Por Johana Trujillo A. (@jOtrujilloA)

La casa del narrador y poeta José Luis Bobadilla se transformará en el Centro Cultural Máquinas Simples donde “artistas valientes combatan las normas institucionales y los compadrazgos entre intelectuales”.

El Centro Cultural Máquinas Simples

La casa ubicada en la Alcaldía Álvaro Obregón, dentro de la colonia Merced Gómez, barrio que está siendo desplazado por la gentrificación, abre sus puertas este mes a jovenes artistas y artistas en general que tengan una propuesta provocadora en teatro, que salga de los moldes estéticos del canon y se aventure a buscar caminos poco explorados.

Lo anterior es impulsado por “la necesidad y urgencias de espacios con propuestas serias y estéticas, además de acabar con un discurso políticamente correcto. El arte debe de decir lo que necesita decir, no aquello que sea correcto. El arte por naturaleza es transgresor y provocador. Queremos que Máquinas Simples sea un espacio libre. Eso sí, que tenga una propuesta estética y ética“, comentó Viridiana Nárud, responsable de la gestión y administración del proyecto, en entrevista con Distrito Teatral.

Esta casa será transformada en un centro cultural que llevará el nombre de Maquinas Simples, título de su poemario publicado en el 2014 por el Fondo Editorial Tierra Adentro. Estará abriendo sus puertas en la calle Miguel Mendoza #39, a quienes quieran abrir fila para crear este nuevo ejercito de artistas que tienen como bandera la anarquía. “El anarquista siempre es un moral. No quiere seguir ninguna regla porque tiene una moral y concepto del mundo muy elevado. Buscamos personas que sean provocadoras, inteligentes, dispuestas a romper cánones.”

José Luis Bobadilla

José Luis Bobadilla nació en la Ciudad de México el 29 de octubre de 1974 y falleció el 12 de septiembre de 2019. Fue editor en la editorial Mangos de Hacha y Revista Mula Blanca, profesor de literatura en la Universidad del Claustro de Sor Juana, así como en la Universidad Iberoamericana. Colaboró para El poeta y su trabajo (donde formó parte del consejo editorial), La Jornada, La Tempestad, Letras Libres, Milenio, Reforma, Tierra Adentro y Sibila (Brasil). Parte de su obra ha sido publicada en las antologías Anuario de poesía 2005 (FCE, 2005), Anuario de poesía 2007 (FCE, 2008), Portal de letras: ejercicios de crítica literaria (Juan Pablos Editor, 2013) y Juan Rulfo y su obra: una guía crítica (RM, 2018).

Para Nárud, “su poesía se caracteriza por una aparente liviandad; sin embargo, también la habita una profundidad conceptual inducida por la ensoñación. A sus versos los domina el ritmo sincopado del misticismo e imaginario del escritor.”

Bobadilla buscaba un ejercito de jovenes artistas dispuestos a combatir las normas institucionales y los compadrazgos entre intelectuales. Abrió su revista Mula Blanca a jovenes con voces diversas, pero con una profunda pasión por la poesía. Su casa fue punto de encuentro entre intelectuales, artistas y jovenes que buscaban aprender.

El Centro Cultural Máquinas Simples, contará con un área de exposición, salones para talleres, cineclub y área de conciertos en formato pequeño. Tienen planeado abrir una biblioteca en 2025. El espacio recibe propuestas de teatro, música o danza así como exposiciones de pintura y fotografía. Si quieres presentar tu proyecto escribe al correo cc.maquinas.simples@gmail.com

El espacio abre sus puertas del martes a domingo de 9:00 a 18:00 hrs. El sábado 27 de abril proyectará la película Finlandia a las 19:00 hrs. Además, para actrices y actores que deseen obtener herramientas para la construcción de personajes y espectáculos escénicos, en mayo habrá un Training Actoral con el dramaturgo y director de escena Hugo Wirth. Entérate de sus actividades y propuesta en sus redes sociales: Instagram @cc.maquinassimples y Facebook Máquinas Simples.

