Por Mireya Flores (@MireyaFloresM)

Con un cariño inmenso para mis alumnas del Claustro y mis colegas de teatro

Las expresiones culturales y artísticas como el teatro están estrechamente vinculadas a las realidades en que se producen y desarrollan, esto al mismo tiempo que dialogan con el pasado del que derivan y con el contexto global que les influye. A partir de esto y con la intención de reflexionar sobre las huellas del feminismo en el teatro de nuestro tiempo en México, este breve texto no es sobre cómo se ha construido y representado lo femenino desde lo femenino en el teatro, o sobre las mujeres creadoras en el teatro (donde es preciso reconocer que no toda obra creada por una mujer es una obra feminista, algunas obras solo poseen un pensamiento femenino mas no un compromiso feminista[1]), tampoco pretende ser una memoria cultural que relate las trascendentales aportaciones que han hecho las mujeres a las artes y al teatro en las distintas épocas de la historia.

De manera precisa, este texto no es sobre representación y sí sobre presentación, en el sentido de ser, de estar y de hacer teatro hoy. Ya que, para reflexionar sobre las huellas del feminismo en el teatro actual es necesario referir a las mujeres que hacen teatro en México — ya sea sobre el escenario, detrás o al frente de éste— como marcas latentes de las distintas luchas feministas.

Desde sus inicios los movimientos feministas[2] han sido motivados por grupos de autoconciencia que han puesto en el centro de sus reflexiones sus experiencias sobre ser mujer para iniciar desde ahí un proceso de cambio personal y social en las prácticas e ideologías. Como sabemos: “lo personal es político”[3] y viceversa. Diversos han sido los motivos o las causas de las luchas feministas: movimientos sufragistas encaminados a la obtención de derechos: educación, trabajo, y por su puesto, el derecho al voto; movimientos feministas de liberación y subversión de las ideas patriarcales, y claro, los movimientos feministas decoloniales que han reconocido la multiculturalidad.[4]

Todas estas causas han coincidido sobre el reconocimiento de la libertad de toda mujer a elegir y construir su vida a partir de sus propias decisiones y acciones. Una libertad que las coloca en plena equidad con los hombres y en el lugar que les corresponde en el espacio público. De manera que, las feministas de ayer al demandar para sí iguales derechos que los hombres, exigieron el reconocimiento de su libertad y con ello el derecho de toda mujer a pensarse y construirse como cada una lo desee.

En la actualidad las mujeres escriben, dirigen, actúan; también producen, gestionan, asisten a la producción o a la dirección, musicalizan, diseñan vestuarios, luces, escenografías o la utilería. Otras programan, controlan la taquilla, difunden, comunican y hacen todo lo posible para que cada proyecto escénico llegue a sus públicos. Y sin lugar a duda, quienes crean, imaginan y van y vienen cargando un montón de materiales, tomando decisiones, asumiendo responsabilidades y ejerciendo sus libertades en el espacio público y no solo en el privado. En otras palabras: Mujeres que construyen las diversas formas en que el teatro acontece actualmente.

Han sido décadas de lucha feminista que han favorecido que hoy la industria teatral en nuestro país sea liderada por mujeres que al mismo tiempo y, desde diversos ámbitos, están abriendo camino a las generaciones futuras. Estas mujeres son las huellas del feminismo, por que el feminismo es, entre tantas otras causas, sobre la libertad de elegir. Y cada una de las mujeres que hace teatro hoy, ha elegido al teatro como el espacio para autodescubrirse y construirse fuera de las estructuras patriarcales. Eso es, desde mi punto de vista, la huella más importante del feminismo en el teatro de nuestro tiempo en México.[5]

[1] A partir de Elaine Showalter (1999) “La critica feminista en el desierto” en Fe, Marina (Coord.), Otramente: lectura y escritura feminista, México, UNAM-FCE.

[2] El feminismo como un movimiento social en México resulta de la confluencia de varios factores sociales, económicos, políticos e ideológicos que acontecieron en el mundo y en el país en el siglo XX.

[3] A Carol Hanisch se le atribuye este frase que dio título a su ensayo The personal is political (1969). Aunque el título no es propiamente suyo y fue una elección de sus editores, desde entonces esta frase ha fungido como un lema feminista; pero también ha sido el lema de todas las luchas de las minorías. Así, entendamos lo personal como la capacidad de abrirnos a les otres.

[4] Gutiérrez, C. Griselda (coord.); (2002). Feminismo en México. Revisión histórica-crítica del siglo que termina, México, PUEG/UNAM.

