Edipo: nadie es ateo rendirá homenaje al escenógrafo e iluminador Alejandro Luna

Por Johana Trujillo A. 

Dos funciones especiales en el Teatro Esperanza Iris permitirán apreciar el trabajo de Luna en su totalidad.

David Gaitán escribe y dirige Edipo: nadie es ateo, una reinterpretación de la clásica tragedia griega enfocada en la búsqueda por la verdad, reformulada a la actualidad en una pieza con solo cinco personajes: Edipo, Yocasta, Creonte, Tiresias y un mensajero.

Una peste terrible azota a Tebas. Sin razón aparente, animales han ido muriendo de a poco. Edipo no quiere llamar a Tiresias porque no quiere que decisiones se basen en oráculos. Sin embargo, por petición de todo el pueblo tebano, acepta. Tiresias dice: “Un humano se coló entre las bestias. Secuestró todo el salvajismo disponible. Encuentren al animal y Tebas renacerá.”

“Creo que al estar haciendo este reestreno después de la pandemia, hay muchas más capas de lectura que sólo una historia que cuenta la peste que hay en Tebas y como unos gobernantes buscan darle solución a ello mientras atravesamos conceptos como la verdad y la fe de manera muy intensiva, lúdica, con mucho sentido del humor”, dice Gaitán en entrevista para Distrito Teatral.

“Lo edípico hoy puede ser entendido como un modo de relacionarse con los pares, la política y hasta la realidad. El peso de este antecedente, imposible de pasar por alto, determinó en buena medida la escritura de Edipo: nadie es ateo y su puesta en escena.”

La reflexión particular que esta versión ofrece con respecto a montajes tradicionales del mito, es en torno a la verdad: “Para dar con el responsable de la peste que azota Tebas, Edipo propone a su pueblo un acto performático: decir la verdad a toda costa, preguntar lo que no se sepa, activar las conversaciones que se tienen catalogadas como prohibidas y desmontar la censura”, advierte el director de escena.

Dos frentes se abordan en la obra de manera simultánea. Por un lado se genera una narrativa en pro del efecto revelador que tendrá el espectador que desconozca el mito original; por otro, salpica el montaje de referentes que —para la gente que esté familiarizada con la historia y su desenlace— impactarán en niveles más profundos de lectura.

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La primera colaboración de David Gaitán con Alejandro Luna fue El Enemigo del Pueblo, con la Compañía Nacional de Teatro en 2017. Su segundo proyecto juntos, Edipo: nadie es ateo, un año después. “Es un privilegio enorme trabajar con Alejandro. Es un artista que le gusta estar cerca del proceso. Prácticamente en todos los ensayos estaba ahí, escuchando. Absolutamente solidario, para nada invasivo”, comparte Gaitán.

“En los breaks, al final del ensayo, nos quedábamos conversando si lo que habíamos visto en ese ensayo nos activaba alguna idea espacialmente, si modificaba algo de lo que habíamos hablado. Empezábamos a imaginar el espacio, el diseño”. En este montaje, Luna coloca diagonalmente una gran mesa con pilares griegos que sostienen el tablón como soportes de un palacio, con lo que evoca la concepción que tenían los griegos del mundo. Algunas sillas alrededor, en pie o tiradas a los lados, recuerdan el caos y a personajes ausentes.

Lo que admira Gaitán de su trabajo es que “tiene una claridad para traducir un efecto que tiene un profundo alcance emocional e imaginativo. Hacer la traducción de eso al mundo de lo técnico creo que es de una maestría muy particular. Yo creo que sobretodo en la geometría que hace con la luz; en dónde cuelga los focos, con qué intensidad, qué focos, qué combinaciones hace. Es un espectáculo en sí mismo.”

“Con la escenografía, Alejandro Luna es un arquitecto destacadísimo por el manejo de volúmenes, formas y profundidades en el espacio. Va entendiendo muy bien el arco que estamos buscando generar con el espectador, y navega a favor de que el espacio acentúe ese arco. De la conversación que vamos teniendo, las resoluciones puntuales que termina por elegir, sin duda se convierte en una coescritura de la experiencia del espectador.”

El teatro es una experiencia colaborativa y esa “aventura siempre tiene que ser el encuentro de dos artistas, o tres o los que sean, en un diálogo específico. Y creo que eso es parte de lo emocionante. Uno va encontrando sus cómplices a medida que esas conversaciones fluyen bien; que ambas partes entienden que sus ideas tienen cabida, que son valoradas, que dialogan con las ideas del otro.”

El arquitecto, escenógrafo e iluminador Alejandro Luna (Ciudad de México, 1939) ha sido calificado por sus pares como un “genio de la luz” y “pilar fundamental del teatro mexicano”. Por su manejo del espacio y de la luz, se ha llegado a mencionar que la escenografía mexicana es una antes y después de él.