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)

Desde Villahermosa Tabasco, la compañía de teatro independiente Black Hat, es la única compañía mexicana presente este año en el Festival World Duo-Drama Fest, en Seúl, Corea, un festival únicamente para proyectos con dos actores en escena.

La compañía creó una primera versión virtual de la puesta en escena “Riñón de cerdo para el desconsuelo”, del dramaturgo veracruzano Alejandro Ricaño, que ahora fue seleccionada por el festival para dar una función el próximo sábado 25 de noviembre del 2023, en el Misong Art Hall. La compañía viajará a Corea para participar en este festival del 23 al 28 de noviembre del 2023 y su función se llevará a cabo en español con subtítulos en coreano.

“Reconocieron nuestro trabajo, lo presentaron de manera virtual en el 2021 y ahora regresamos con una nueva versión para público presencial. Esperamos que lo disfruten al igual que todos estos procesos que hemos tenido nos han ayudado a llegar a esta función tan importante para nosotros.”, comentó Edwina González, directora y actriz de esta nueva versión.

De hecho, para poder mostrar esa primera versión virtual tuvieron que ser muy creativos. “Nuestra primera versión virtual, la verdad, nos pusimos muy creativos porque intentamos resaltar el texto y las actuaciones de los actores para no quedarnos en una sola toma de grabación de una obra. Empezamos a hacer un juego con las cámaras para resaltar ciertas emociones u opiniones que los personajes tenían dentro de la escena y también, el panorama general de la obra. Creo que eso influyó muchísimo en ser aceptados.”

Dirigida por Edwina González, protagonizada por ella misma y por Enrique Marin, la obra de teatro “Riñón de Cerdo para el Desconsuelo” nos traslada a la Francia de los años 30 para conocer la historia de Gustave, un escritor que ha quedado eclipsado por los grandes literatos de su época. Acompañado de Marie, su fiel musa, ambos se embarcan en una aventura de obsesión y fantasía para dar vida a una de las obras más influyentes del teatro absurdo. La obra refleja el deseo paradójico de sus personajes por un futuro incierto.

“Riñón de cerdo para el desconsuelo” es una obra del dramaturgo Alejandro Ricaño; y es producida por Black Hat. En la producción ejecutiva se encuentra Tony S. Bueno; y en dirección e iluminación Edwina González; mientras que el diseño sonoro está a cargo de ambos. En producción asociada Marín y Marín Mezcal. El diseño de vestuario es de Aurora Ares; y la realización de vestuario está a cargo de Ana Asunción Flores y de Flor Pech. En el elenco están Bárbara Flores, Enrique Marín y Edwina González (alternando funciones). El diseño gráfico está a cargo de Tony S. Bueno, la ilustración es de Aurora Ares.

Edwina González inició su formación actoral en Cuernavaca, Morelos, donde actuó en musicales como Cats, El Mago de Oz, Rent, Jesucristo Súper Estrella y Godspell. Actualmente es productora y directora general de la compañía teatral Black Hat en la ciudad de Villahermosa, Tabasco, donde ha hecho producciones como Seussical: el musical de la imaginación, Memorias de Blanche DuBois, Lorca de Pasión y Riñón de cerdo para el desconsuelo.

A pesar de ser la única compañía mexicana en presentarse este año en el festival, no cuenta con ningún apoyo gubernamental para la realización de este viaje, los apoyos son de la iniciativa privada. Después del festival en Corea, regresan a México para tener temporada en el Centro Cultural Casa Lagunas, en el estado de Tabasco, así como otra temporada en la Ciudad de México ambas en el 2024.

Black Hat busca fortalecer la identidad cultural en Tabasco. “Se dice fácil pero llevamos ya laborando cinco años en el estado y colaborando con artista de la entidad. Estamos muy olvidados dentro del estado. Tanto en la comunidad como con las autoridades no dan los espacios o no nos apoyan y es difícil mantener el teatro, es muy caro, pero nosotros no quitamos el dedo del renglón. Sabemos que estos logros, que para nosotros son grandísimos porque no los teníamos contemplados, van a seguir ayudando y dando confianza a la comunidad teatral para que nos unamos y podamos seguir presentando y produciendo espectáculos de calidad para que la gente también conozca un poco más lo que hacen los artistas tabasqueños”, concluyó Edwina.

