Por Johana Trujillo A. (@jOTrujillA)

¿Cómo nuestras vidas cotidianas están atravesadas por ciertos tipos de violencias sistémicas del mundo contemporáneo? Tras un año de investigación al respecto, se estrena este 28 de septiembre Algunas cosas necesarias en A R T E O B R E R A, un Centro de Artes que se ha convertido en un referente social y cultural en la Colonia Obrera.

El proyecto está desarrollado como residencia en Arte Obrera con participantes de Cataluña y México; es coproducida por Mierda Bonita Producciones, Arte Obrera, Colectivo Otro Suelo, Trama Nimia AC. España y LCN escena. La dirección artística es de Mariana García Franco, con interpretaciones a cargo de César René Pérez, Minerva Bautista, Lara Hereu y Vera Rivas. Además, César René Pérez y Vera Rivas están a cargo del diseño multimedia.

“Lo que nos interesa y detonó este proyecto es la reflexión sobre dónde están puestos nuestros afectos, cómo vemos ese diagrama, un concepto que trajo Mariana García Franco de la arquitectura, que es cómo están estructurados nuestros afectos como personas”, comenta César René en entrevista para Distrito Teatral.

César y Vera se conocieron hace dos años cuando realizaban un proyecto sobre desigualdad y discriminación con artistas escénicos de Alemania e Italia. Pero es gracias a este proyecto, Algunas cosas necesarias, que para el diseño multimedia, encontraron afinidad en dónde están puestas esas estructuras afectivas, cómo las descubren, cómo hablan de ellas, cómo reflexionan al respecto y cómo las comparten con otras personas. “Una de las cosas que más nos importan a todo el equipo es que el espectador, con quien estamos compartiendo esto, pueda pensar en sus propios afectos e historias.”

Mariana, César René, Minerva, Lara y Vera tienen experiencias laborales diversas así como una forma particular de ver el mundo ya que Lara ha trabajado en teatro documental, además de que es española. A su vez, Mariana ha trabajado durante muchos años el cotidiano, los objetos y los afectos. Además, Minerva ha sido trabajadora del hogar y pertenece a una organización en pro de los derechos de estas mujeres pero inició su actividad teatral hace aproximadamente cuatro años. “Cuando las voy conociendo, veo esa historia de vida que tienen. Es muy interesante escuchar la mirada que tienen del mundo, sus opiniones y reflexiones porque las personas tenemos experiencias que nos hacen pensar como pensamos.”

Para César René era importante rescatar eso y ponerlo en diálogo. El valor de haberse reunido en este proyecto radica en su apertura al diálogo y en empezar a mirar los pequeños detalles de la vida cotidiana, que pueden pasar desapercibidas pero que sí importan como los afectos, las cosas que les importan y cómo su contexto lleva violencias sistémicas que van atravesando los cuerpos de las personas.

Por ejemplo, la mirada de dirección artística de Mariana guió el proceso de diálogo. “Llevamos por un largo tiempo diarios de trayecto que consta en escribir lo que para nosotros es representativo del trayecto de cuando sales de casa hasta cuando llegas a tu destino y de regreso, todo lo que pasa allí y a lo largo de los días”. Ese registro mostró cómo se enfrentan a distintos contextos, lo que se encuentran en la calle, los obstáculos, el tiempo en el transporte público, cómo es ese transporte público, clima, si están cansados o no, hay coincidencias; que escuchan, quienes están contigo, etcétera. “Cuando tienes esos registros y empiezas a ver esos paralelismos se manifiestan muchos detalles que enriquecen el diálogo creativo”.

Un encuentro para compartir la vida.

Para César y los proyectos que realizan en su organización LCN Escena lo importante es mirar las desigualdades como punto de vista desde dónde mirar, sin importar que el proyecto no se trate de ese tema en específico, pero lo atraviesa en la manera en que diseñan una gira o una propuesta. “Es un lugar desde el cual miramos porque la desigualdad, la precariedad permea nuestra vida así como también la de las personas con las que trabajamos”. Entienden el arte escénico como una oportunidad de encuentro desde lo afectivo para reflexionar sobre la vida que nos rodea y cómo la habitamos.

En esta ocasión, Algunas cosas necesarias les permite generar otro punto de vista donde la desigualdad está como eje pero “hablar de la parte afectiva y generar un encuentro entre las personas para compartir la vida.” El bagaje de Minerva Bautista permitió recuperar esta mirada y generar un proyecto con el cual dialogar y compartir un proceso creativo sin embargo, la llegada de Mariana García Franco, con la perspectiva que tiene del teatro, del cotidiano y como mirar la violencia, acabó de cerrar el proceso.

La mirada de dirección artística de Mariana permitió llevar el proceso de diálogo. “Llevamos por un largo tiempo diarios de trayecto que consta en escribir lo que para nosotros es representativo del trayecto de cuando sales de casa hasta cuando llegas a tu destino y de regreso, todo lo que pasa allí y a lo largo de los días”. Ese registro mostró cómo se enfrentan a distintos contextos, lo que se encuentran en la calle, los obstáculos, el tiempo en el transporte público, cómo es ese transporte público, clima, si están cansados o no, hay coincidencias; que escuchan, quienes están contigo, etcétera. “Cuando tienes  esos registros y empiezas a ver esos paralelamos se manifiestan muchos detalles que enriquecen el diálogo creativo”.

El proyecto pone en el centro los cuerpos de experiencia de sus participantes. En lugar de abordar estas violencias como “fenómenos sociales”, se profundiza en cómo han dejado marcas en los cuerpos, manifestándose en pensamientos, objetos y deseos microscópicos y cotidianos. Un ejemplo de esto en el cuerpo de César René es el trabajo. “Cuando no consigues el apoyo, hay pánico “uy, no va a haber este ingreso”. La reacción depende de tu contexto, es distinta, pero hemos normalizado vivir con esa angustia. Mariana dice que no se trata del día en el que reventaste sino todos los días que te estuviste sintiendo mal. El día de la muerte es la gran catástrofe pero son importantes los días previos”, aclara César René.