Por su relación con los creadores más relevantes del país, por la calidad de sus diseños y por ese genuino interés por el teatro como arte, se ha convertido en un punto de referencia para entender no sólo el desarrollo del espacio escénico, sino del teatro mexicano en su totalidad.

Así pues, Edipo: nadie es ateo rinde un homenaje al arquitecto –quien participa en el montaje con el diseño de escenografía e iluminación– los días sábado 13 de agosto a las 19:00 y domingo 14 a las 18:00 horas, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris (Donceles 36, Centro Histórico, Metro Allende), con los cuidados sanitarios necesarios: uso permanente de cubre-bocas y de gel anti-bacterial, tanto de parte del personal del teatro como de los espectadores.

Ganadora en 2019 de los Premios Metropolitanos a la Mejor Adaptación y a la Mejor Dirección de escena, cuenta con las actuaciones de Carolina Politi, Adrián Ladrón, Diana Sedano, Ramón Morales y el propio Gaitán.

Admisión: Luneta, Primer Piso Central y Primer Piso Lateral $250, y Anfiteatro y Galería, $200. Los boletos se pueden adquirir en la taquilla del teatro y en las plataformas digitales de Ticketmaster.

Llevan a cabo la 14 edición del Gran Maratón de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes

Con una programación que comprenderá siete horas continuas de artes escénicas se llevará a cabo, el sábado 19 y domingo 20 de marzo, la 14 edición del Gran Maratón de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes, con la participación de todas las entidades federativas del país, bajo el lema ¡Lleva un niño, lleva una niña al teatro!

Desde hace más de una década, el 20 de marzo se conmemora el Día Mundial del Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes, por iniciativa de la Asociación Internacional de Teatro para la Infancia y la Juventud (Assitej, siglas en francés). Así, en conmemoración, la Coordinación Nacional de Teatro del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal) celebrará presentando 20 puestas en escena y 31 funciones en todos los recintos del Centro Cultural del Bosque. A este maratón se sumará el resto de los estados de la República Mexicana con más de 80 funciones. 

 

La historia inicia en 2007 cuando surgió el Gran Maratón de Teatro para Niñas, Niños y Jóvenes con la idea de celebrar con las infancias un día con montajes. La primera edición contó con cinco puestas en escena que se llevaron a cabo en los teatros El Granero Xavier Rojas y Orientación del Centro Cultural del Bosque. Desde entonces se ha realizado con una respuesta muy favorable del público y la ampliación de su espectro curatorial, lo que le ha permitido consolidarse como un encuentro que reúne puestas en escena en diálogo con infancias y adolescencias. 

 

Es de reconocerse la labor que la Coordinación Nacional de Teatro ha realizado durante 14 años presentando propuestas escénicas de calidad y de reciente creación durante este festejo. Y esta edición del maratón, tras la etapa de confinamiento, busca ser una versión acorde con las posibilidades sanitarias vigentes para la recepción de públicos, además de descentralizar y ampliar la oferta en todo el país. 

 

Es importante visibilizar los derechos culturales de las y los niños, el poder transformador del teatro y la importancia de cultivar la curiosidad y la imaginación además de interrogar el mundo y abrazar la diversidad de puntos de vista. Disfruta de este Gran Maratón porque el teatro genera espacios de convivencia irrepetibles.

 

Consultar la cartelera en la Ciudad de México 

‘Último Reino’: la animalidad y lo humano

Estrenada en 2019, la propuesta de Colectivo Charalito y La Justiciera presenta su tercera temporada en el Teatro Benito Juárez.

 

DISTRITO TEATRAL / 2 de noviembre de 2021

 

Último Reino, obra producida por Colectivo Charalito y La Justiciera, forma parte de la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Ciudad de México, de la Secretaría de Cultura, y se presentará del 4 al 14 de noviembre en el Teatro Benito Juárez. “La idea surgió en Buenos Aires, en 2018, durante un curso de dirección de escena que tomé con Emilio García Wehbi, un artista interdisciplinario autodidacta.”, explica la actriz Valentina Martínez Gallardo.

 

Es una obra construida en una secuencia de cuadros escénicos que se entretejen entre sí a manera de viñetas con imágenes visuales, proyecciones de video, atmósferas musicales y sonoras. Así, distintos elementos, fuentes de iluminación y la carga física de los intérpretes dinamizan y potencian el caos que desde la oscuridad pretende evocar a la vida. En esta ocasión, al elenco se integra Emmanuel Varela, acompañando a Valentina Martínez Gallardo y Juan de la Loza quienes interpretan a tres seres atrapados, que entre sí se reconocen y relacionan, que se desean, se rehúyen, que van armados, cazándose… que se reconocen en su ser animal y en su necesidad de poseer. Un teatro interdisciplinario que aborda el tema de la casería como tal, cuando la caza era el modus vivendi.