Como una comunidad habida de saber lo que pasa en otras culturas, hasta el 17 de noviembre, en el Centro Nacional de las Artes se presentará el ciclo Teatro Noh, el arte de la quietud y otras tradiciones de Japón, con el que conoceremos sobre las tradiciones teatrales del lejano oriente de manera gratuita.

El ciclo contempla la exposición Máscaras Noh y Kyogen, que presenta piezas hechas por el maestro mascarero Hideta Kitazawa, utilizadas en las artes escénicas tradicionales de Japón, además de algunas que ha creado para nuevas obras interpretadas por Theatre Nohgaku, compañía fundada en el año 2000 por Richard Emmert y un grupo de intérpretes de habla inglesa formados en las exigentes técnicas del noh o nohgaku, una refinada síntesis de poesía, danza, teatro, música y vestimenta. De hecho, fue una de las primeras artes designadas Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO.

Dentro de la muestra, se exhibirán también máscaras en proceso y algunos de los cinceles típicos utilizados en la talla tradicional de madera en Japón, así como bocetos en papel que el maestro Hideta Kitazawa realiza al crear por primera vez nuevas máscaras. La inauguración fue el 3 de noviembre pero podrás disfrutarlas del 3 al 12 de noviembre, de miércoles a domingo, de 10 a 18 horas.

Además, el músico, actor y director Richard Emmert, junto con el maestro mascarero tradicional Hideta Kitazawa, dictarán la conferencia La escena y sus máscaras, para conocer los elementos que conforman al Teatro Noh, tradición japonesa con 600 años de antigüedad, la importancia de sus máscaras y la técnica para realizarlas, además de la vigencia que tiene como lenguaje para contar historias dentro y fuera de Japón. La conferencia será en el Aula Magna José Vasconcelos mañana miércoles 8 de noviembre a las 17 horas.

Finalmente, se apreciará el Working progress de Río Sumida (Sumidagawa), obra clásica del Teatro Noh, traducida por primera vez al español por la dramaturga Alejandra Castro, adaptada por Richard Emmert e interpretada por alumnos del Taller de especialización y entrenamiento en Teatro Noh que se lleva a cabo en México. Será el viernes 17 de noviembre a las 19 horas en la Plaza de las Artes del Cenart. La idea es consolidar un equipo este año para que en en 2024 o 2025 se haga la presentación de la obra completa.

¡Conoce el Teatro Noh y las máscaras japonesas! Consulta las actividades de entrada libre y para todo público y si te interesa aprender más sobre el Teatro Noh en México visita la página de Teatro Noh en México.

Entrevista con Luis Arturo García

Por Johana Trujillo A (@jOtrujilloA) / Fotos: Carlos Alvar

Luis Arturo García estudió Ciencias Políticas y Administración Publica en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y empezó a hacer teatro como una manera de socializar con las personas. Ahí se dio cuenta que el teatro, además de una herramienta social, le daba la oportunidad de decir otras cosas. Es egresado también del Centro Universitario de Teatro (CUT-UNAM).

“Yo creo que el arte tiene que tomar una postura ante los hechos que suceden en migración, en desapariciones forzadas, en cambio climático, en identidad de género y en muchos otros temas que aparentemente son de urgencia porque tienen que ver con una coyuntura política y social a nivel mundial. Considero que todas las artes estamos convocadas a ofrecer un punto de vista y ser un espejo de la realidad.”, comparte en entrevista para Distrito Teatral.

