La voz humana

¿DE QUÉ VA?

¿Qué sucede cuando uno de los dos se va? ¿Cómo se llena el vacío que deja un amor que termina? ¿Cómo se lidia con un duelo del que parece no haber salida?

Él pretende dar por terminada su relación, ella siente que ha fallado. Un monólogo sobre el amor, que explora la relación de una pareja donde el espectador solo ve y escucha a la mujer.

Dramaturgia: Jean Cocteau
Dirección: Miguel Septién
Elenco: Irasema Terrazas
Público: a partir de 15 años

 

¿DÓNDE DARÁN FUNCIONES?

Foro Lucerna (Lucerna 64, esquina Milán. Colonia Juárez) Del 4 de abril al 27 de junio de 2022. Lunes 20:30 horas. Entrada general $350.

 

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La ley del ranchero

¿DE QUÉ VA?

Tres historias de pasión carnal se entrelazan y tienen como marco la cantina El ranchero, lugar de fiesta y diversión a donde llega Kid, un forastero evasor de sus faltas y de su destino. En esta taberna el protagonista encontrará a personajes que experimentan su vida sexual de una manera cruda y abierta.

Esta puesta en escena plantea la pulsión del deseo como una especie de fuerza centrifuga que nace de lo salvaje, de aquel territorio inconsciente e insondable donde las represiones cotidianas se desvanecen. Además, reflexiona entorno a una masculinidad opresiva que concienzudamente produce en los hombres una incapacidad para gestionar sus emociones o conectar con la necesaria vulnerabilidad humana. Al mismo tiempo, la puesta evidencia que las estructuras patriarcales también oprimen y condicionan a los varones.

Dramaturgia: Hugo Salcedo Ab
Dirección: Tania María Muñoz y Edgar Valadez
Elenco: Edgar Valadez, Guillermo Revilla, Martín Villarreal, Héctor Iván González, Elías Toscano, Antonio Saavedra, José Juan Sánchez, Oscar Serrano y Abraham Gongo, bajo la dirección de Tania María Muñoz y Edgar Valadez.
Público: a partir de 16 años

 

¿DÓNDE DARÁN FUNCIONES?

Foro Foto La Gruta del Centro Cultural Helénico (Av. Revolución 1500) Jueves del 26 de mayo al 28 de julio, a las 20:00 horas. Entrada general $205.

 

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Cuando canta un alebrije

¿DE QUÉ VA?

Nos cuenta sobre la pesadilla originada por la fiebre de una indigestión; en la cual el cartonero creador de estos seres, Pedro Linares, nuestro personaje principal, viaja a un bosque del inframundo donde transita con seres extraños, de colores, alas, plumas y cuernos: los alebrijes, hasta llegar al infierno engañado por el mismísimo diablo, donde demonios y seres históricos le realizan un juicio para deliberar ¿Cómo regresará al mundo de los vivos?

Dramaturgia: Basada en el guión original de Frino Ab
Dirección: Mauro Mendoza y Sylvia Guevara
Elenco: Lyssette Reyes, Ana María Moctezuma, Tamara Salazar, Carmen Partida, Lourdes Luna y Liza Serrano
Público: a partir de 7 años

 

¿DÓNDE DARÁN FUNCIONES?

Foro A Poco No (República de Cuba 49, Centro Histórico, Metro Allende) Del 7 de mayo al 26 de junio de 2022. Sábado y domingo 13:00 horas. Entrada general $80.

 

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Hedda

¿DE QUÉ VA?

Una pieza unipersonal, inspirada en uno de los arquetipos femeninos más representativos de la historia del Teatro: ‘Hedda Gabler’ de Henrik Ibsen. En esta historia, es una heroína que nació y vivió marcada por la violencia, en la que el narcotráfico resulta el detonador de la destrucción del mundo interno de una mujer que anhela tener una vida normal.

Hedda hace un viaje al pasado a través de su diario personal para evocar varios episodios de su vida antes de tomar una gran decisión. Escondida en el baño de su infancia, hojea el diario testigo de sus anécdotas y deseos. Su búsqueda constante por una vida común, con un pasado altamente complejo, se mezcla con el presente y extermina toda posibilidad de futuro.