 

La puesta en escena se estrenó por primera vez en Un Teatro en 2019 gracias al apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) a través de la beca de Fomento y Coinversiones a proyectos culturales para mayores de edad. Asimismo, tuvo una breve temporada en el emblemático Teatro Carlos Lazo de la Facultad de Arquitectura en Ciudad Universitaria a principios de 2020. Sin embargo, la pandemia puso en pausa al mundo.

 

 

Sin una dramaturgia convencional

En su laboratorio de experimentación interdisciplinaria crean lenguajes teatrales nuevos. Y la idea de Último Reino no parte de un texto dramática ya que en un laboratorio en específico “partimos de algunos ensayos de la serie “Último Reino” de Pascal Quignard, “Sexus” de Henrry Miller, “El animal que siempre estoy si (guiendo)” de Jacques Derridá y “Lo abierto, el animal y lo humano” de Giorgio Agamben”. Durante el proceso creativo, tomaron fragmentos que aportaban al desarrollo de la pieza. “No trabajamos con una dramaturgia convencional, pero si nos apoyamos en el texto. Al final hay un texto que rige la obra.”

 

Último Reino abre la dimensión del misterio, del instinto y del deseo. Replantea las causas primigenias de nuestro comportamiento. Cambia el ángulo desde donde observamos las cosas, poniendo en entredicho la manera en cómo tenemos que amar, desear y comportarnos. “Generalmente se relega la parte instintiva, se prioriza el intelecto y los afectos. Pero en cada ser habita necesariamente los dos lados, por más que nos esforcemos en mostrar sólo uno y ocultar el que revela nuestra verdadera naturaleza.”

 

 

Colectivo Charalito y La Justiciera

El Colectivo Charalito y La Justiciera nacen en el 2013 en la Ciudad de México. Está a cargo de los creadores Edson Martínez Luna (director, actor y bailarín) y Valentina Martínez Gallardo (actriz y directora). Han generado diversos proyectos juntos tales como: “Watashi o qué diablos”, “Yo no soy Muhammad Ali”, “Desmantelamiento de un pez”, “Mirando un vaso de agua en una habitación”, entre otras. Su investigación gira en torno a ciertos temas y obsesiones como el origen, la animalidad, el deseo, el amor, la violencia, la cotidiano y la muerte.

 

El objetivo del colectivo es desarrollar proyectos escénicos e interdiciplinarios fomentando la creación a partir de laboratorios de experimentación en colaboración con otros artistas invitados; para generar un continuo diálogo entre distintas disciplinas artísticas como el teatro, la danza, el cine, la música, la literatura y la plástica. Además, buscan suscitar la provocación y la sorpresa así como cuestionar la manera de estar en la vida, tanto de los involucrados creativamente como de los espectadores.

 

Último Reino, se presentará del 4 al 14 de noviembre, los jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00, en el Teatro Benito Juárez (Villalongín 15, colonia Cuauhtémoc, Metrobús Reforma), con las disposiciones del semáforo epidemiológico vigente: uso permanente de cubrebocas, gel antibacterial y registro de código QR por parte tanto del personal del teatro como de los espectadores. “Estamos muy contentos de que el teatro vuelva a abrir sus puertas. Y esperamos contar con su mirada y su presencia porque es lo que se necesita para que el teatro exista.”

Indefinible Festival: hablar de cambio climático, crisis alimentaria, salud y bienestar

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)

 

La sostenibilidad es algo que se puede sostener durante el tiempo. Sin embargo, el reto es que habemos 7,5000,000,000 personas en el mundo, con mayor expectativa de vida, y que eso genera presión en los recursos naturales al triplicar los años de vida, consumiendo mucho más. Esto no se puede sostener en el tiempo. Vivimos en un mundo limitado. De hecho, México se ha vuelto insostenible desde la década de los ochenta por un mal manejo de los recursos naturales y un crecimiento poblacional con mayor capacidad adquisitiva.

 

Resolver ese reto implica cambios de paradigmas y empezar por responder ¿cómo tomamos en cuenta a las demás especies? ¿qué queremos sostener en el tiempo? ¿nuestras soluciones son sostenibles en el tiempo? Y la cultura juega un papel relevante para impulsar esos cambios de paradigma en el que la economía sea un subsistema de la socidad y ésta del medio ambiente.