De hecho, para la directora de escena, Mariana García Franco, la pieza escénica “pretende generar un desplazamiento en el pensamiento que haga el ejercicio del encuentro no sólo entre las y los creadores sino con las y los espectadores a la manera en que Rolnik nos habla del encuentro y la posibilidad de generar otras miradas y caminos para transitar”. Para ella, también es un espacio para preguntarnos hacia dónde se puede seguir y de qué manera.

Así que sigan pendientes de la residencia de LCN Escénica en Arte Obrera que inicia con Algunas cosas necesarias, propuesta que parte del cuerpo de experiencia, el pensamiento periférico y la pieza artística como proceso para elaborar una reflexión sobre el cotidiano y la incidencia de este en las personas. Ofrecerán funciones el 28, 29 de septiembre y 5 y 6 de octubre en A R T E O B R E R A, ubicado en Isabel La Católica 231.

Por Johana Trujillo A. (@jOtrujilloA)

La casa del narrador y poeta José Luis Bobadilla se transformará en el Centro Cultural Máquinas Simples donde “artistas valientes combatan las normas institucionales y los compadrazgos entre intelectuales”.

El Centro Cultural Máquinas Simples

La casa ubicada en la Alcaldía Álvaro Obregón, dentro de la colonia Merced Gómez, barrio que está siendo desplazado por la gentrificación, abre sus puertas este mes a jovenes artistas y artistas en general que tengan una propuesta provocadora en teatro, que salga de los moldes estéticos del canon y se aventure a buscar caminos poco explorados.

Lo anterior es impulsado por “la necesidad y urgencias de espacios con propuestas serias y estéticas, además de acabar con un discurso políticamente correcto. El arte debe de decir lo que necesita decir, no aquello que sea correcto. El arte por naturaleza es transgresor y provocador. Queremos que Máquinas Simples sea un espacio libre. Eso sí, que tenga una propuesta estética y ética“, comentó Viridiana Nárud, responsable de la gestión y administración del proyecto, en entrevista con Distrito Teatral.

Esta casa será transformada en un centro cultural que llevará el nombre de Maquinas Simples, título de su poemario publicado en el 2014 por el Fondo Editorial Tierra Adentro. Estará abriendo sus puertas en la calle Miguel Mendoza #39, a quienes quieran abrir fila para crear este nuevo ejercito de artistas que tienen como bandera la anarquía. “El anarquista siempre es un moral. No quiere seguir ninguna regla porque tiene una moral y concepto del mundo muy elevado. Buscamos personas que sean provocadoras, inteligentes, dispuestas a romper cánones.”

José Luis Bobadilla

José Luis Bobadilla nació en la Ciudad de México el 29 de octubre de 1974 y falleció el 12 de septiembre de 2019. Fue editor en la editorial Mangos de Hacha y Revista Mula Blanca, profesor de literatura en la Universidad del Claustro de Sor Juana, así como en la Universidad Iberoamericana. Colaboró para El poeta y su trabajo (donde formó parte del consejo editorial), La Jornada, La Tempestad, Letras Libres, Milenio, Reforma, Tierra Adentro y Sibila (Brasil). Parte de su obra ha sido publicada en las antologías Anuario de poesía 2005 (FCE, 2005), Anuario de poesía 2007 (FCE, 2008), Portal de letras: ejercicios de crítica literaria (Juan Pablos Editor, 2013) y Juan Rulfo y su obra: una guía crítica (RM, 2018).

Para Nárud, “su poesía se caracteriza por una aparente liviandad; sin embargo, también la habita una profundidad conceptual inducida por la ensoñación. A sus versos los domina el ritmo sincopado del misticismo e imaginario del escritor.”

Bobadilla buscaba un ejercito de jovenes artistas dispuestos a combatir las normas institucionales y los compadrazgos entre intelectuales. Abrió su revista Mula Blanca a jovenes con voces diversas, pero con una profunda pasión por la poesía. Su casa fue punto de encuentro entre intelectuales, artistas y jovenes que buscaban aprender.

El Centro Cultural Máquinas Simples, contará con un área de exposición, salones para talleres, cineclub y área de conciertos en formato pequeño. Tienen planeado abrir una biblioteca en 2025. El espacio recibe propuestas de teatro, música o danza así como exposiciones de pintura y fotografía. Si quieres presentar tu proyecto escribe al correo cc.maquinas.simples@gmail.com

El espacio abre sus puertas del martes a domingo de 9:00 a 18:00 hrs. El sábado 27 de abril proyectará la película Finlandia a las 19:00 hrs. Además, para actrices y actores que deseen obtener herramientas para la construcción de personajes y espectáculos escénicos, en mayo habrá un Training Actoral con el dramaturgo y director de escena Hugo Wirth. Entérate de sus actividades y propuesta en sus redes sociales: Instagram @cc.maquinassimples y Facebook Máquinas Simples.

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)

Desde Villahermosa Tabasco, la compañía de teatro independiente Black Hat, es la única compañía mexicana presente este año en el Festival World Duo-Drama Fest, en Seúl, Corea, un festival únicamente para proyectos con dos actores en escena.

La compañía creó una primera versión virtual de la puesta en escena “Riñón de cerdo para el desconsuelo”, del dramaturgo veracruzano Alejandro Ricaño, que ahora fue seleccionada por el festival para dar una función el próximo sábado 25 de noviembre del 2023, en el Misong Art Hall. La compañía viajará a Corea para participar en este festival del 23 al 28 de noviembre del 2023 y su función se llevará a cabo en español con subtítulos en coreano.

“Reconocieron nuestro trabajo, lo presentaron de manera virtual en el 2021 y ahora regresamos con una nueva versión para público presencial. Esperamos que lo disfruten al igual que todos estos procesos que hemos tenido nos han ayudado a llegar a esta función tan importante para nosotros.”, comentó Edwina González, directora y actriz de esta nueva versión.

De hecho, para poder mostrar esa primera versión virtual tuvieron que ser muy creativos. “Nuestra primera versión virtual, la verdad, nos pusimos muy creativos porque intentamos resaltar el texto y las actuaciones de los actores para no quedarnos en una sola toma de grabación de una obra. Empezamos a hacer un juego con las cámaras para resaltar ciertas emociones u opiniones que los personajes tenían dentro de la escena y también, el panorama general de la obra. Creo que eso influyó muchísimo en ser aceptados.”

