jorge Zárate, Rodrigo Murray, Pablo Valentín y Benjamín Cann.
Duración aproximada: 90 minutos
Boletos: $370

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Reseña: CEREMONIA SIN FLORES

Estamos aquí reunidos para celebrar la unión entre estos dos idiotas
Por Viridiana Tovar

Y fueron felices por siempre: célebre frase seguida por una carcajada estrepitosa –en el mejor de los casos- o un incómodo y acorde silencio sepulcral. Neurosis y terror parecen ser los ingredientes en esta ceremonia, donde los deseos de amor y felicidad se desafinan con la realidad de un matrimonio arreglado por mero interés. Sin embargo, por parco que se tinte el panorama, es la carcajada estrepitosa la que resulta de ver a una madre que necesita “tomar algo para equilibrar sus emociones con lo que está pasando” –apuesto por prozac-, la novia el día de su boda… y en su primera vez con el prozac, su hermana ebria y su amiga optimista y por consecuencia incómoda.

Foro A Poco No
República de Cuba 49, Centro Histórico
Martes y Miércoles 20:30 hrs.
Del 30 de Enero al 7 de Marzo
Dramaturgia y Dirección: Patricio Ruiz
Elenco: María Fernanda Bada, Fernanda Echevarría, Gabriela Guraieb y Carmen Ramos.
Boletos: $156. Descuento del 50% a estudiantes, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno e INAPAM con credencial vigente. Aplican restricciones.

Reseña: ASATIA

O LA AUSENCIA DE UNO MISMO EN SU PROPIO SUEÑO

Soltar todo y largarse. Qué fascinante
volver al santo oficio de la veleta,
desnudando la vida como un bergante
y soñando que un día serás poeta.
Silvio Rodríguez

reseña-asatia

Fredo Godínez (@AlfiePingtajo)*

I

Una joven mujer con un estuche de chelo y ropa casual, un hombre en pijama con bata y bajo el brazo una laptop, un sillón, una alfombra y un par de sillas son los elementos que se vislumbran en el escenario y que me reciben al ocupar mi banca en el teatro.

Acto seguido, presenció -a lo largo de sesenta minutos- una historia que por sencilla sé que fue compleja en su gestación.

La obra cuenta la historia de Paula, una joven estudiante de música que se especializó en el chelo. Y cuyo sueño, siempre ha sido tocar algún día para la Filarmónica de Berlín. Toda su energía y vida ha sido invertida para conseguir ese sueño. En el camino ha sacrificado familia, amigos, vida social y amorosa; pues nada es más importante que lograr ser una chelista en tan prestigiada Filarmónica. Empero, la vida, dios, el diablo o sepa qué o quién chingados, le tienen destinada a Paula una vuelta de tuerca que la obligará a escoger entre seguir sacrificándose en pos de su sueño de toda la vida o aceptar el exquisito regalo que le han puesto en bandeja de oro.

II

Conforme avanza la obra no sólo me va atrapando por las estupendas y redondas actuaciones de Verónica Bravo y Eduardo Orozco, sino que también me voy sintiendo identificado con la travesía interna y externa que está teniendo la protagonista de la historia. De pronto, en lugar de que Paula esté hablando y actuando, siento que soy yo quien está en el escenario ofreciendo mi historia a unos cuantos desconocidos.

Son casi tres años los que tengo viviendo un sueño: habitar en la Ciudad de México y formar parte de la Secretaría de Cultura. Una vez que mi primer sueño de jugar con el equipo de mis amores y frustraciones: el Puebla de la franja se desbarató; nació otro: convertirme en escritor y en un destacado miembro de la cultura poblana y mexicana. “Asatia” de pronto es el espejo en el que no me atrevo a mirarme y preguntarme: ¿en qué lugar estoy parado? ¿Cómo llegué a ese lugar? ¿Ha valido la pena todo lo sacrificado en afán del sueño que estoy viviendo? ¿Si esto es lo que siempre busqué, por qué siento –siempre- que no basta con lo alcanzado hasta ahora? ¿Por qué no soy del todo feliz? ¿Soy yo el que sigue viviendo el sueño que tanto quise o acaso son mis ruinas las que lo habitan?