EL PROCESO CREATIVO

En 2018, mientras realizaba un proyecto en Tijuana en la comunidad haitiana Little Haiti, casa de decenas de inmigrantes haitianos desde 2016, en su día libre fue a La Garita Internacional de San Ysidro, un puerto fronterizo entre Estados Unidos y México, y se dio cuenta que muchas personas estaban cruzando la frontera de regreso a México. “Me acerqué a preguntarle a uno por qué regresaban. Y me dijo «me acaban de deportar». Fue como un golpe para mí pero al mismo tiempo un deseo de decir «tengo que hacer algo». Empecé a imaginar un posible trabajo en 2018. Además, lo fui conectando con mi propia historia: Mi abuelo fue migrante. Mi abuela tenía un teléfono y me platicaba que él le llamaba”, recuerda García.

Eso motivó realizar Los Argonautas, sonidos del desplazamiento, una puesta en escena del texto “Argonáutica”, de Noé Morales Muñoz, y también una instalación sonora basadas en un proceso de acompañamiento a personas en tránsito, retornadas y deportadas a México desde Estados Unidos.

Al comenzar a trabajar con una visión interdisciplinaria, le empezó a llamar la atención el arte sonoro y la creación con nuevas tecnologías. “Con ayuda de uno de los ingenieros que trabajan en el proyecto, intervenimos unos teléfonos análogos de disco con tecnologías digitales. Se escuchan fragmentos de conversaciones, de recuerdos, de canciones, de memorias que empezamos a hacer durante el acompañamiento que realizamos durante un año a comunidad deportada, y después, con la Caravana de Centroamérica que estaban en ese momento. Fue imposible no tomar registro, no atender y no voltear a ver”, explica García.

Empezó como un work in progress en 2019 en donde sólo quería que fuera la instalación porque se sentía tan rebasado por todo lo que habían vivido en el proceso que pensó “Yo sobro, sobra mi voz”. En esa ocasión, sólo estaba su cuerpo en escena y los teléfonos con las personas escuchando. Pasó la pandemia que cambió al mundo y encontró cuál era el lugar en el que él quería participar y tener una voz. Ahora, en esta temporada en el Centro Cultural del Bosque la intención sigue siendo compartir “ese impacto que yo tuve al escuchar de primera voz a las personas que compartían conmigo algo de su memoria sonora”.

“La labor fue muy grande porque estuvimos en Tijuana, en Puebla, en Ciudad de México acompañando, yendo a casas de migrantes, albergues, yendo a negocios que trabajan con comunidad deportada o que contratan a migrantes; escuchando a diferentes asociaciones que atienden a comunidad migrante.”

Se realizó gracias a la colaboración con Espacio Migrante, Tijuana; Movimiento Juventud 2000 A.C., Tijuana; Border Angels, Tijuana; Undocumented Café Playas, Tijuana; Casa del Migrante de Tijuana, Tijuana; Puente TJ, Tijuana; Unified U.S. Deported Veterans Resource Center, Tijuana; Madres y Familias Deportadas en Acción, Tijuana; Restaurante Milli, Cholula, Puebla; Deportados Unidos en la Lucha, Ciudad de México; Ejército de Salvación, Ciudad de México, Yaotlyoacihuatl Ameyal AC, Ciudad de México y Comunidad en retorno, Ciudad de México.

UN TELÉFONO ANTIGUO EN UN MUNDO QUE YA NO EXISTE

Si bien en la mitología griega, Jasón y los Argonautas es una historia sobre las grandes vicisitudes por las que atraviesa un héroe, cuando se ha propuesto alcanzar algo que es valioso para todos a su alrededor, en Los Argonautas, sonidos del desplazamiento, en el espacio mismo espacio de la instalación sonora, seguimos la travesía de Jasón, un hombre que después de vivir en Estados Unidos, es deportado a Michoacán. La puesta en escena muestra al “antihéroe que regresa a casa como el deportado que es rechazado, segregado por una sociedad y por una comunidad que no valora su conocimiento. Un antihéroe del siglo XXI, que tiene que enfrentarse a esta serie de circunstancias para salir adelante”

Recordemos que en el mito original, Jasón, volvió a su tierra a reclamar el trono que, por herencia, le correspondía, pero su tío le dijo que le entregaría el reino, siempre y cuando fuera a la Cólquide y trajera el Vellocino de Oro. En compañía de otros héroes, los Argonautas, emprendieron una travesía en la que enfrentaron peligros asombrosos para cumplir la misión. Aunque la diosa Hera siempre ayudó a Jasón.