[5] Agradezco a la Dra. Melissa Fernández Chagoya y a la Dra. Brenda Gómez,

profesoras de la Universidad del Claustro De Sor Juana por sus enseñanzas sobre perspectiva de género.

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

Para conocer una ciudad uno debe visitar sus teatros y la vida que existe dentro de ellos. Los teatros reflejan el pensamiento y sentir de las ciudades. Durante años el Foro Shakespeare ha sido un espacio emblemático de la contra cultura en la Ciudad de México. Sus talleres, puestas en escena, conferencias han dado a conocer las voces disidentes del teatro mexicano e internacional. Muchos hemos sido partícipes del drama que se vivió en el 2018 y fuimos testigos de cómo autoridades y líderes de opinión se encontraron a favor de su cierre.

El Foro Shakespeare sigue las líneas de un destino dramático que tiene conflictos y antagonistas, es un ente teatral que vive desde dentro un drama. Han pasado cuatro años de aquel cierre histórico en el cual se creyó que no volveríamos a tener a nuestro Shakespeare mexicano. En esos cuatro años se ha vivido también una pandemia que obligó nuevamente a cerrar las puertas de este foro y su reapertura fue sólo a través de un limitado número de espectadores. ¿Sobrevivirá? Es la interrogante constante.

Después de cuatro años de no asistir al Shakespeare me encontré nuevamente con él la noche del viernes. La calle de Zamora, ya antes oscura, se encontraba en la penumbra. El foro, a penas iluminado por la cafetería y con unos cuantos comensales que había en sus mesas. Un espacio que regresa a la vida no parece olvidar su pasado y resiste. ¿Dónde quedaron aquellas filas para entrar a los foros? ¿Dónde quedó el público, los comensales, los actores que se reunían a las fueras del teatro o en la cafetería? Este foro no es el mismo.

Parece que la resistencia es el acto constante de los disidentes; la resiliencia: el consuelo. El Foro Shakespeare se resiste al cierre de sus puertas. Y es que este espacio ha dejado de pertenecer a sus dueños, es también de todos aquellos a quienes nos ha abierto una puerta y nos ha dejado la libertad de la expresión.

Escribo esto con la intención de invitar nuevamente al público a acudir a este foro con las medidas adecuadas de higiene. El miedo nos mantiene encerrados y alejados de los otros. Las redes y el streaming no pueden sustituir el contacto con las personas ni al hecho teatral. No se puede vivir a través de la pantalla ni enamorarse de los filtros de la cámara. El teatro expresa el sentir y pensamientos de la ciudad: volvamos a ellos, cuidémonos, mantengamos nuestra sana distancia y vivamos. El virus ha creado un miedo al contacto con el otro, es una amenaza, pero ¿en realidad lo es?

Por Johana Trujillo @jOtrujilloA

El Instituto Internacional del Teatro (ITI) fue creado por iniciativa del primer Director General de la UNESCO, Sir Julian Huxley, y del dramaturgo y novelista JB Priestly en 1948, justo después de la Segunda Guerra Mundial, y al comienzo de la Guerra Fría. En 1961, el ITI inició el Día Mundial del Teatro.

El Día Mundial del Teatro se celebra cada 27 de marzo, fecha de apertura de temporada del ”Teatro de las Naciones” en 1962, en París. Tiene como objetivos:

• Promover el teatro en todas sus formas alrededor del mundo.
• Crear conciencia sobre el valor del teatro
• Promover el trabajo de la comunidad teatral a gran escala haciendo conscientes a gobiernos y líderes de opinión del valor e importancia del teatro.
• Disfrutar el teatro en todas su formas
• Compartir la alegría del teatro con los demás

Ese día la comunidad teatral del mundo y los centros ITI lo celebran con diversos eventos locales e internacionales. Uno de los eventos más importantes es la circulación del Mensaje del Día Mundial del Teatro. Cada año el ITI invita figuras de renombre internacional, comprometidas genuinamente con las artes escénicas, para compartir sus pensamientos sobre el teatro y la cultura de paz. El primer mensaje fue escrito por el dramaturgo francés Jean Cocteau en 1962. Este año tocó a Helen Mirren, actriz de teatro, cine y televisión.

Y a un año de haber mantenido cerrados los teatro por la pandemia COVID-19, nos preguntamos ¿qué significa llevar el teatro a las personas? ¿Significa educar a la audiencia? ¿O significa que la audiencia participe en una presentación? ¿cómo llevar el teatro a la gente y mantener ese espacio seguro para la salud de todos?