 

Ante toda esa complejidad, Cultura circular: Fondo para el desarrollo de festivales sostenibles en México proporciona recursos para fomentar el intercambio cultural entre México y el Reino Unido, fortaleciendo el desarrollo de los festivales mexicanos y promoviendo el desarrollo de la cultura sostenible en el marco de la 26ª Conferencia de la ONU sobre el Cambio Climático (COP26), que se llevará a cabo en la ciudad de Glasgow, Reino Unido en noviembre de 2021.

 

Después evaluar las propuestas recibidas, Cultura circular seleccionó a diez festivales, entre ellos INDEFINIBLE FESTIVAL, de La Teatrería y Boundless Theatre. La convocatoria para participar en la primera edición está abierta a jóvenes creadores (mexicanxs y residentes mexcanxs) de entre 18 y 25 años, con trabajos terminados o en proceso de las disciplinas de teatro, danza, multimedia y/o performance con temáticas sobre los efectos del cambio climático, crisis alimentaria, la salud y el bienestar.

 

La convocatoria estará abierta hasta el 19 de noviembre de 2021 a las 23:59 hrs (horario Ciudad de México). Serán seleccionados únicamente 4 propuestas y los resultados se publicarán en la página web y redes sociales de la Teatrería el viernes 6 de diciembre del presente año. Conoce las actividades en las que consistirá el festival y para cualquier duda o información pueden escribir a indefinible@lateatreria.com

 

Esperamos que INDEFINIBLE FESTIVAL sea la chispa que detone un cambio en las actitudes, narrativas y prácticas relacionadas a la cultura con un enfoque realmente sostenible pues la calidad de vida es algo que se vive, es una experiencia y depende de una sociedad en armonía con el medio ambiente.

 

Festival de Monólogos. Teatro a una sola voz 2021

Johana Trujillo (@jOtrujilloA)

 

Del 2 al 9 de agosto concluirá en Ciudad de México la edición 16 del Festival de Monólogos. Teatro a una sola voz 2021, un circuito itinerante que pasa por diversos estados de la república mexicana en el marco de la campaña #VolverAVerte de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL). Todas las presentaciones son de entrada libre.

 

El festival reúne siete puestas en escena unipersonales que en este momento se encuentran recorriendo las ciudades de Saltillo, Coahuila; Guadalajara y Lagos de Moreno, en Jalisco; León y Guanajuato, en Guanajuato; Morelia y Zamora, en Michoacán.

 

Los montajes que forman parte del festival son Ejecutor 14, 30+1 (obra para una actriz y un radio), Tonta, There’s no home like place, Wilma, Nana y Camille Claudel. En la Ciudad de México estarán en espacios del Centro Cultural del Bosque, como lo son el Teatro El Granero, Xavier Rojas y la Sala Xavier Villaurrutia, y en los espacios administrados por RECIO (Red de Espacios Culturales Independientes Organizados de la Ciudad de México), que son La Teatrería, el 77 y El Hormiguero.

 

La primera obra será Ejecutor 14, de las compañías MonoTeatro y TeatroSinParedes, con texto de Adel Hakim y traducción y dirección de David Psalmon, que plantea un viaje hacia el interior de un hombre común vuelto verdugo, interpretado por el actor Osvaldo Sánchez que, mediante una reconstitución de los hechos, le será devuelta su humanidad para encontrar la paz. Se presentará el 2 de agosto a las 20 h, en el Teatro El Granero, Xavier Rojas, y el 3 de agosto a las 20 h, en La Teatrería.

 

 

 

Después, 30+1 (obra para una actriz y un radio) de la agrupación Córvido Teatro. Esta pieza de Lucio Peregrino, interpretada por Diana Becerril, bajo la dirección de Diego Montero, muestra a Guillermina, una mujer de 75 años, sana y sola, ex empleada de limpieza en una escuela de educación básica, quien se enfrenta a los primeros momentos de su etapa de retiro para construir una vida que le permita hacer lo que siempre ha querido. Se presentará el 3 de agosto a las 20 h, en la Sala Xavier Villaurrutia, y el 4 de agosto a las 20 h, en El 77.

 

 

Los Tristes Tigres presentan Tonta, texto y dirección de Adrián Vázquez y actuación de Arlet Gamino el miércoles 4 de agosto a las 20 h, en la Sala Xavier Villaurrutia. Desde la mirada cándida e inocente de una mujer que intenta encontrar en el significado de las palabras la verdad de la existencia, que contempla el mundo con una mirada transparente, esta obra es un grito de rebelión, una manera de alzar la voz ante el abuso, la mentira y la hipocresía de la sociedad.

