Sobre los procesos creativos y la importancia de pagarle a un escritor

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

Mientras preparo mi justificación para presentar un proyecto al FONCA y después de haber leído la convocatoria y demás tutoriales de cómo presentar un proyecto, vienen a mí las siguientes interrogantes: Si otorga una beca a jóvenes creadores, ¿de dónde se pretende que tengan la experiencia para concursar con sus demás contrincantes? Si la beca está pensada para jóvenes talentos y promesas de México ¿por qué tendría que mostrar un curriculum detallado de su carrera? Vamos, a los treinta y cuatro muchos esperamos ya tener una trayectoria recorrida, sin embargo, para lo jóvenes, muy jóvenes, ¿no son una traba estos requisitos?

Pienso que el arte no sólo es compromiso que necesita tiempo y disciplina, es una profesión que necesita dinero y que la mayoría de la sociedad y gobierno ven como algo inútil, empero, se continúa necesitando. En mi experiencia, como escritora nadie quiere pagar por una obra, un artículo, un guion. ¿Pensarán que los escritores tomamos los libros de los árboles?

La maduración de un artista no depende sólo de los años que tenga, también del tiempo que pueda llegar a tener para invertir en su oficio. En el oficio de la escritura, hablo sólo de éste porque es el único que conozco, se necesita tiempo para escribir y por gracioso que pueda parecerle al lector, una obra no proviene de la inspiración y tampoco hay musas que nos toquen en medio de la noche. En su mayoría, las obras vienen después de horas de estudio, de dedicación, de interrogantes y pocas veces todo ese cúmulo de cosas sólo terminan en intentos de obras guardadas en la memoria de nuestra computadora. Quizá terminar una obra completa y buena es una cuestión de suerte, pero digamos que una buscada.

Mientras escucho uno de los tutoriales en YouTube, la voz femenina dice que, si no obtenemos la beca para este año, trabajemos duro para tenerla: Si quieren ser directores, dirijan… ¿Sabrá ella que para dirigir una obra se necesita de un grupo de actores y un dramaturgo? A temprana edad todos buscamos oportunidades; y al vivir con nuestros padres, aceptar trabajos en donde no hay pago es una posibilidad, pasando los treinta no lo es.

La becas, en este caso la del FONCA, deben pensar que son también un semillero de artistas en potencia y que necesitan ser más sensibles ante las carencias económicas de la mayoría de los mexicanos. En el caso de los escritores y dramaturgos mostrar una obra escrita y terminada con potencial y que el jurado sepa reconocer el talento de lo que lee, más allá de lo que dice su curriculum, es también un acto que necesita sensibilidad y visión artística.

Lo importante de un artista no es la cantidad de obras montadas o publicadas, sino la calidad de su obra, la cual se demuestra en cada montaje, en cada dramaturgia o interpretación. La visión de un artista revela el alma humana y no sigue agendas políticas, sigue una voz interna que lo conecta con los otros, quizá sea lo que se conoce como inconsciente colectivo.

Si queremos conocer en el futuro las voces de los escritores, debemos pagarles su obra y no sólo de manera simbólica. Retiremos los mitos de artista sufrido que anda con zapatos rotos con tal de escribir. Un escritor tiene derecho a una vivienda digna, a un pago por su obra digno, a comprar libros con el pago de su obra, estudiar horas y encerrarse a leer. Porque aunque sea difícil de creer, los escritores son los críticos de nuestro tiempo y de ellos depende que en el presente y futuro se conozca la realidad de nuestra época.

Tebasland

¿DE QUÉ VA?

El encuentro entre un escritor y un joven que cumple su condena en la cárcel por asesinar a su padre. Una historia sobre la realidad y la ficción; la retribución y la justicia.

Dramaturgia: Sergio Blanco
Dirección: Mauricio García Lozano
Elenco: Mauricio García Lozano y Manuel Cruz Vivas
Público: a partir de 14 años

 

¿DÓNDE DARÁN FUNCIONES?

Foro Shakespeare (Zamora 7, Condesa, Metro Chapultepec) Hasta el 26 de junio de 2022. Viernes 20:00 horas, sábados 17:30 horas y 20:00 horas, domingos 17:00 horas. Funciones extra: Domingo 12, 19 y 26 de junio, 13:00 horas.. Entrada general $400.

 

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Tebas land: la realidad y la ficción parecen confundirse

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

Durante algunos días he dudado en publicar o no una crítica acerca de esta obra. ¿Qué tan objetiva puedo ser cuando una comienza a admirar el trabajo de un artista en escena? ¿Qué tan objetiva puedo una mantenerse? Sin embargo, para aliviar estas dudas me he dicho que no existe mayor objetividad que la subjetividad del sujeto que observa. Además, lo importante en el hecho teatral no es lo real, sino la verosimilitud.