Dramaturgia: Tania Yabel Mayrén
Dirección: Abril Pinedo
Elenco: Tania Yabel Mayrén
Público: a partir de 7 años

 

¿DÓNDE DARÁN FUNCIONES?

Foro A Poco No (República de Cuba 49, Centro Histórico, Metro Allende) Del 5 al 15 de mayo. Jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas Entrada general $196.

 

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Niños Polvo

¿DE QUÉ VA?

Reflexiona sobre la guerra y sus tragedias permanentes a partir de los hermanos Samir, de 12 años, y el pequeño Orión, de siete. Samir ha creado un mundo imaginario para mantener a salvo a Orión, hasta que el estallido de una bomba los separa y Orión debe de iniciar una búsqueda para reencontrarlo, acompañado por una muñeca de porcelana, un niño recolector y un libro parlante.

Juntos, entre un universo fantástico y la crueldad del mundo real, Orión y sus amigos emprenderán un viaje donde la memoria y los recuerdos de la infancia son un invaluable tesoro para hacer frente al dolor de aquello que más temen.

Dramaturgia: Zaid Rolva
Dirección: Zaid Rolva
Elenco: Ana Lilia Herrera, Claudia Olivia, Nara Hernández, Said Soto, Sergio Díaz, y Zaid Rolva
Público: a partir de 7 años

 

¿DÓNDE DARÁN FUNCIONES?

Teatro de la República (Antonio Caso 48, col. Tabacalera) Sábado 21 y domingo 22 de mayo a las 13:30 hrs. Entrada general $275.

 

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La persona deprimida: contar una buena historia

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

Cuando leí el título “La persona deprimida” en lugar de sentir atracción por verla, creí que sería un dramón que me haría llorar toda la obra. Fue una sorpresa cuando de pronto en el escenario veo a una mujer (Carolina Politi) presentándose de manera ordinaria, con una sonrisa que apenas se esboza en su rostro. La luz cenita sobre ella y una silla es todo lo que necesita para contar una buena historia.

La persona deprimida es un monólogo que habla de manera disociada del sujeto que vive la depresión. Narra cómo el divorcio de los padres marcó su infancia, la estúpida batalla legal entre ellos que deja a su hijo como intermediario de los dimes y diretes entre estos dos adultos. La culpa de la existencia crea raíces en la psique del personaje y después de años de terapia comienza a cuestionarse quién podría haber sido si no tuviera miedo que el afecto por las otras personas pueda lastimarla o abandonarla. El miedo de sentir, de mostrarse tal y cómo es la aísla en la soledad dejando a su psiquiatra como único amigo y guía.

En la actualidad el psicólogo o psiquiatra ha tomado ese papel que en la antigüedad pertenecía a los sacerdotes, son guía espirituales que nos abren el mundo de una verdad oculta que se repite en nuestras vidas y que nombramos complejos. Esta relación ha generado que dentro de las narrativas el psicólogo tome también un papel fundamental en el desarrollo del personaje.

La actuación de Carolina Politi es contenida, no interpreta a un personaje a punto de un colapso nervioso que se sostiene endeblemente dentro de su psique, cualquier cosa podría derrumbarlo y terminar en una escena suicida, sin embargo, se sostiene en pie, tratando de sobrevivir a los aspavientos de la vida.

El autor, David Foster, quien murió de ahorcamiento, podría hacer un guiño a lo que fue su vida y esto dimensionar la obra a un nivel más profundo. El director Daniel Veronose nos recuerda que en un monólogo, para contar una buena historia, es imprescindible un buen texto y una excelente actriz que entienda el poder de lo que enuncia en escena. Menos es más y lo hace con maestría.

La persona deprimida es una obra que cuestiona esta enfermedad, que no sólo señala sino invita al espectador a ver dentro de sí mismo, lo que siempre es peligroso. “El análisis no es para todos” diría mi doctor.

Al salir de la obra me detuve a escuchar los comentarios de las personas. Dentro del público había personas que asistieron a ver el monólogo por dos ocasiones. Una de ellas decía: Ahora lo interpretó diferente, hizo algo distinto. A lo que su compañera respondió: No, nada ha cambiado, sólo tú.