Dirigida por Edwina González, protagonizada por ella misma y por Enrique Marin, la obra de teatro “Riñón de Cerdo para el Desconsuelo” nos traslada a la Francia de los años 30 para conocer la historia de Gustave, un escritor que ha quedado eclipsado por los grandes literatos de su época. Acompañado de Marie, su fiel musa, ambos se embarcan en una aventura de obsesión y fantasía para dar vida a una de las obras más influyentes del teatro absurdo. La obra refleja el deseo paradójico de sus personajes por un futuro incierto.

“Riñón de cerdo para el desconsuelo” es una obra del dramaturgo Alejandro Ricaño; y es producida por Black Hat. En la producción ejecutiva se encuentra Tony S. Bueno; y en dirección e iluminación Edwina González; mientras que el diseño sonoro está a cargo de ambos. En producción asociada Marín y Marín Mezcal. El diseño de vestuario es de Aurora Ares; y la realización de vestuario está a cargo de Ana Asunción Flores y de Flor Pech. En el elenco están Bárbara Flores, Enrique Marín y Edwina González (alternando funciones). El diseño gráfico está a cargo de Tony S. Bueno, la ilustración es de Aurora Ares.

Edwina González inició su formación actoral en Cuernavaca, Morelos, donde actuó en musicales como Cats, El Mago de Oz, Rent, Jesucristo Súper Estrella y Godspell. Actualmente es productora y directora general de la compañía teatral Black Hat en la ciudad de Villahermosa, Tabasco, donde ha hecho producciones como Seussical: el musical de la imaginación, Memorias de Blanche DuBois, Lorca de Pasión y Riñón de cerdo para el desconsuelo.

A pesar de ser la única compañía mexicana en presentarse este año en el festival, no cuenta con ningún apoyo gubernamental para la realización de este viaje, los apoyos son de la iniciativa privada. Después del festival en Corea, regresan a México para tener temporada en el Centro Cultural Casa Lagunas, en el estado de Tabasco, así como otra temporada en la Ciudad de México ambas en el 2024.

Black Hat busca fortalecer la identidad cultural en Tabasco. “Se dice fácil pero llevamos ya laborando cinco años en el estado y colaborando con artista de la entidad. Estamos muy olvidados dentro del estado. Tanto en la comunidad como con las autoridades no dan los espacios o no nos apoyan y es difícil mantener el teatro, es muy caro, pero nosotros no quitamos el dedo del renglón. Sabemos que estos logros, que para nosotros son grandísimos porque no los teníamos contemplados, van a seguir ayudando y dando confianza a la comunidad teatral para que nos unamos y podamos seguir presentando y produciendo espectáculos de calidad para que la gente también conozca un poco más lo que hacen los artistas tabasqueños”, concluyó Edwina.

Como una comunidad habida de saber lo que pasa en otras culturas, hasta el 17 de noviembre, en el Centro Nacional de las Artes se presentará el ciclo Teatro Noh, el arte de la quietud y otras tradiciones de Japón, con el que conoceremos sobre las tradiciones teatrales del lejano oriente de manera gratuita.

El ciclo contempla la exposición Máscaras Noh y Kyogen, que presenta piezas hechas por el maestro mascarero Hideta Kitazawa, utilizadas en las artes escénicas tradicionales de Japón, además de algunas que ha creado para nuevas obras interpretadas por Theatre Nohgaku, compañía fundada en el año 2000 por Richard Emmert y un grupo de intérpretes de habla inglesa formados en las exigentes técnicas del noh o nohgaku, una refinada síntesis de poesía, danza, teatro, música y vestimenta. De hecho, fue una de las primeras artes designadas Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO.

Dentro de la muestra, se exhibirán también máscaras en proceso y algunos de los cinceles típicos utilizados en la talla tradicional de madera en Japón, así como bocetos en papel que el maestro Hideta Kitazawa realiza al crear por primera vez nuevas máscaras. La inauguración fue el 3 de noviembre pero podrás disfrutarlas del 3 al 12 de noviembre, de miércoles a domingo, de 10 a 18 horas.

Además, el músico, actor y director Richard Emmert, junto con el maestro mascarero tradicional Hideta Kitazawa, dictarán la conferencia La escena y sus máscaras, para conocer los elementos que conforman al Teatro Noh, tradición japonesa con 600 años de antigüedad, la importancia de sus máscaras y la técnica para realizarlas, además de la vigencia que tiene como lenguaje para contar historias dentro y fuera de Japón. La conferencia será en el Aula Magna José Vasconcelos mañana miércoles 8 de noviembre a las 17 horas.

Finalmente, se apreciará el Working progress de Río Sumida (Sumidagawa), obra clásica del Teatro Noh, traducida por primera vez al español por la dramaturga Alejandra Castro, adaptada por Richard Emmert e interpretada por alumnos del Taller de especialización y entrenamiento en Teatro Noh que se lleva a cabo en México. Será el viernes 17 de noviembre a las 19 horas en la Plaza de las Artes del Cenart. La idea es consolidar un equipo este año para que en en 2024 o 2025 se haga la presentación de la obra completa.

¡Conoce el Teatro Noh y las máscaras japonesas! Consulta las actividades de entrada libre y para todo público y si te interesa aprender más sobre el Teatro Noh en México visita la página de Teatro Noh en México.

Entrevista con Luis Arturo García

Por Johana Trujillo A (@jOtrujilloA) / Fotos: Carlos Alvar

Luis Arturo García estudió Ciencias Políticas y Administración Publica en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y empezó a hacer teatro como una manera de socializar con las personas. Ahí se dio cuenta que el teatro, además de una herramienta social, le daba la oportunidad de decir otras cosas. Es egresado también del Centro Universitario de Teatro (CUT-UNAM).