Además, lo interesante de su propuesta es el “giro afectivo”. No ponen el dedo en la llaga pues la migración refleja las condiciones de millones de personas que se ven obligadas a desplazarse desde su lugar de origen. En México, según información de la Organización Internacional para la Migraciones (OIM), el corredor migratorio México-Estados Unidos es el más transitado del mundo, al ser Estados Unidos de América el principal destino de la migración mundial actualmente. Pero, ¿qué sonidos quedan en la memoria después del viaje? ¿Cómo se acompaña una deportación? ¿Qué pasa cuando la historia trágica queda fuera y hablamos desde la memoria?

“Cuando me traían de regreso, junto con los demás, en el camión solo se escuchaba el silencio. Hasta que llegamos a la frontera, del lado de México ondeaba una bandera gigante. Ese sonido me hizo comprender que no había vuelta atrás”, se escucha en uno de los audios registrados.

La nostalgia, los recuerdos, nos conectan. Se trata de un sentido de pertenencia no del país que indica nuestro pasaporte. Para Luis Arturo García, la memoria que se cuenta a través de esos teléfonos análogos en la instalación, “hace un paralelo con las personas deportadas regresando a un país en el que ya no cuadran, en el que son y no son”. El tiempo pasó, “tu vida al regresar, es como un teléfono antiguo que ya nadie entiende o nunca conoció.”

Los Argonautas, sonidos del desplazamiento es una apuesta para estar dispuestos a levantar el auricular, escuchar y participar de la acción pues “el espacio, como el mundo, es de libre tránsito”. Podremos cerrar los ojos ante este fenómeno migratorio pero no nuestros oídos para escuchar directamente su voz en esos fragmentos de un minuto, máximo minuto y medio. Permítete ser parte de la vida pública, de las cuestiones políticas que nos atañen como sociedad rompiendo esa frontera entre actores y espectadores. Además, al final de la función hay un conversatorio donde podrás compartir tu punto de vista y contar tu historia.

El equipo creativo lo integran Luis Arturo García, como intérprete y creador escénico; Noé Morales, como colaborador escénico y dramaturgo; Braulio Amadís Rodríguez, en diseño de espacio escénico, lumínico y video; Gaba Cortés, en fotografía documental; Emmanuel Arenas, en desarrollo y montaje de instalación digital; An Beltrán, en la asistencia de producción y Adriana García, en diseño gráfico.

Se presentará el 19, 20, 21 y 22 de octubre en el teatro El Galeón, Abraham Oceransky, como parte del IV Encuentro de Fronteras Líquidas. Las funciones serán el jueves y el viernes a las 20:00 horas, el sábado a las 19:00 horas y el domingo a las 18:00 horas. La duración promedio es de 50 minutos y la edad recomendada es de 12 años en adelante. Al final de cada función habrá un conversatorio con el público.  Entrada $150. Compra tus boletos en taquilla o en Ticketmaster 

Por Johana Trujillo A.

El bailarín y coreógrafo Omar Carrum, creador del concepto Corpo Gourmet, en coproducción con Lena Vagnerová & Company de Praga, República Checa, trae a la Ciudad de México Corpo Gourmet / Antropofagia.

Omar Carrum es bailarín, maestro de coreografía y creador audiovisual. Co-fundó Delfos Danza Contemporánea en 1993, pero tras 24 años de trabajo con la compañía de danza contemporánea y de codirigir el programa de la Escuela Profesional de Danza de Mazatlan (EPDM) por 20 años, inició su propio camino de búsqueda creativa y pedagógica en 2017.