Madre coraje y sus hijos: los estragos de la guerra

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

La guerra deja sin hogar a los más pobres y a los ricos aún más ricos. Lo importante en este arte no es el pueblo ni la soberanía de éste sino el poder de quien gane, así es como se crean las grandes naciones. Madre Coraje representa a ese personaje que queda en medio del terreno de guerra y quien hace de la guerra un negocio que le permite vivir de manera miserable. También es una de las obras más representativas del dramaturgo Bertol Brecht.

Esta obra mantiene su vigencia ya que la guerra parece no tener fin. El propósito de Madre Coraje es demostrar al mundo los estragos de la guerra en el mundo de los marginados, de esos que quedan varados en medio de las trincheras y deben sobrevivir del comercio o lo que se pueda.

El elenco conformado por la compañía Telón de Arena nos recuerda la intensidad de la actuación tan necesaria, nos abstrae de la realidad y nos lleva a ese mundo que el autor quiso recrear ya sea por venganza de haber sido exhiliado de su país natal (Alemania) o como crítica a las guerras en donde los daneses mataron a católicos.

La dirección de Luis de Tavira se une con la escenografía de Jesús Hernández. Sin embargo, estos grandes monstruos que acostumbran dejarnos perplejos, esta vez parece que en ocasiones descuidan la creación de los cuadros escénicos que suelen acompañar la dirección del maestro. Hay algo en la voz de los actores y la dirección que aún no termina de generar un discurso unificado, quizá ese sea el propósito.

Madre Coraje y sus hijos no busca la catarsis del espectador ya que desde su concepción no fue hecha para eso, pero sí para demostrar los estragos de la guerra en los más pobres. Un clásico que no se debe perder por su estructura dramática, por su dirección y porque los montajes del maestro Tavira son siempre la base del teatro mexicano.

La exequia de doña Pompa: traer a los muertos a la vida

Por Viridiana Nárud

 

Traer a los muertos a la vida, hablar con ellos y solucionar los problemas es un deseo que a muchos mueve. Este es el deseo de Doña Pompa, traer a su difunto esposo para hablar con él a través de una exequia (ceremonia fúnebre). La dirección de Isael Almanza nos muestra un triller con tintes de humor. La música que pone al inicio nos recuerda a la utilizada en la película del Bebé de Rosemary, un acierto para la creación de la atmósfera.

La actuación de Erandeni Durango se muestra exagerada y el llanto forzado si sumamos a esto que el inicio de la obra es un tanto explicativo y uno puede llegar a perderse. Empero, la cosa da un giro bastante interesante al aparecer en escena el actor Miguel Narro, quien no sólo comprende el texto sino también lo habita, llevando de la mano a su compañera a un lugar en donde la ficción logra un acto de veracidad.

La dramaturgia de Alan Escalona es interesante, genera momentos de reflexión que apuntan a una poética que no logra del todo salir, sin embargo, hay atisbos de lo que su voz puede ser en un futuro. La obra mantiene al público atento a pesar del calor de la sala; las risas y el asombro caen en el momento que deben caer.

La exequia de doña Pompa es una obra que divierte e intriga. Muchos, en el transcurso de nuestra vida, hemos querido hablar con nuestros “difuntos” exes para rendir cuentas y entender el vacío que nos han dejado. Los viejos amores toman formas de fantasmas y Doña Pompa nos libera de esa angustia de no haber dicho lo que se tenía que decir. Si quieres ir al teatro y no arrepentirte, esta obra es una gran opción.

Que arda Tebas: Criticar el sistema dentro del sistema

Por Viridiana Nàrud

Criticar el sistema dentro del sistema puede ser un acto de rebelión. La crítica exige no sólo un acto de reflexión que mire al otro, sino también un mirar hacia adentro, es decir, es necesario, por no decir vital, que sea autocrítica, de lo contrario podría estarse cayendo en un acto de omisión.