“Yo creo que el arte tiene que tomar una postura ante los hechos que suceden en migración, en desapariciones forzadas, en cambio climático, en identidad de género y en muchos otros temas que aparentemente son de urgencia porque tienen que ver con una coyuntura política y social a nivel mundial. Considero que todas las artes estamos convocadas a ofrecer un punto de vista y ser un espejo de la realidad.”, comparte en entrevista para Distrito Teatral.

EL PROCESO CREATIVO

En 2018, mientras realizaba un proyecto en Tijuana en la comunidad haitiana Little Haiti, casa de decenas de inmigrantes haitianos desde 2016, en su día libre fue a La Garita Internacional de San Ysidro, un puerto fronterizo entre Estados Unidos y México, y se dio cuenta que muchas personas estaban cruzando la frontera de regreso a México. “Me acerqué a preguntarle a uno por qué regresaban. Y me dijo «me acaban de deportar». Fue como un golpe para mí pero al mismo tiempo un deseo de decir «tengo que hacer algo». Empecé a imaginar un posible trabajo en 2018. Además, lo fui conectando con mi propia historia: Mi abuelo fue migrante. Mi abuela tenía un teléfono y me platicaba que él le llamaba”, recuerda García.

Eso motivó realizar Los Argonautas, sonidos del desplazamiento, una puesta en escena del texto “Argonáutica”, de Noé Morales Muñoz, y también una instalación sonora basadas en un proceso de acompañamiento a personas en tránsito, retornadas y deportadas a México desde Estados Unidos.

Al comenzar a trabajar con una visión interdisciplinaria, le empezó a llamar la atención el arte sonoro y la creación con nuevas tecnologías. “Con ayuda de uno de los ingenieros que trabajan en el proyecto, intervenimos unos teléfonos análogos de disco con tecnologías digitales. Se escuchan fragmentos de conversaciones, de recuerdos, de canciones, de memorias que empezamos a hacer durante el acompañamiento que realizamos durante un año a comunidad deportada, y después, con la Caravana de Centroamérica que estaban en ese momento. Fue imposible no tomar registro, no atender y no voltear a ver”, explica García.

Empezó como un work in progress en 2019 en donde sólo quería que fuera la instalación porque se sentía tan rebasado por todo lo que habían vivido en el proceso que pensó “Yo sobro, sobra mi voz”. En esa ocasión, sólo estaba su cuerpo en escena y los teléfonos con las personas escuchando. Pasó la pandemia que cambió al mundo y encontró cuál era el lugar en el que él quería participar y tener una voz. Ahora, en esta temporada en el Centro Cultural del Bosque la intención sigue siendo compartir “ese impacto que yo tuve al escuchar de primera voz a las personas que compartían conmigo algo de su memoria sonora”.

“La labor fue muy grande porque estuvimos en Tijuana, en Puebla, en Ciudad de México acompañando, yendo a casas de migrantes, albergues, yendo a negocios que trabajan con comunidad deportada o que contratan a migrantes; escuchando a diferentes asociaciones que atienden a comunidad migrante.”

Se realizó gracias a la colaboración con Espacio Migrante, Tijuana; Movimiento Juventud 2000 A.C., Tijuana; Border Angels, Tijuana; Undocumented Café Playas, Tijuana; Casa del Migrante de Tijuana, Tijuana; Puente TJ, Tijuana; Unified U.S. Deported Veterans Resource Center, Tijuana; Madres y Familias Deportadas en Acción, Tijuana; Restaurante Milli, Cholula, Puebla; Deportados Unidos en la Lucha, Ciudad de México; Ejército de Salvación, Ciudad de México, Yaotlyoacihuatl Ameyal AC, Ciudad de México y Comunidad en retorno, Ciudad de México.

UN TELÉFONO ANTIGUO EN UN MUNDO QUE YA NO EXISTE

Si bien en la mitología griega, Jasón y los Argonautas es una historia sobre las grandes vicisitudes por las que atraviesa un héroe, cuando se ha propuesto alcanzar algo que es valioso para todos a su alrededor, en Los Argonautas, sonidos del desplazamiento, en el espacio mismo espacio de la instalación sonora, seguimos la travesía de Jasón, un hombre que después de vivir en Estados Unidos, es deportado a Michoacán. La puesta en escena muestra al “antihéroe que regresa a casa como el deportado que es rechazado, segregado por una sociedad y por una comunidad que no valora su conocimiento. Un antihéroe del siglo XXI, que tiene que enfrentarse a esta serie de circunstancias para salir adelante”

Recordemos que en el mito original, Jasón, volvió a su tierra a reclamar el trono que, por herencia, le correspondía, pero su tío le dijo que le entregaría el reino, siempre y cuando fuera a la Cólquide y trajera el Vellocino de Oro. En compañía de otros héroes, los Argonautas, emprendieron una travesía en la que enfrentaron peligros asombrosos para cumplir la misión. Aunque la diosa Hera siempre ayudó a Jasón.

Además, lo interesante de su propuesta es el “giro afectivo”. No ponen el dedo en la llaga pues la migración refleja las condiciones de millones de personas que se ven obligadas a desplazarse desde su lugar de origen. En México, según información de la Organización Internacional para la Migraciones (OIM), el corredor migratorio México-Estados Unidos es el más transitado del mundo, al ser Estados Unidos de América el principal destino de la migración mundial actualmente. Pero, ¿qué sonidos quedan en la memoria después del viaje? ¿Cómo se acompaña una deportación? ¿Qué pasa cuando la historia trágica queda fuera y hablamos desde la memoria?

“Cuando me traían de regreso, junto con los demás, en el camión solo se escuchaba el silencio. Hasta que llegamos a la frontera, del lado de México ondeaba una bandera gigante. Ese sonido me hizo comprender que no había vuelta atrás”, se escucha en uno de los audios registrados.

La nostalgia, los recuerdos, nos conectan. Se trata de un sentido de pertenencia no del país que indica nuestro pasaporte. Para Luis Arturo García, la memoria que se cuenta a través de esos teléfonos análogos en la instalación, “hace un paralelo con las personas deportadas regresando a un país en el que ya no cuadran, en el que son y no son”. El tiempo pasó, “tu vida al regresar, es como un teléfono antiguo que ya nadie entiende o nunca conoció.”