 

 

 

El circuito seguirá con There’s no Home Like Place, escrita, dirigida e interpretada por Antonio Cerezo, que funge como un espectáculo de teatro de papel que juega con la famosa frase del mago de Oz para reflexionar sobre la construcción emocional del hogar. Esta es la historia de un hombre que se pregunta: ¿dónde está mi casa? ¿Mi hogar es un lugar? Dará función el 5 de agosto a las 20 h, en la Sala Xavier Villaurrutia, y el 6 de agosto a las 20 h, en la Teatrería.

 

 

 

La compañía Porta Teatro presentará Wilma, escrita, dirigida y actuada por Itzhel Razo. La obra apela al “biodrama” y expone documentos, experiencias personales y de ficción, que muestran un tipo de racismo poco conocido en el país. Tendrá funciones el 6 de agosto a las 20 h, en el Teatro El Granero, Xavier Rojas, y el 7 de agosto a las 20 h, en la Teatrería.

 

 

 

La Gorgona Teatro presenta Nana, una pieza escrita y dirigida por José Uriel García Solís e interpretada por Daniela López García, la cual muestra a Nana, una pequeña niña que comienza a hacer cosas extrañas y a olvidarlo todo. May cree que el ladrón de los recuerdos intenta llevarse a su abuelita y sabe que debe ayudarla. Se presentará el 7 de agosto a las 19 h, en la Sala Xavier Villaurrutia, y el 8 de agosto a las 13 h, en El Hormiguero.

 

 

 

Festival de Monólogos cierra con la compañía Stage of the Arts, quienes presentarán Camille Claudel, una obra de Gaël LeCornec, basada en la conocida historia de amor y drama de dos genios del arte, Camille Claudel y Auguste Rodin, que se presenta, en esta ocasión, con un final renovado y esperanzador. Tendrá funciones el 8 de agosto a las 18 h, en la Sala Xavier Villaurrutia, y el 9 de agosto a las 20 h, en El 77.

 

 

 

 

Festival de Monólogos. Teatro a una sola voz es el circuito itinerante de teatro más grande a nivel nacional y único en su tipo. Fue creado para desarrollar y visibilizar el trabajo escénico unipersonal en México, además de generar una fructífera colaboración entre las instancias participantes. Esta edición significa la reactivación del sector cultural al reabrir los espacios teatrales tras el cierre por la pandemia COVID-19. Cabe mencionar, que estas funciones se presentarán con un intérprete de LSM (Lengua de Señas Mexicana, que efectuará la traducción completamente en vivo y en escena.

El Gallinero, mujeres comprometidas con el clown y la ciencia

El Gallinero es una compañía teatral independiente liderada por tres mujeres comprometidas con la creación, investigación y enseñanza del humor a partir del clown, la ciencia y la comedia física.

 

 

Por Johana Trujillo / Foto: Enid Hernández

 

Una de las características que tiene el teatro y por lo cual me cautivó es que te invita a reflexionar. Lo que me llama la atención de El Gallinero es que además está comprometida con la ciencia, las matemáticas y el medio ambiente. No me puedo imaginar cómo hubieran sido mis clases de biología y matemáticas si hubiera habido humor de por medio.

 

La compañía El Gallinero es creada en 2009 por tres mujeres: Claudia Cervantes, Jésica Bastidas y Lucía Pardo. Ellas se conocieron en la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT). Con el grupo que egresó de la carrera hicieron tres producciones, sin embargo, cuando se fueron formando grupos más pequeños y cada quien vio por lo suyo, eligieron seguir juntas como El Gallinero.

 

Su compromiso con el humor y la ciencia

Estas mujeres están tan comprometidas con el humor a partir del clown y con la ciencia que su compañía teatral ha desarrollado alianzas con científicos, instituciones y organismos como el Centro de Geociencias de la UNAM, El Centro de Investigación en Matemáticas (CIMAT) y Greepeace México A.C.. Por ahora su repertorio tiene tres espectáculos Ultramareadas, Desesperimentos y Tr3s Ilustr3s.

 

Jésica tiene el rol de la difusión; Lucía está a cargo de la dirección escénica y Claudia de la producción. Todas son intérpretes en sus propios espectáculos. Y a todo esto ¿qué es un clown?

 

“El clown es una persona muy curiosa y muy hábil, le gusta hacer preguntas profundas y emocionarse explorando sus respuestas. A veces se emociona tanto que llega a un extremo y parece que nada tiene sentido, aunque tiene toooodo el sentido del mundo para esta persona”, me explica Jésica.

 

El que la ciencia se haya convertido en una característica particular de El Gallinero nace de un encargo (trabajo a la vista). Una científica les encargó hacer una obra para difundir sus libros, unos folletos que hizo la UNAM titulados “Experimentos simples para entender una tierra complicada”. Ahí nace Desesperimentos, que aborda el tema de la física.