¡Qué arda Tebas! habla de un joven director que pretende criticar al sistema dentro del sistema, esperan a un alto funcionario del gobierno para demostrar su punto de vista político. Conforme la obra se desarrolla, el director y joven promesa, demuestra su estupidez y cómo su falso talento es vendido y aplaudido por funcionarios. Si bien es cierto que la dramaturgia de Américo del Río tiene momentos de reflexión interesantes que ponen el dedo en la llaga dentro del sistema del teatro mexicano y cómo favorece a sus predilectos, se aleja del punto para hablar de todo y nada.

Dentro de la estructura dramática del texto las grandes cosas pasan fuera del escenario, como el monólogo de Edipo Rey, como las ráfagas de fuego dentro del escenario, el absurdo de todo lo que sucede y cómo enarderse al público. Sin embargo, la controversia es sólo narrada jamás vista ni sentida dentro de la obra que se nos presenta. La dirección de Juan José Tagle recrea a la perfección ese mundo criticado cayendo en aquello que critica.

¡Qué arda Tebas! es una obra cuya dramaturgia y dirección necesita ver más allá de lo local, necesita dejar de ver lo particular. Los actores ponen el alma en el escenario, ellos son el motor de la historia y quienes permitan que mantenga cierto sentido. Teatro del absurdo no es un teatro irracional e incoherente, por lo contrario, tiene bases profundas en el pensamiento crítico y razonable, abre las entrañas de la realidad por medio de una falsa apariencia ya que la verdad no puede ser desnuda de manera obvia, se necesita desarrollar el oficio de escritor y observador del mundo para mostrarlo con simpatía.

 

Foto: Centro Cultural Helénico

¿Por qué no tengo cama?

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

Muy a menudo, cuando nos encontramos con las mitologías y cosmogonías del mundo, el asombro que nos causan provoca querer exponer a todos nuestro hallazgo, esto es lo que Gaston Bachellard nombra complejo de cultura. Así que, cuando este exceso de cultura invade a una obra, vemos que el contacto con lo profundo y sincero se deshace y sólo se enuncian los nombres de los grandes mitos.

En ¿Por qué no tengo cama? nos enfrentamos a un exceso de enunciación y evocación de mitos, horóscopos y numerología por parte de la directora y dramaturga Karen Alicia. Es cierto que en la actualidad se ha puesto de moda describir a las personas a través de sus horóscopos dejando de ver en el otro a una persona, y viendo a un elemento o símbolo que muchas veces no termina de coincidir con la realidad. En esta dramaturgia, la autora mediante su personaje cuestiona por qué la necesidad de conceptualizar el amor y no sólo sentir.

La conceptualización del amor, de los objetos, de un tema en específico permite cuestionar, problematizar y dar profundidad aquello que se encuentra en la superficie y sobre todo nos permite pensar. Bien se podría especular que en la actualidad existe un exceso de raciocinio y que es necesario volver a lo más elemental, sentir sin cuestionarnos las grandes preguntas. Sin embargo, esta obra cuestiona las grandes cosas y sus planteamientos y resoluciones, aunque se queden en la superficie. Conceptualizar a un nivel intelectual permitiría a la escritora parecer menos ingenua.

El amor es una tema que ha tomado años de estudios en la vida de la humanidad. Ortega y Gasset dice que es un invento literario que nada tiene de natural. Aún así, nuestra forma de amar determina y marca el ritmo de una era. ¿Por qué no tengo cama? evoca, pero no construye. Decir Neptuno no es poesía, no es la evocación y materialización del Dios por medio de la palabra y tampoco es el constructo de un concepto por sí sólo. La dirección pierde fuerza en su teatralidad y no nos permite escuchar del todo lo que el personaje siente. Como dijo Mies Van der Rohe: menos, es más.

¿Por qué no tengo cama? es una obra para audiencias jóvenes que se enfrentan a la primera ruptura amorosa y su dolor. Toca temas que hoy a muchos inquietan como la numerología, el feminismo y los horóscopos. El aire y el fuego se atraen, esto es cierto a un nivel del elemento, pero no del ser humano. Lo importante de la pregunta “¿quién soy?” no es la respuesta, es el Ser.


La obra se presenta los martes a las 20:00 hrs en el Teatro La Capilla hasta el 29 de marzo.