Los Argonautas, sonidos del desplazamiento es una apuesta para estar dispuestos a levantar el auricular, escuchar y participar de la acción pues “el espacio, como el mundo, es de libre tránsito”. Podremos cerrar los ojos ante este fenómeno migratorio pero no nuestros oídos para escuchar directamente su voz en esos fragmentos de un minuto, máximo minuto y medio. Permítete ser parte de la vida pública, de las cuestiones políticas que nos atañen como sociedad rompiendo esa frontera entre actores y espectadores. Además, al final de la función hay un conversatorio donde podrás compartir tu punto de vista y contar tu historia.

El equipo creativo lo integran Luis Arturo García, como intérprete y creador escénico; Noé Morales, como colaborador escénico y dramaturgo; Braulio Amadís Rodríguez, en diseño de espacio escénico, lumínico y video; Gaba Cortés, en fotografía documental; Emmanuel Arenas, en desarrollo y montaje de instalación digital; An Beltrán, en la asistencia de producción y Adriana García, en diseño gráfico.

Se presentará el 19, 20, 21 y 22 de octubre en el teatro El Galeón, Abraham Oceransky, como parte del IV Encuentro de Fronteras Líquidas. Las funciones serán el jueves y el viernes a las 20:00 horas, el sábado a las 19:00 horas y el domingo a las 18:00 horas. La duración promedio es de 50 minutos y la edad recomendada es de 12 años en adelante. Al final de cada función habrá un conversatorio con el público.  Entrada $150. Compra tus boletos en taquilla o en Ticketmaster 

Por Johana Trujillo A.

El bailarín y coreógrafo Omar Carrum, creador del concepto Corpo Gourmet, en coproducción con Lena Vagnerová & Company de Praga, República Checa, trae a la Ciudad de México Corpo Gourmet / Antropofagia.

Omar Carrum es bailarín, maestro de coreografía y creador audiovisual. Co-fundó Delfos Danza Contemporánea en 1993, pero tras 24 años de trabajo con la compañía de danza contemporánea y de codirigir el programa de la Escuela Profesional de Danza de Mazatlan (EPDM) por 20 años, inició su propio camino de búsqueda creativa y pedagógica en 2017.

Alquimia Escénica es la compañía de Danza y Teatro Físico que codirige con Angélica Acuña. Desarrollan su quehacer artístico en seis ejes: investigación, creación, circulación, gestión, difusión y pedagogía de las artes escénicas. Como los antiguos alquimistas, buscan transformar sus historias personales, cuestionamientos y procesos de vida en hechos escénicos, tomando el cuerpo pisco-físico como principal eje de estudio.

“Una parte de la filosofía de la compañía y de mi filosofía es la búsqueda de lo que yo llamo la tercera entidad. La tercera entidad es lo que surge cuando dos ideas se juntan en un lugar y se crea una nueva que nunca pudiese haber existido si esas ideas no se hubieran juntado en ese momento”, explica Carrum en entrevista para Distrito Teatral. Su motor es la colaboración en sí misma por “esta posibilidad de que emerja esta tercera entidad totalmente distinta.” Por eso, entre los objetivo de la compañía está la colaboración con artistas de México y otros países para compartir ideas, cultura y experiencias personales por medio de residencias de investigación y creación de corto, mediano y largo plazo.

Así, en coproducción con Lena Vagnerová & Company, de Praga, presentarán por primera vez en la Ciudad de México Corpo Gourmet / Antropofagia, una experiencia teatral, social y culinaria donde recibirán una copa de vino y un menú de diez “manjares escénicos” del que podrán elegir sólo cuatro para comenzar un recorrido artístico y culinario a través del sabor de sus deseos. Mientras observan a los artistas y escuchan la música, los espectadores degustan un platillo creado por un chef, que contiene los sabores y olores relacionados con cada escena en particular.

De hecho, esta propuesta viene en gran medida de una investigación realizada gracias a la Beca Guggenheim que obtuvo en 2009, convirtiéndose en el primer coreógrafo mexicano en recibirla. Investigó sobre los procesos que vive el bailarín en el momento de interpretar una obra coreográfica pues había observado a intérpretes con un talento natural para convertirse en otros en el escenario mientras que otras personas iban adquiriendo y desarrollando una capacidad de transformación interna. Entrevistó y trabajó con Claudia Lavista cofundadora de Delfos, con el bailarín Miguel Mancillas y con Vladimir Rodríguez de la compañía Cortosinesis, interpretes que para él han sido fundamentales. “Todos los grandes interpretes que son brutales cuando los ves en escena, tienen una capacidad de estar en el estado presente, y el estado presente implica todos tus sentidos. Cuando estás totalmente presente hay una sensación de que todos tus sentidos están percibiendo al mismo tiempo”.

Ahí se siembra una semilla fundamental en su carrera. Gracias a “cuestionamientos sobre la escena, sobre la improvisación, sobre la fusión entre el teatro físico y la danza no desde un punto de vista del teatro sino desde una investigación del cuerpo y tomando la palabra, el gesto, la representación y todos estos artilugio del teatro desde nuestra investigación del cuerpo, es que se consolidan todas las propuestas artísticas que ahora hago.”

Corpo Gourmet / Antropofagia es una apuesta para abrir al público a esa misma sensación de estar presente con todos sus sentidos y repensar las posibilidades del arte. De este concepto surgido en 2015, han creando hasta la fecha 21 escenas de diferentes temas y conformando diversos menús para cada uno de los espectáculos realizados por 93 artistas escénicos, 6 chefs de renombre y muchos asistentes de cocina, camareros, bartenders, guías, técnicos y personal quienes han participado para llevar a cabo la experiencia en Mazatlán, Belo Horizonte, Panamá, Bogotá y Praga.