Alquimia Escénica es la compañía de Danza y Teatro Físico que codirige con Angélica Acuña. Desarrollan su quehacer artístico en seis ejes: investigación, creación, circulación, gestión, difusión y pedagogía de las artes escénicas. Como los antiguos alquimistas, buscan transformar sus historias personales, cuestionamientos y procesos de vida en hechos escénicos, tomando el cuerpo pisco-físico como principal eje de estudio.

“Una parte de la filosofía de la compañía y de mi filosofía es la búsqueda de lo que yo llamo la tercera entidad. La tercera entidad es lo que surge cuando dos ideas se juntan en un lugar y se crea una nueva que nunca pudiese haber existido si esas ideas no se hubieran juntado en ese momento”, explica Carrum en entrevista para Distrito Teatral. Su motor es la colaboración en sí misma por “esta posibilidad de que emerja esta tercera entidad totalmente distinta.” Por eso, entre los objetivo de la compañía está la colaboración con artistas de México y otros países para compartir ideas, cultura y experiencias personales por medio de residencias de investigación y creación de corto, mediano y largo plazo.

Así, en coproducción con Lena Vagnerová & Company, de Praga, presentarán por primera vez en la Ciudad de México Corpo Gourmet / Antropofagia, una experiencia teatral, social y culinaria donde recibirán una copa de vino y un menú de diez “manjares escénicos” del que podrán elegir sólo cuatro para comenzar un recorrido artístico y culinario a través del sabor de sus deseos. Mientras observan a los artistas y escuchan la música, los espectadores degustan un platillo creado por un chef, que contiene los sabores y olores relacionados con cada escena en particular.

De hecho, esta propuesta viene en gran medida de una investigación realizada gracias a la Beca Guggenheim que obtuvo en 2009, convirtiéndose en el primer coreógrafo mexicano en recibirla. Investigó sobre los procesos que vive el bailarín en el momento de interpretar una obra coreográfica pues había observado a intérpretes con un talento natural para convertirse en otros en el escenario mientras que otras personas iban adquiriendo y desarrollando una capacidad de transformación interna. Entrevistó y trabajó con Claudia Lavista cofundadora de Delfos, con el bailarín Miguel Mancillas y con Vladimir Rodríguez de la compañía Cortosinesis, interpretes que para él han sido fundamentales. “Todos los grandes interpretes que son brutales cuando los ves en escena, tienen una capacidad de estar en el estado presente, y el estado presente implica todos tus sentidos. Cuando estás totalmente presente hay una sensación de que todos tus sentidos están percibiendo al mismo tiempo”.

Ahí se siembra una semilla fundamental en su carrera. Gracias a “cuestionamientos sobre la escena, sobre la improvisación, sobre la fusión entre el teatro físico y la danza no desde un punto de vista del teatro sino desde una investigación del cuerpo y tomando la palabra, el gesto, la representación y todos estos artilugio del teatro desde nuestra investigación del cuerpo, es que se consolidan todas las propuestas artísticas que ahora hago.”

Corpo Gourmet / Antropofagia es una apuesta para abrir al público a esa misma sensación de estar presente con todos sus sentidos y repensar las posibilidades del arte. De este concepto surgido en 2015, han creando hasta la fecha 21 escenas de diferentes temas y conformando diversos menús para cada uno de los espectáculos realizados por 93 artistas escénicos, 6 chefs de renombre y muchos asistentes de cocina, camareros, bartenders, guías, técnicos y personal quienes han participado para llevar a cabo la experiencia en Mazatlán, Belo Horizonte, Panamá, Bogotá y Praga.

Ahora en Ciudad de México sólo podrá ser disfrutado por 100 personas, el próximo 29 de septiembre a las 8:00 pm en Un Teatro, ubicado en Nuevo León 46, Col. Condesa. La experiencia con una copa de vino tiene un costo de $690.00 M.N. y con barra libre $960.00 M.N. Al final podrán quedarse a la DJ Party con la coreografía mexicana de House, Hip Hop, Whacking y Contemporáneo, Paulina Pulido. Adquiere tus boletos en unteatro.org (https://www.unteatro.org/compra-de-boletos)