Si bien sí les costó algo de trabajo traducir la física a la ficción, les sorprendió la afinidad que hay para compartir distintos contenidos a través del humor y la aceptación de las audiencias. Así que por ese espectáculo luego les pidieron uno de matemáticas: Tr3s Ilustr3s.

Espectáculo Tr3s Ilustr3s. Foto Carlos Abrajam

 

La colaboración con los científicos les gustó tanto y lo hicieron tan bien que decidieron tomar la colaboración interdisciplinaria como sello de su compañía y como una línea de trabajo. Por eso con Ultramareadas, su más reciente producción, buscaron tener la asesoría de un experto en ecología. Gracias al apoyo recibido por parte del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (FONCA) es que podrán dar funciones gratuitas en el Centro Cultural del Bosque, el Centro Nacional de las Artes y en el CIMAT Guanajuato.

 

Les cautiva usar su herramienta de trabajo, el humor, para dialogar con disciplinas que pareciera que no tienen nada que ver con las artes. Eso les permite construir conocimiento que sea accesible y divertido. Y en un mundo en el que ahora vivimos problemáticas complejísimas, El Gallinero nos enseña que el humor y las artes tienen un potencial especial para romper con la idea “es que no le voy a entender” que nos alejan de la ciencia… y del teatro también.

La Canija Teatro: que el teatro vaya a la gente

La Canija Teatro es una compañía de teatro que quiere crear vínculos entre distintos agentes sociales a través de proyectos teatrales.

 

Por Johana Trujillo

 

La Canija Teatro nació hace muy poquito (en 2019) para poner el teatro al servicio de la experiencia humana -individual y colectiva- y no al revés. Su primer espectáculo es Antojitos Mexicanos, y hasta ahora, usan el humor como una de las bases de su trabajo.

 

La fundadora de La Canija Teatro es la actriz Julia Arnaut, especializada en teatro comunitario con procesos educativos y artísticos. A través de esta compañía busca acercar a creadoras y creadores escénicos con organizaciones, colectivos y comunidades que vean en el trabajo teatral, una posibilidad de fortalecerse. Esto se puede resumir en una frase: “Nos gusta mucho que la gente vaya al teatro, pero nos gusta más, que el teatro vaya a la gente”.

 

En sus proyectos hay una búsqueda por la sencillez de los dispositivos escénicos, que se traducen en soluciones creativas, propositivas y artísticamente atractivas, para poder llevar espectáculos de calidad a cualquier espacio.

 

Backstage Antojitos Mexicanos de La Canija Teatro

Foto: Élide Gallardo

Actualmente, la compañía de teatro está presentando una breve temporada de la versión en línea de Antojitos Mexicanos, en alianza con la productora Tiempo de Mandarinas.

 

Antojitos Mexicanos, cabaret ranchero para corazones empachados

Se trata de una sátira sobre el amor romántico, el amor y las distintas cosas que les pasan específicamente a las mujeres. Antojitos Mexicanos es el delirium tremens de una borrachera que pareciera que todas hemos vivido. Amalia, despechada, ha citado a un grupo de personas para hablar de su más reciente rompimiento amoroso.

 

Para mantener un ritmo cómico, incluso a través de las pantallas; la colaboración con Tiempo de Mandarinas aporta la calidad audiovisual y la mezcla de material pregrabado con material en vivo. El material en vivo permite mantener la convención teatral, y la posibilidad de tener experiencias únicas en cada función, aunque sea a través de sus pantalla.

 

La dramaturgia y actuación de este cabaret musical están a cargo de Julia Arnaut, bajo la dirección de Francia Castañeda, y la acompaña en escena la cantante y guitarrista Claudia Arellano. Además, la obra, tanto en el diseño espacial como en el vestuario y demás elementos escénicos, combina el estilo campirano de la época de oro del cine mexicano.

 

La obra tiene un mensaje especial: existen otras formas de amor que no permiten los celos, la humillación ni la violencia. Que disfrutes este antihomenaje a las canciones rancheras que nos educaron las formas de querer y de querernos.

 

La Canija Teatro ofrecerá funciones de Antojitos Mexicanos tres sábados más a las 20:00 hrs a través de la plataforma virtual del Teatro La Capilla. La obra dura 45 minutos y es apta para adolescentes y adultos. Los boletos, que puedes comprar aquí están disponibles desde $100 hasta $300 pesos.