Al término de esta obra mi acompañante me dijo: “Esto no puede ser posible, las reglas del teatro penitenciario sí permiten esto y aquello”. Entonces, la pregunta que surgió fue: ¿Es importante que se enuncie bajo juramento de decir sólo lo real y sólo lo real en el teatro, o es más importante que la ficción cree sus propias reglas y haga verosímil su propia ficción? En realidad, no tendría que pensarlo mucho, Aristóteles nos da la respuesta.

Aclarado este punto comencé a analizar la dramaturgia y su dirección. La dirección de Mauricio Lozano se ciñe mucho a lo marcado por el dramaturgo y nos recuerda que a veces lo más sencillo es lo mejor. Esto no quiere decir que al encontrarnos con una jaula que contiene una cancha de basquetbol y encierra a un hombre dentro del foro no cause sorpresa y claustrofobia.

La dramaturgia de Sergio Blanco nos recuerda un poco a Pirandello: las problemáticas de la interpretación y la vida del personaje en busca de una voz, también es la idea de la multiplicación de ese “Yo” que renace ante cada puesta en escena. Tebas Land es una obra dividida en actos en donde los personajes se desdibujan a través de una trama en donde la realidad y la ficción parecen confundirse, sin embargo, la única que en realidad existe es la segunda. La idea del parricidio, un crimen que altera todo orden cósmico y designio de los dioses, se presenta cómo una duda que nos hace cuestionar si el culpable no es sólo una víctima de la circunstancia y de decisiones que lo condenaron a su destino trágico.

La obra no sólo tiene una temática fuerte, también cuenta la historia de los menos desfavorecidos, como los condenados sociales que pagan crímenes en la cárcel. Empero, existe algo que interrumpe la progresión dramática: cuando el autor corta las escenas para recordarnos que es él quien ha creado la historia. Tebas Land es genera un dilema en donde la ficción y acción dramática es interrumpida por la idea. ¿Qué es más emocionante?: ¿La creación de una ficción ininterrumpida que nos lleve a un clímax y redención en el teatro o la idea que nos lleva siempre al humor y la ironía?

La voz humana

¿DE QUÉ VA?

¿Qué sucede cuando uno de los dos se va? ¿Cómo se llena el vacío que deja un amor que termina? ¿Cómo se lidia con un duelo del que parece no haber salida?

Él pretende dar por terminada su relación, ella siente que ha fallado. Un monólogo sobre el amor, que explora la relación de una pareja donde el espectador solo ve y escucha a la mujer.

Dramaturgia: Jean Cocteau
Dirección: Miguel Septién
Elenco: Irasema Terrazas
Público: a partir de 15 años

 

¿DÓNDE DARÁN FUNCIONES?

Foro Lucerna (Lucerna 64, esquina Milán. Colonia Juárez) Del 4 de abril al 27 de junio de 2022. Lunes 20:30 horas. Entrada general $350.

 

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La ley del ranchero

¿DE QUÉ VA?

Tres historias de pasión carnal se entrelazan y tienen como marco la cantina El ranchero, lugar de fiesta y diversión a donde llega Kid, un forastero evasor de sus faltas y de su destino. En esta taberna el protagonista encontrará a personajes que experimentan su vida sexual de una manera cruda y abierta.

Esta puesta en escena plantea la pulsión del deseo como una especie de fuerza centrifuga que nace de lo salvaje, de aquel territorio inconsciente e insondable donde las represiones cotidianas se desvanecen. Además, reflexiona entorno a una masculinidad opresiva que concienzudamente produce en los hombres una incapacidad para gestionar sus emociones o conectar con la necesaria vulnerabilidad humana. Al mismo tiempo, la puesta evidencia que las estructuras patriarcales también oprimen y condicionan a los varones.

Dramaturgia: Hugo Salcedo Ab
Dirección: Tania María Muñoz y Edgar Valadez
Elenco: Edgar Valadez, Guillermo Revilla, Martín Villarreal, Héctor Iván González, Elías Toscano, Antonio Saavedra, José Juan Sánchez, Oscar Serrano y Abraham Gongo, bajo la dirección de Tania María Muñoz y Edgar Valadez.
Público: a partir de 16 años

 

¿DÓNDE DARÁN FUNCIONES?

Foro Foto La Gruta del Centro Cultural Helénico (Av. Revolución 1500) Jueves del 26 de mayo al 28 de julio, a las 20:00 horas. Entrada general $205.