Ahora en Ciudad de México sólo podrá ser disfrutado por 100 personas, el próximo 29 de septiembre a las 8:00 pm en Un Teatro, ubicado en Nuevo León 46, Col. Condesa. La experiencia con una copa de vino tiene un costo de $690.00 M.N. y con barra libre $960.00 M.N. Al final podrán quedarse a la DJ Party con la coreografía mexicana de House, Hip Hop, Whacking y Contemporáneo, Paulina Pulido. Adquiere tus boletos en unteatro.org (https://www.unteatro.org/compra-de-boletos)

Por Johana Trujillo

La normalización de las relaciones afectadas por la violencia hasta el punto gráfico del ataque físico a una mujer adolescente se debe a la impunidad y a que no se hace ningún tipo de seguimiento; las penas se imputan sobre agresiones leves porque el impacto físico no se puede tipificar como intento de homicidio.

Esto es lo que llevó a Gabriela Román, dramaturga, directora teatral y traductora morelense a escribir “Pulsar”, una obra que empezó después de leer cuántos casos existen en México y en el mundo, de mujeres que son atacadas con ácido, una realidad que sucede a mujeres jóvenes.

Gabriela tiene una fascinación por la astronomía, ha encontrado en la ciencia maneras de explicar cosas, por eso aborda temas complicados desde un espacio poético-científico. Pulsar es una energía, entonces, la obra se en cierra en un universo metafórico, de hecho, es una respuesta a su texto “Cósmica” que habla del acoso escolar.

“Los personajes son un reflejo de mi misma. Tratan los caminos habituales de denuncia, sentirse solas en este momento terrible y el camino que encuentran es la escritura y las pintas que hacen. Es un reflejo porque muchas veces yo no sé qué hacer”, me comparte.

Además, lo interesante es que “la historia está contada desde el punto de vista de las dos amigas. Buscaba cambiar hacia los testigos porque siempre se da voz al victimario o la víctima, pero los que están al rededor también están involucrados”.

“Pulsar” cuenta la historia de Fátima, una adolescente que es atacada con ácido y cuya vida se transforma, pero la amistad de sus amigas se mantiene intacta. Todo comienza cuando Fátima llega a una nueva escuela secundaria y conoce a Alba y Aurora, dos hermanas gemelas que se vuelven sus mejores amigas. En una fiesta también conoce a Manuel y se hacen novios, pero ella lo termina al poco tiempo. Él intenta regresar con ella, pero la joven se niega y, entonces, él la acosa y difunde chismes sobre su relación.

Cabe mencionar que “Pulsar” estrenó su primera temporada dentro del Segundo Ciclo de Brujas: Nuevas dramaturgias para una producción escénica feminista, del Foro Shakespeare. Ahora tendrá una nueva temporada en el Espacio Urgente 2, del mismo Foro. Dirigida por Rocío Belmont, es interpretada por Itari Marta y Sandra Burgos, con la producción ejecutiva a cargo de Nareni Gamboa y la producción general de Shakespeare & Cía.

Para proporcionar más información a lxs espectadorxs sobre la violencia de género y la violencia química, al final de algunas funciones se llevarán a cabo conversatorios con expertas en la materia como las integrantes de la Fundación Carmen Sánchez, dedicada a visibilizar casos de ataques con ácido a mujeres mexicanas, acompañar a las víctimas y familiares en el proceso médico, legal y psicológico y gestionar alianzas estratégicas con el sector público y privado para prevenir, investigar, atender, erradicar y sancionar estos crímenes.

Podrán verla todos los miércoles a las 20:30 horas del 6 de septiembre al 25 de octubre de 2023. Cada boleto tiene un costo de 300 pesos, con el 30% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM. Boletos en Foro Shakespeare 

Por Johana Trujillo A.

Carolina Pimentel es directora especializada en teatro de máscaras y títeres, y forma parte del colectivo Deshuesadero T. Junto a Alfredo Romero y Daniel Loyola idearon en 2018 el espectáculo Deshuesadero Suite, como resultado de una residencia artística en Dell’Arte International en Blue Lake, California. La presentación del espectáculo los retó a enfrentarse a un público que no hablaba español.

“Fue muy interesante como lo recibieron porque entendieron todo. En California no se da tanto el fenómeno de las desapariciones, es un tema que ven en las noticias. Entonces se acercaban con mucho respeto pero también impactados de que les contamos una historia, entendieron todo el contexto sin ninguna palabra. Esa fue la mayor influencia, el poder comunicarnos con personas que no hablan nuestro idioma”, comparte Carolina.

Carolina, Alfredo y Daniel escriben, dirigen e interpretan este espectáculo que explora los bordes entre sufrir con la pesadilla y bailar con ella. Una mujer es raptada por dos hombres que la meten en un costal. Con su fotografía en mano, una anciana va en su búsqueda y, cuando finalmente cree haberla encontrado, su trabajo parece ser en vano tras la aparición de un inmenso costal lleno de cuerpos, que se traga lo que está a su alcance.

Sin emplear una palabra y haciendo únicamente uso del movimiento, la máscara y la música, logran representar la grave situación de la desaparición forzada y tráfico humano en México donde hay más de 100,000 personas desapariciones registradas oficialmente. En muchos casos las desapariciones no se denuncian por lo que la cifra puede ser aún mayor, reflejando un patrón crónico de impunidad, a la que la sociedad se ha vuelto cada vez más indolente.

“Algo que nos llamó mucho la atención es que es parte de un sistema económico también, es decir, muchas de estas desapariciones están ligadas al narcotráfico, a la trata de personas, a la venta de órganos. De pronto los seres humanos se han vuelto una mercancía”, dice Pimentel.

Debajo de esa indolencia ante las desapariciones forzadas hay una negación que protege de vivir una experiencia así, por eso hacer humor de algo que no es gracioso era importante para la producción. “Es tan ridículo que lo hemos normalizado. Nos preguntamos cómo podemos hacerlo tan grotesco, tan obvio que se vuelva ridículo, y se vuelve humor negro”.

Además, no sabemos qué hacer. “Hace unos días desapareció un amigo de alguien de la producción y me decía mi amigo: ‘es que no sabemos que hacer. No sabemos cómo reaccionar. No sabemos qué se hace primero; si se le llama a los familiares, si se pone en las redes sociales o se va a la policía. No hay un protocolo a seguir’”, expresa la actriz.