III

Durante los casi tres años que llevo viviendo en la Ciudad de México, he visto todo tipo de Teatro; la cartelera teatral de esta ciudad es rica en estilos, estéticas, géneros e historias. Empero, pocas son las obras que contienen entraña y que buscan reflejar la condición humana y, sobre todo, que le cuenten al espectador historias cercanas a su día a día.

“Asatia” lo logra y con profunda redondez.
“Asatia”, de una manera sencilla, nos ofrece una ficción que contiene todo: amor, esperanza, miedo, sensación de vacío y abandono, desolación.
“Asatia” nos recuerda que vida sólo hay una y habría que vivirla de la mejor forma que nos plazca como individuos y sin importarnos el qué dirán.
“Asatia” es el lugar en el que todos hemos habitado y pocos hemos logrado salir.
“Asatia” es un viaje interno.
“Asatia” es el lugar donde existe un héroe, un villano y una princesa a quien rescatar: uno mismo.

IV

Muchos dramaturgos, directores y actores se han preguntado por qué hay demasiadas butacas vacías en los foros en los que presentan sus obras. Factores hay muchos, desde una pésima labor de difusión, hasta unos costos lejanos a la realidad del bolsillo promedio del mexicano, pasando por un pésimo desconocimiento del target que su obra tiene. Empero, el más importante tiene que ver con el contenido. Como espectador disfruto de obras que me cuentan una historia palpable, tangible. Historias lejanas de toda pretensión y que me permitan conocer los más agudos miedos del dramaturgo y sus más oscuras pasiones; obras que le permitan a los actores ser “otros” sin dejar de ser “ellos”; obras cuyas historias puedan pasar en Londres, pero sentir que pasan a la vuelta de mi casa o mi propio cuarto.
Quizá, a muchos dramaturgos les hace falta leer un libro de Italo Calvino: Seis propuestas para el próximo milenio.

-o-o-o-o-

Ahora está en temporada hasta el 23 de febrero aquí

 

*Gestor cultural y poeta en sus ratos libres.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.
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Reseña: Una vez nunca más. Nevermore!

Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

nuncaMas

Un solo hombre. La obscuridad. Su historia de amor. La obscuridad. Su duelo. La obscuridad. Su locura. La obscuridad. Su misterio. La obscuridad. Y el encuentro definitivo con el hoyo negro que lo ha acechado desde que conoció y amó a una mujer de nombre infinito: mar. Basada en el más famoso poema de terror de todos los tiempos, “El cuervo” de Edgar Allan Poe, Una vez nunca más representa el esfuerzo de Alejandro César Tamayo (director) y Carlos Álvarez (actor) por establecer un abordaje novedoso al texto de 1845. Un viaje inesperado y sin retorno por los senderos de la pasión humana, una ventana abierta hacia la intimidad convulsa de quien delira a través de una serie de acontecimientos dolorosos e inexplicables: “el sueño dentro del sueño” es, más bien, una pesadilla.

*escribidora, tallerista y teatrohólica

Reseña: INHABITABLE

Por Viridiana Tovar (@AlbusViridi)

“El tiempo comparte el mundo con nosotros y tiene una escoba que nos está barriendo del camino ya sea que lo enfrentemos o no”

Derivada de la obra de Tennesse Williams “No puedo imaginar el mañana”, esta puesta en escena nos habla inhebitablemente, de la inhabitable habilidad que dos personas viven en su evasión; ahogados al dolor de vivir, ha rebasado sus huesos y ha comenzado a habitar en su cocina, en el vaso opaco de su mesa de noche y en el otro, el que los acompaña con una mirada titubeante y desubicada, en el que pueden dirigir con proyectil emoción sus propias frustraciones, quizás poco más que el sillón pero menos que la lámpara que los ilumina, ese otro, parece compartir la eterna culpa de vivir en el tiempo incesante inercia incertidumbre que los estampa de cara contra una muralla en obra negra: la rutina compartida.

“Después de un par de días apenas nos notaremos mutuamente”

INHABITABLE
Dramaturgia: Josué Barbaloza y Roxana Vázquez
Dirección: Miguel Ángel Vázquez
Elenco: Roxana Vázquez – Simón
Josué Barbaloza – Jesús
Funciones: Miércoles 13 y 20 de Diciembre 20:45 hrs.
Espacio Urgente 1 de Foro Shakespeare (Zamora 7, Condesa.)
Entrada general $250