 

Foto Andrea Calderón

Foto Andrea Calderón

Foto Andrea Calderón

Una compañía que cuestiona la mexicanidad

Buitre Amargo reestrena “Enmediodelmar”, su opera prima, sobre la Isla de Clipperton

POR JOHANA TRUJILLO A. (@jOtrujilloA) / FOTO BUITRE AMARGO

Buitre Amargo inició su trabajo teatral en septiembre de 2016 bajo la inquietud de Iozé Peñaloza y Bruno Zamudio por narrar y cuestionar el significado de la mexicanidad. “Iozé y yo nos conocimos en la carrera. Yo era de las pocas personas que estaban en el área de teatrología y que, dentro del Colegio de Literatura Dramática y Teatro, se estaba preparando como dramaturgista. Iozé quería trabajar con un dramaturgista para el examen de la materia de dirección impartida por Artús Chávez. Me contactó y aceptamos trabajar en conjunto. A partir de esa experiencia nos dimos cuenta de que había un gran entendimiento y una similaridad particular en nuestros intereses artísticos, procedimentales y discursivos”, comenta Bruno.

El nombre de la compañía, resalta “la amargura como un sabor que se queda impregnado y que no siempre es desagradable, solamente amargo, y necesita de cierta atención para saborearlo y recibirlo”. El buitre, un ave carroñera cuyas sus garras no están diseñadas para matar sino para caminar, les parece “un ave con una identidad mexicana cuyo pico le permite extraer el tuétano. Eso es parte esencial de lo que hacemos”. Les interesa cuestionar el significado de la mexicanidad, qué nos hace mexicanos. “Queremos descubrir por qué sólo el nacer en territorio mexicano tendría que ser el único argumento válido para determinar nuestra nacionalidad, ¿qué más nos hace mexicanos? Y más aún cuando sabemos que no hay un México, sino muchos, muchas formas de convivir con él, muchas formas de representarlo y de vivirlo”.

Además, esta joven compañía promueve el diálogo entre la dirección y el dramaturgismo. “Algunas personas que llevan haciendo teatro más de veinte años nos han dicho que el dramaturgismo no puede existir en México porque es difícil que el director o directora acepte que haya alguien a su nivel en cuanto a representación frente al equipo que conforma una obra”.  Promueven la idea de que quien está a cargo de la dirección no siempre tiene que estar completamente seguro de su decisión escénica. Para Zamudio, “un dramaturgista puede ser una gran fuente de formación constante, de cuestionamiento, no sólo para sus decisiones escénicas y artísticas sino también en cuanto a sus prácticas procedimentales durante un ensayo, análisis de texto, transmisión de notas, recepción del público”.

 

Nueva temporada en El77

Estrenaron “enmediodelmar” el año pasado en el Centro Cultural El77 y regresan ahora los sábados a las 19:00 hrs., del 11 de enero al 15 de febrero. La idea era “desarmar una dramaturgia más tradicional que conocimos gracias a uno de los principales dramaturgos de nuestro país, Víctor Hugo Rascón Banda. Nuestro acercamiento a la historia de “La Isla de la Pasión” ocurrió gracias a la obra homónima escrita por él. La montamos para el Primer Certamen Nacional de Puestas en Escena y después de cierta revisión nos dimos cuenta que la historia nos interesaba, pero nos importaba resaltar problemáticas que Víctor Hugo no hacía porque su énfasis estaba en otras cuestiones de la anécdota. Comenzamos a reescribirla con la intención de que sólo fuera un ajuste dramatúrgico, pero naturalmente después del proceso de ensayos me di cuenta que estaba escribiendo otra obra con premisas específicas para reforzar lo que nosotros queríamos presentar discursiva y estéticamente”, comparte Zamudio.  Parte de su proceso creativo para hacer este proyecto consistió en reuniones, ensayos y conversaciones sobre qué le interesaba a Iozé como director o qué escenas verdaderamente nutrían su concepto escénico.

Ellos vieron la valentía de las mujeres de esa historia, puesto que asesinaron a su violador: “Nos pareció un caso de justicia complejo, ¿cuál es la postura de la gente ante ello? Nos atraía eso, nos atraía poder generar la discusión y nosotros tratar de encontrar una respuesta en colectivo”. Como hombres también buscaban cuestionar sus privilegios, su construcción masculina a partir del patriarcado.

Con un escenario inundado de arena, “enmediodelmar” cuenta lo que pasó en la Isla de Clipperton como parte de la historia de nuestro país, y de la que generaciones actuales conocen poco. Así que ve a el El77, ubicado en Abraham González #77 en la colonia Juárez. Puedes comprar tus boletos en línea.

La Cabra Salvaje lleva teatro espontáneo a la Sala Novo

Por Redacción / 28 de octubre de 2019

La Cabra Salvaje presenta “Memorias a la deriva”, una propuesta escénica que usa  la metodología del Teatro Espontáneo. Un grupo de cinco intérpretes da vida a las historias que proponen los y las espectadoras, quienes comparten desde situaciones actuales hasta anécdotas complejas y significativas.