Deshuesadero Suite nos invita a reflexionar y conversar a través del teatro de máscaras. Esta ocasión se presentará por primera vez con música en vivo creada por Francisco Solis. La escenografía, austera pero con mucho movimiento, estuvo a cargo de Tenzing Ortega, quien falleció el  mes pasado dejando una trayectoria de más de 150 puestas en escena.

Gracias a una producción realizada con el estímulo fiscal del artículo 190 de la LISR (EFIARTES) a través de INTELISIS, en Ciudad de México tendrán una nueva temporada de ocho funciones en el Teatro Benito Juárez, ubicado en Villalongín 15, Colonia Juárez, del 3 al 13 de agosto con funciones los jueves y viernes a las 8pm, el sábado a las 7pm y el domingo a las 6pm. La venta de boletos es en taquilla y ticketmaster con entrada general de $184. Descuento del 50%, sujeto a disponibilidad y limitado a estudiantes de nivel básico, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno y afiliados al INAPAM con credencial vigente.

Finalmente, se presentarán en noviembre en otras ciudades del país como en Tijuana, Baja California; en Tlaxcala, Tlaxcala; en Zamora, Michoacán; y en Celaya, Guanajuato.

Por Johana Trujillo A. / Foto: Mario Morales

Luego de triunfar en Francia y España, el próximo 3 de agosto se presenta por primera vez en México Ensayo, del multipremiado dramaturgo francés Pascal Rambert, quien en 2016 obtuvo el Premio de Teatro de la Academia Francesa al conjunto de su obra, misma que ha sido traducida al inglés, ruso, italiano, alemán, japonés, chino y holandés.

Ensayo ha obtenido reconocimientos, como el Premio Émile Augier de Literatura y Filosofía en 2015 y llega a la Ciudad de México bajo la dirección del guanajuatense Juan Manuel García Belmonte, producida por Hanna Berumen y protagonizada por María Inés Pintado, Daniel Martínez, Sonia Couoh y José Carriedo. Además, la escenografía e iluminación tiene la experiencia de Gabriel Pascal, en música y diseño sonoro cuenta con el trabajo de Rodrigo Castillo Filomarino; y en vestuario con el de Salvador Hernández y Daniel Moreno. La traducción al español es de Coto Adánez.

Una compañía de teatro está teniendo un crisis a su interior. Cuando eran jóvenes, comenzaron queriendo cambiar el mundo y refrescar la mirada hacia el teatro. Luego de trabajar 20 años emprenden un viaje que los cambia y nos invita a reflexionar la pertinencia del arte. En entrevista con José Carriedo y Sonia Couoh, nos cuentan de esta puesta en escena en donde los personajes llevan el mismo nombre que los actores. Daniel, interpreta al director; María Inés y Sonia son las actrices; y José es el escritor.

“En cuanto a esta dialéctica de posturas, se vuelve muy interesante lo que se dicen unos a otros, pero como estamos hablando desde un ensayo, es más interesante que abramos la cortina del teatro y se vea lo que hay detrás, lo que implica para los creadores y los actores que estamos tratando de hacer las cosas de manera real, honesta, y también los vicios que eso implica. La obra requiere de una postura intelectual y también requiere de un análisis, no nada más es repetir el texto como en otras obras que son muy vertiginosas. En esta obra sí creo que es un ejercicio dramatúrgico muy interesante de Pascal Rambert pues obliga, incluso a nuestro director Juan Manuel García Belmonte, a no tener concesiones, a no irnos por las ramas”, comenta José Carriedo.

Para Sonia, la obra “es un microcosmos de las problemáticas que los seres humanos atravesamos y de las crisis que tienen que ver con un momento en el que si bien en la vida nos cuestionamos muchas cosas sobre la existencia humana, hay puntos específicos que por determinadas razones, ya sea la edad o por eventos, sucesos de la vida que nos confrontan como seres humanos, nos hacen cuestionarnos muchas cosas muy intensas donde a partir de ese momento es que la vida toma otros rumbos. Y ese es el caso en esta obra. Son cuatro seres humanos que se están debatiendo entre si lo que hacen vale la pena, si las relaciones que tienen son realmente valiosas, productivas y fructíferas, tanto las relaciones laborales como de amistad. Si la decisión que tomaron cuando empezaron, cuando eran jóvenes y había ilusiones y, dice un texto de Daniel, “cuando el pecho estaba henchido de sueños” si eso lo siguen soñando o ya no.”

“Creo que todo lo que nos está comentando Sonix al respecto enmarca este universo en el que también creo que nos merecemos este tipo de reflexiones y que cada vez veremos menos en términos de lo que el mundo nos está exigiendo. El mundo exige respuestas en una cantidad de caracteres no en una profundidad de caracteres”, agrega José.

“El director nos llamó a Pepe y a mi a trabajar. En la obra somos pareja y en la vida real somos pareja, entonces desde ahí el director está haciendo un planteamiento de dirección. Y lo mismo pasó con Daniel, que no era María Inés Pintado, era otra actriz quien también es su pareja, pero por cuestiones laborales no pudo. Pero, ahí ya hay un planteamiento claro de dirección. Y esto refuerza cómo nos atraviesa. Creo que sí es importante; cuando a lo mejor en otras ficciones no lo es, aquí sí es importante que lo analizamos desde dónde estamos parados como personas y dónde estamos parados como artistas porque de otra manera sería difícil hablar de la manera en que lo hace Pascal Rambert”, aclara Sonia.

Ensayo es una obra que no tiene concesiones ni para el espectador ni para el elenco, y por eso el goce de la experiencia esta en cuestionarse. “Los personajes nos preguntamos muchas cosas y lo preguntamos al aire pero se lo estamos preguntando al público. Estamos preguntándole muchas cosas y eso me parece que es muy disfrutable”, dice Sonia. “También esto demuestra que subirse al escenario no es subirse a decir mentiras, es hablar con la verdad. Eso creo que es un disfrute también”, añade José.