Ante el aislamiento y la vulnerabilidad en la que navegamos, hoy más que nunca, las historias pueden ser un puente entre nosotros. Y el teatro puede darnos una experiencia profundamente conmovedora que nos devuelva la confianza entre nosotros. Que estimule nuestra imaginación y así recuperar nuestra capacidad de sentir. Es a través de las historias que también aprendemos los unos de los otros.

Por eso agradezcamos a la pandemia que nos mostró el valor de las artes: cuidar de la mente y el alma de todas las personas del mundo. Ahora, nuestro desafío es que la mitad del mundo que no pudo parar de trabajar por la pandemia también conozca y despierte su interés por las artes y la cultura.

Por Viridiana Nárud

El sabio es capaz de ordenar o mandar porque puede encaminar o dirigir hacia un fin, sabiendo discernir entre el bien y el mal. Aunque estos conceptos pueden parecer absurdos en la actualidad, es necesario recordar que fue la promesa de hacer realidad la palabra ESPERANZA y la comanda de “el pueblo es sabio” lo que hizo ganar a un gobernante. Por lo tanto también es necesario cuestionar qué significa ser sabio y, el ser sabio, qué poder nos puede entregar como ciudadanos preocupados por la cultura. Cultura para el vocabulario popular se ha encontrado relacionado con el arte, sin embargo, ha sido un grupo de académicos el que ha decido cooptar la palabra para significar que Cultura es todo. Por lo tanto si todo es cultura nada lo es.

El sabio, según Tomás de Aquino es aquel que es capaz de contemplar la verdad y juzgar de otras verdades, así también le es propio impugnar la falsedad contraria. Entonces, para juzgar debemos conocer primeramente la verdad, que es intuida y a veces es saber inmediato. Es propio del sabio ordenar, por ello sería necesario que sean los hombres de cultura, pertenecientes al pueblo y conocedores de las necesidades de la comunidad, quienes puedan juzgar lo que es bueno para la cultura artística, porque recordemos que no existe sabiduría sin conocimiento. Así como los pueblos originarios tendrían que juzgar dentro de su comunidad los justo y sabio para ellos.

Cuando un gobierno y sus representantes ocupa el lenguaje para engañar a sus ciudadanos, utilizando un leguaje de poder carente de sustancia y verdad, es deber del pueblo escuchar lo que se dice y cuestionar la falsedad de sus premisas para ejercer su poder sobre el gobernante. Ya que su conocimiento le permite juzgar de manera honesta y sabia al gobernante. Si el pueblo es sabio dejemos que sea la misma comunidad artística que juzgue a sus compañeros y reestablezca el orden de verdad y necesidad poniendo fin al doble pensamiento prepondera en la actualidad.

Es cierto que el FONCA ha sido cobijo de artistas corruptos que han visto en este fondo una caja chica para sus caprichos, sin embargo, existen otros artistas que lo han utilizado para sobrevivir y crear obra o, como el caso de pintor Francisco Toledo, el cual utilizó el dinero para comprar libros para la Biblioteca del instituto Artes Gráficas de Oaxaca y también para crear becas para estudiantes oaxaqueños.

Que Jesusa Rodríguez una “artista” privilegiada que debe su carrera a las becas y el gobierno juzgue qué es bueno o sabio para una comunidad, no es justo y sí unilateral porque no representa a su comunidad y su conocimiento no es suficiente para hacer un aseveración como esa. Los subsidios en el arte no deben desaparecer, lo que debe desaparecer es el grupo de elite corrupto del arte, repito: es necesario y urgente la democratización del FONCA.

El arte y el poder se encuentran unidos a lo largo de la historia. No debería sorprendernos que un régimen como el actual trate de derrocar todo aquello que representa al régimen anterior, pero no olvidemos que este tipo de luchas lo único que hacen es afectar a la sociedad en su conjunto. Es la relación del arte con el individuo lo que permite el bien, y es el artista un medio de comunicación entre las personas de poder y el pueblo. El artista en sí no es poderoso, el poder radica en su discurso y en su capacidad de denuncia, de revelar al ser humano y volverlo individuo. ¿Es a esto lo que teme el gobierno actual, que los artistas denuncien la podredumbre de corrupción, la desigualdad, la pobreza, la falta de esperanza de un pueblo?

Si bien es cierto que ese bienestar del arte sobre el individuo no puede ser cuantificado como un producto de consumo, se ha demostrado a través de programas estatales que acercar el arte a las comunidades sirve para crear consciencia de la violencia y del individuo. El arte en una sociedad de consumo puede resultar completamente inútil, pero no olvidemos que es el espíritu del humano (homo sapiens) el que se beneficia. El arte es un bien en sí mismo y no un producto que beneficia al Estado.