Para que las historias narradas se transformen en improvisaciones escénicas, una conductora o conductor dirige el diálogo entre lo que ocurre dentro y fuera del escenario. Solamente habla quien así lo desee.

En esta interacción teatral se va construyendo una experiencia única  donde se refuerzan los lazos sociales a través de visibilizar y resignificar las historias individuales. Esto se logra porque los espectadores se vuelven personas activas y creadoras del acontecimiento teatral, y no solamente observadores.

La función es un laboratorio de la vida e imaginación de una comunidad. Reconoce todas las historias de vida como material digno de ser escuchado y representado.

“En nuestra manera de abordar el Teatro Espontáneo, lo fundamental es devolver las anécdotas que cuenta la audiencia desde metáforas corporales y distintos tipos de escenas, y no la representación literal de las mismas. Ponemos en primer plano la lectura polisémica que cada persona pueda hacer de su propia historia para encontrar nuevas perspectivas”, comenta Alejandro Bastién Olvera

La Cabra Salvaje la conforman Lizet Alvarado Feliciano, Alejandro Bastién Olvera, Ingrid Castro González, Ricardo Lomnitz Soto y Manuel Sosa Fernández. Entrenan a partir del teatro físico e improvisación, por lo que las funciones tienen un alto contenido de danza, humor y fuerza física.

Quedan 3 funciones: los domingos 3, 10 y 17 de noviembre a las 6 p.m. La función dura aproximadamente 100 minutos. La entrada cuesta $200. Hay descuentos para adultos mayores, estudiantes y maestros.

Se presenta en la Sala Novo del Teatro La Capilla ubicado en la calle de Madrid #13, en la alcaldía de Coyoacán. Síguelos en su Facebook.

Intentos para deshacerse del dolor

Mil Grullas Teatro interviene cinco espacios no teatrales

Por Johana Trujillo / 24 de octubre, 2019

Mil Grullas Teatro, fundada en 2016 por Paulina Orduño, Belén Mercado e Isaí Reveles, es una compañía que produce piezas escénicas que conducen al espectador a generar una mirada consciente y crítica. Su primera obra original fue “Intentos para deshacerse del dolor”, que se estrenó en 2016 en el recién desaparecido Microteatro México. Este año nos contarán la historia completa de la chica que necesita deshacerse del dolor.

La actriz Paulina Orduño es la protagonista, quien harta de extrañar a su ex-pareja, decide escribir una lista de todas las formas que existen para extirpar el dolor y está dispuesta a llevar a cabo cada una de ellas con tal seguir adelante con su vida. La comedia nacida de la pregunta ¿para qué carajos existe el dolor? es un texto de la dramaturga Aída del Río a partir del original de Paulina y el director Mauricio Montesinos.

“Intentos para deshacerse del dolor” intervendrá el Teatro Humanitas de la Universidad Humanitas Madín, el Centro Cívico Satélite, Foto Museo Cuatro Caminos, el gimnasio Warrior Factory y el Centro Cultural Luis Nishizawa, al norte del valle de México. Dará nueve funciones los jueves 8:30 pm y sábados 7:00 pm, del 9 de noviembre al 7 de diciembre. Podrás comprar tus boletos sólo a través de Boletia en el siguiente enlace: https://boletia.com/eventos/intentos-para-deshacerse-del-dolor

Fechas y sedes

Este es el calendario de sedes y fechas para que puedas elegir la sede que mejor te quede:

  • Teatro Humanitas Madín de la Universidad Humanitas Madin, Dirección: Camino Vallejo a Madin 38B, Camino a madin, Atizapán de Zaragoza

Sábado 9 de noviembre, 7:00 pm

  • Centro Cívico Satélite Dirección: Circuito Médicos 77, Cd. Satélite, Naucalpan de Juárez

Jueves 14 de noviembre, 8:30 pm

Jueves 21 de noviembre, 8:30 pm

  • Foto Museo Cuatro Caminos de la Fundación Pedro Meyer. Dirección: Ingenieros Militares 77, Lomas de Sotelo, Naucalpan de Juárez

Sábado 16 de noviembre, 7:00 pm

Sábado 23 de noviembre, 7:00 pm

  • Centro Cultural Luis NishizawaDirección: Tec de Monterrey Campus Zona Esmeralda, Bosque Esmeralda, Cd. López Mateos, Atizapán, Estado de México.

Jueves 28 de noviembre, 8:30 pm

Sábado 30 de noviembre, 7:00 pm

  • Warrior Factory Dirección: Paseo de Otoño esquina con Rosas, La Florida, Naucalpan, Edo. México

Sábado 30 de noviembre, 7:00 pm
Sábado 7 de diciembre, 7:00 pm