A través de intensos monólogos, Ensayo nos habla del final de los movimientos artísticos, del fracaso de la sociedad, de los ideales, y de cómo se rompe el mundo cuando crees tanto en tu arte. Estará en temporada del jueves 3 al domingo 20 de agosto en el Teatro El Milagro (Milán 24, Colonia Juárez). Jueves y viernes a las 20 horas; sábados a las 19:00 horas, y domingos a las 18:00 horas. El jueves 10 de agosto no habrá función y el sábado 19 será función doble, a las 13:00 y 19:00 horas. Además, en septiembre se presentarán en El Teatro del Bicentenario de León, Guanajuato (el 7 y 8) y en el Teatro Cervantes, en Guanajuato (el 9 y 10). Boletos disponibles en taquilla y en boletopolis.

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)

Las historias nos aprovisionan para la vida. ¿Cómo puede el teatro cambiar narrativas para alcanzar la equidad de género?

Conocí a Alejandra Aguilar porque el algoritmo de Instagram me sugirió una publicación de Cuarto Propio. Me llamó la atención la manera en que comunicaban sus ideas. Era como si sus pensamientos resonarán con los míos de alguna manera.  Eso me llevó a descubrir sus otros proyectos, Matryoshka Red Creativa y Amuleto Bazar; también su convicción por el feminismo e impulsar cambios más profundos.

Más que el teatro, lo que llegó a la vida de Alejandra desde niña fue el canto. Quería estudiar ópera y tomaba clases de canto clásico para prepararse para el examen de la Nacional de Música. Pero para no dejar de estudiar dijo “pues me meto a una carrera en lo que estoy lista en la música.” Incluso pensó en inscribirse a sociología o letras hispánicas pero le vió más utilidad al teatro. Así que ya estudiando teatro “descubrí que me gustaba estar atrás. Y que no entendía actuar sin cantar. Me gustaba pensar los textos y el entramado. Ya no hice mis exámenes de música y me quedé ahí”.

Durante la licenciatura formó una compañía con la que pudieron tener en temporada varias obras aún siendo estudiantes, pero terminaron tomaron rumbos distintos. Después, la experiencia de asistir la dirección de una obra en el Centro Universitario del Teatro (CUT) le permitió darse cuenta de todo el entramado de producción que tenían, y que les resolvían todo, más no sentir un respaldo como directora le mostró que para las mujeres el camino no era tan fácil.

“Ya me había dado cuenta que ciertos grupos teatrales que yo admiraba mucho como Teatro Línea de Sombra o Teatro Ojo tenían como figura central a un director pero había una mujer productora que sostenía muchísimo de lo que sucedía en esa compañía. Eran grandes mentes creativas pero estaban más en este rol de producción.” Ahí se gestó Matryoshka Red Creativa, con la idea de crear un sistema con el que tener un sostén de producción para las mujeres.

“Cuando empecé Matryoshka nos tocaban la puerta las mujeres pero los proyectos los lideraban los hombres. Entonces, las mujeres diseñadoras, las actrices que habían levantado su obra, nos hablaban para que les ayudáramos. Pero si tu ves el historial de Matryoshka parece que estábamos produciendo a hombres porque las mujeres buscaban apoyo para esos hombres.”

Empezamos a conversar sobre Bra, una obra de teatro escrita por Rosa Aurora Márquez Galicia, que fue uno de los textos seleccionados dentro de la convocatoria BRUJAS: Nuevas dramaturgias para una producción escénica feminista. El año pasado la lanzó Foro Shakespeare A.C. a través de Shakespeare & Cía., a través del programa México en Escena Grupos Artísticos (MEGA, 2022) y el Sistema de Apoyos para la Creación y Proyectos Culturales (SACPC) por segunda ocasión. Alejandra tuvo la oportunidad de ser jurado y el hecho de que exista el Ciclo Brujas es algo que le emociona.

“Han hecho un gran trabajo al tener todo un sistema para leer los textos a la luz de la mirada feminista. Las chicas tienen una serie de pautas para entender si los textos están escritos desde una perspectiva de género. El mundo no impulsa de la misma manera a las mujeres que a los hombres. Creo que es una gran espacio para que mujeres jóvenes se den a conocer.”

Lo que más le gustó de Bra fue el humor que tiene, “esta cosa entre ácida e incómoda, absurda pero que te hace reír; que en la risa te da mucho coraje o te enoja. Es un tipo de humor que a mí me gusta. Además, creo que es un tipo de teatralidad que resuena mucho con el absurdo, con el cabaret, con lo bregteano pero también con lo político. Los personajes no están puestos en este lugar de querer semejar personas sino querer transmitir ideas. Y eso me gusta.“

La propuesta que se estará presentando en el Foro Shakespeare hasta el 9 de abril, desnaturaliza su uso y muestra las formas en que ha sido impuesto a las mujeres. A partir de una serie de acontecimientos, se introduce a la anatomía del brasier, su relación con la sexualidad y cómo ha influido en la vida de las mujeres. ¿Provocador u opresor? ¿Con varilla o sin varilla? ¿Prenda deseada u odiada? Un brasier que lo ha observado todo desde el calostro hasta las relaciones humanas. Todo da de qué hablar: su presencia o su ausencia. ¿Qué podría salir mal sobre hablar de un brasier?

De hecho, el feminismo llegó a la vida de Alejandra por un incidente en el que un trabajador de la UNAM la tocó mientras estaba dormida. “Perdí un año de escuela porque empecé a tener ataques de pánico. Fue una experiencia incómoda que marcó mucho mi vida.” Pero su espíritu independiente se fue fortaleciendo con lecturas que la llevaron a ser “muy impopular. Yo hablaba de feminismo y hablaba de ciertas autoras y era como “¿qué te pasa?” Fue algo que viví en solitario”— comparte.

Alejandra empezó a volverse una persona muy incómoda en otros procesos donde asistía producción o dirección porque lanzaba la pregunta “¿no creen que esta obra que estamos haciendo hace una apología de la pederastia?” Abría la discusión de esa obra en el camerino, que recuerda bien, “salían argumentos como que la violación era por instinto, que a los personajes no se les juzga, que a los personajes no los puedes analizar desde ahí”. Pero ella cuestionaba “cómo no podemos mirar que un personaje está escrito en un contexto social.”

Bra

Hasta el 9 de abril.

Viernes 8 pm. Sábados 6 y 8 pm. Domingo 6pm.

Espacio Urgente 2 de Foro Shakespeare