 

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Cuando canta un alebrije

¿DE QUÉ VA?

Nos cuenta sobre la pesadilla originada por la fiebre de una indigestión; en la cual el cartonero creador de estos seres, Pedro Linares, nuestro personaje principal, viaja a un bosque del inframundo donde transita con seres extraños, de colores, alas, plumas y cuernos: los alebrijes, hasta llegar al infierno engañado por el mismísimo diablo, donde demonios y seres históricos le realizan un juicio para deliberar ¿Cómo regresará al mundo de los vivos?

Dramaturgia: Basada en el guión original de Frino Ab
Dirección: Mauro Mendoza y Sylvia Guevara
Elenco: Lyssette Reyes, Ana María Moctezuma, Tamara Salazar, Carmen Partida, Lourdes Luna y Liza Serrano
Público: a partir de 7 años

 

¿DÓNDE DARÁN FUNCIONES?

Foro A Poco No (República de Cuba 49, Centro Histórico, Metro Allende) Del 7 de mayo al 26 de junio de 2022. Sábado y domingo 13:00 horas. Entrada general $80.

 

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La persona deprimida: contar una buena historia

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

Cuando leí el título “La persona deprimida” en lugar de sentir atracción por verla, creí que sería un dramón que me haría llorar toda la obra. Fue una sorpresa cuando de pronto en el escenario veo a una mujer (Carolina Politi) presentándose de manera ordinaria, con una sonrisa que apenas se esboza en su rostro. La luz cenita sobre ella y una silla es todo lo que necesita para contar una buena historia.

La persona deprimida es un monólogo que habla de manera disociada del sujeto que vive la depresión. Narra cómo el divorcio de los padres marcó su infancia, la estúpida batalla legal entre ellos que deja a su hijo como intermediario de los dimes y diretes entre estos dos adultos. La culpa de la existencia crea raíces en la psique del personaje y después de años de terapia comienza a cuestionarse quién podría haber sido si no tuviera miedo que el afecto por las otras personas pueda lastimarla o abandonarla. El miedo de sentir, de mostrarse tal y cómo es la aísla en la soledad dejando a su psiquiatra como único amigo y guía.

En la actualidad el psicólogo o psiquiatra ha tomado ese papel que en la antigüedad pertenecía a los sacerdotes, son guía espirituales que nos abren el mundo de una verdad oculta que se repite en nuestras vidas y que nombramos complejos. Esta relación ha generado que dentro de las narrativas el psicólogo tome también un papel fundamental en el desarrollo del personaje.

La actuación de Carolina Politi es contenida, no interpreta a un personaje a punto de un colapso nervioso que se sostiene endeblemente dentro de su psique, cualquier cosa podría derrumbarlo y terminar en una escena suicida, sin embargo, se sostiene en pie, tratando de sobrevivir a los aspavientos de la vida.

El autor, David Foster, quien murió de ahorcamiento, podría hacer un guiño a lo que fue su vida y esto dimensionar la obra a un nivel más profundo. El director Daniel Veronose nos recuerda que en un monólogo, para contar una buena historia, es imprescindible un buen texto y una excelente actriz que entienda el poder de lo que enuncia en escena. Menos es más y lo hace con maestría.

La persona deprimida es una obra que cuestiona esta enfermedad, que no sólo señala sino invita al espectador a ver dentro de sí mismo, lo que siempre es peligroso. “El análisis no es para todos” diría mi doctor.

Al salir de la obra me detuve a escuchar los comentarios de las personas. Dentro del público había personas que asistieron a ver el monólogo por dos ocasiones. Una de ellas decía: Ahora lo interpretó diferente, hizo algo distinto. A lo que su compañera respondió: No, nada ha cambiado, sólo tú.

Madre coraje y sus hijos: los estragos de la guerra

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

La guerra deja sin hogar a los más pobres y a los ricos aún más ricos. Lo importante en este arte no es el pueblo ni la soberanía de éste sino el poder de quien gane, así es como se crean las grandes naciones. Madre Coraje representa a ese personaje que queda en medio del terreno de guerra y quien hace de la guerra un negocio que le permite vivir de manera miserable. También es una de las obras más representativas del dramaturgo Bertol Brecht.

Esta obra mantiene su vigencia ya que la guerra parece no tener fin. El propósito de Madre Coraje es demostrar al mundo los estragos de la guerra en el mundo de los marginados, de esos que quedan varados en medio de las trincheras y deben sobrevivir del comercio o lo que se pueda.

El elenco conformado por la compañía Telón de Arena nos recuerda la intensidad de la actuación tan necesaria, nos abstrae de la realidad y nos lleva a ese mundo que el autor quiso recrear ya sea por venganza de haber sido exhiliado de su país natal (Alemania) o como crítica a las guerras en donde los daneses mataron a católicos.

La dirección de Luis de Tavira se une con la escenografía de Jesús Hernández. Sin embargo, estos grandes monstruos que acostumbran dejarnos perplejos, esta vez parece que en ocasiones descuidan la creación de los cuadros escénicos que suelen acompañar la dirección del maestro. Hay algo en la voz de los actores y la dirección que aún no termina de generar un discurso unificado, quizá ese sea el propósito.

Madre Coraje y sus hijos no busca la catarsis del espectador ya que desde su concepción no fue hecha para eso, pero sí para demostrar los estragos de la guerra en los más pobres. Un clásico que no se debe perder por su estructura dramática, por su dirección y porque los montajes del maestro Tavira son siempre la base del teatro mexicano.

La exequia de doña Pompa: traer a los muertos a la vida

Por Viridiana Nárud

 

Traer a los muertos a la vida, hablar con ellos y solucionar los problemas es un deseo que a muchos mueve. Este es el deseo de Doña Pompa, traer a su difunto esposo para hablar con él a través de una exequia (ceremonia fúnebre). La dirección de Isael Almanza nos muestra un triller con tintes de humor. La música que pone al inicio nos recuerda a la utilizada en la película del Bebé de Rosemary, un acierto para la creación de la atmósfera.

La actuación de Erandeni Durango se muestra exagerada y el llanto forzado si sumamos a esto que el inicio de la obra es un tanto explicativo y uno puede llegar a perderse. Empero, la cosa da un giro bastante interesante al aparecer en escena el actor Miguel Narro, quien no sólo comprende el texto sino también lo habita, llevando de la mano a su compañera a un lugar en donde la ficción logra un acto de veracidad.

La dramaturgia de Alan Escalona es interesante, genera momentos de reflexión que apuntan a una poética que no logra del todo salir, sin embargo, hay atisbos de lo que su voz puede ser en un futuro. La obra mantiene al público atento a pesar del calor de la sala; las risas y el asombro caen en el momento que deben caer.

La exequia de doña Pompa es una obra que divierte e intriga. Muchos, en el transcurso de nuestra vida, hemos querido hablar con nuestros “difuntos” exes para rendir cuentas y entender el vacío que nos han dejado. Los viejos amores toman formas de fantasmas y Doña Pompa nos libera de esa angustia de no haber dicho lo que se tenía que decir. Si quieres ir al teatro y no arrepentirte, esta obra es una gran opción.

Que arda Tebas: Criticar el sistema dentro del sistema

Por Viridiana Nàrud

Criticar el sistema dentro del sistema puede ser un acto de rebelión. La crítica exige no sólo un acto de reflexión que mire al otro, sino también un mirar hacia adentro, es decir, es necesario, por no decir vital, que sea autocrítica, de lo contrario podría estarse cayendo en un acto de omisión.

¡Qué arda Tebas! habla de un joven director que pretende criticar al sistema dentro del sistema, esperan a un alto funcionario del gobierno para demostrar su punto de vista político. Conforme la obra se desarrolla, el director y joven promesa, demuestra su estupidez y cómo su falso talento es vendido y aplaudido por funcionarios. Si bien es cierto que la dramaturgia de Américo del Río tiene momentos de reflexión interesantes que ponen el dedo en la llaga dentro del sistema del teatro mexicano y cómo favorece a sus predilectos, se aleja del punto para hablar de todo y nada.

Dentro de la estructura dramática del texto las grandes cosas pasan fuera del escenario, como el monólogo de Edipo Rey, como las ráfagas de fuego dentro del escenario, el absurdo de todo lo que sucede y cómo enarderse al público. Sin embargo, la controversia es sólo narrada jamás vista ni sentida dentro de la obra que se nos presenta. La dirección de Juan José Tagle recrea a la perfección ese mundo criticado cayendo en aquello que critica.

¡Qué arda Tebas! es una obra cuya dramaturgia y dirección necesita ver más allá de lo local, necesita dejar de ver lo particular. Los actores ponen el alma en el escenario, ellos son el motor de la historia y quienes permitan que mantenga cierto sentido. Teatro del absurdo no es un teatro irracional e incoherente, por lo contrario, tiene bases profundas en el pensamiento crítico y razonable, abre las entrañas de la realidad por medio de una falsa apariencia ya que la verdad no puede ser desnuda de manera obvia, se necesita desarrollar el oficio de escritor y observador del mundo para mostrarlo con simpatía.

 

Foto: Centro Cultural Helénico