UN AUTO DE FE AMOROSO

Por Fredo Godínez

 

“Llevamos en la sangre, en el alma y en la mente, lo que hemos sido. Nunca dejaremos de ser, nuestras madres (padres), nuestras abuelas (abuelos). Pero siempre será nuestra elección lo que seamos.”

Carolina Estada.

Mucho se ha discutido sobre si el director debe pensar en el espectador al momento de ir armando el rompecabezas que unirá en un solo cuadro al dramaturgo, a los actores y al director. Los desencuentros en este tema son frecuentes.

 

El debate tiene dos polos, pienso: la obra debe ir en busca del espectador o el espectador en busca de la obra.

 

Desde mi perspectiva, una buena obra de Teatro es aquella que logra conectar con el espectador sin hacer a un lado las búsquedas estéticas o discursivas del dramaturgo o del director. Y por otro lado, lo peor que puede pasarle a todos es que el espectador salga de una obra de Teatro de la misma forma en que se entra: sin nada.

 

Mis conocimientos del Teatro son los de un simple espectador que va por los foros en busca de obras, de historias que me cubran los huecos que me dejan la Novela, el Cuento o la Poesía.

 

“Los minutos se vierten” no sólo me cubrió mis huecos, mis ausencias sentimentales; si no que me abrió tales y me recordó que a pesar de esas ausencias sigo en pie, sigo vivo.

 

A través de la Danza y el Teatro, un colectivo de actores se plantan en el escenario para contarnos sus historias familiares, más precisamente sus recuerdos más hondos y alegres que tienen y conservan sobre sus abuelas. La sinceridad de cada actor en el escenario es asombrosa; aquí la ficción es la gran ausente y cede espacio a la entraña, al sentimiento más puro. El teatro, pues, como una auténtica catarsis y el espectador como el gran receptor, quien también tendrá su oportunidad de abrir sus entrañas y ponerse al mismo nivel del actor. Es un círculo sentimental que se abre con el actor en escenario y logra cerrarse cuando el espectador se reconoce y da voz a sus sentimientos y recuerdos.

 

“Los minutos se vierten” es un homenaje a las abuelas por sus enseñanzas, sus cuidados y también es un reclamo, una reconciliación y un perdón; un auto de fe.

 

“Los minutos se vierten” es una obra que viene a recordarnos que uno es lo que es gracias y a pesar de nuestros abuelos, nuestros padres y nosotros mismos.

 

“Los minutos se vierten” como un homenaje al tiempo perdido y una invitación a atesorar cada recuerdo, pues son gasolina para sobrevivir a los tiempos difíciles.

 

“Los minutos se vierten” es una obra realizada por la parte personal e íntima de los actores, y que busca conectar con los sentimientos más profundos del espectador. Una obra que sirve para formar públicos teatrales, y que debe y puede ser vista por toda la familia.

 

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“Los minutos se vierten”

Creación colectiva basada en el texto homónimo de: Carolina Estrada.

Dirección: Adrián Asdrúbal Galindo Vega.

Reparto: Iván Caldera Álvarez, Gabriela del Río, Marisol Paredes, Yollotl Manzur, Alejandra Díaz y Natalia Alanís.

Producción y Gestión: ONIRISMOS, A. C.

Teatro Sergio Magaña: Calle Sor Juana Inés de la Cruz, 114, Sta. María la Ribera, 06400, Ciudad de México.

Martes y miércoles 8:30 P.M., hasta el 26 de octubre.

PARA CELEBRAR LA VIDA

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

Un niño de apenas siete años, se enfrenta con una terrible experiencia: el comportamiento suicida de su madre. En esa búsqueda, quizá por entender(la), decide enumerar todas las cosas magníficas por las que vale la pena vivir, encabezando la lista con la deliciosa experiencia de saborear un helado.

“Every brilliant thing”, escrita por Duncan McMillan y Jonny Donahoe es un unipersonal que inició en 2013, en el Fringe Festival de Ludlow y de ahí, ha recorrido Reino Unido con gran aceptación entre el público.       En México, Pilar Ixquic Mata se encargó de adaptar y traducir el texto, para finalmente presentarlo como: “Puras cosas maravillosas”, obra bajo la dirección de Sebastián Sánchez Amunátegui y la actuación de Pablo Perroni.

El propósito del texto de McMillan y Donahoe es, evidentemente, la penetración emotiva en el público. A través de la historia de este personaje que va creciendo con su lista, busca transitar por diversos temas, pero hay uno que se distingue inmediatamente y el cuál deja petrificado al espectador: la toma de decisiones y la responsabilidad que esto conlleva. El montaje invita a participar a los espectadores (con ánimo) a construir juntos la ficción, recreando algunas escenas de trascendencia en la historia.

 

Pablo Perroni, genera con su actuación, un importante movimiento emotivo en su espectador. Nos regala generosamente la construcción de un personaje lleno de preguntas, incertidumbre y miedos. Su ejecución es, sin lugar a dudas, plausible y conmovedora. Esto bajo la dirección de Sánchez Amunátegui que logra un montaje ágil y entretenido; haciendo uso de la menor cantidad de recursos.

 

“Puras cosas maravillosas” logra que el público se sienta útil, que no sólo sea espectador, que forme parte, que contribuya con lo que ve y que tome una postura al respecto. Luego también, que la lección haga eco en cada una de esas mentes expectantes: encontrar siempre una razón para celebrar la vida.

 

“PURAS COSAS MARAVILLOSAS”

De: Duncan McMillan & Jonny Donahoe

Dirección: Sebastián Sánchez Amunátegui

Con: Pablo Perroni

¿Dónde se presenta?: Foro Lucerna (Lucerna 64, Col Juárez)

¿Qué días se presenta?: Miércoles 20:45 Hrs.

¿Cuánto cuesta?: General $250.-

 

oscar.fontana@distritoteatral.mx

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloa)

PROYECTO MORFEO es un espectáculo que fusiona danza, circo, la manipulación de objetos con el teatro de imagen que estrena el 23 de septiembre en el Espacio X del Centro Cultural de España en México a las 19:00 hrs. Nace a partir del interés de EX-áNIMA de realizar un espectáculo desde un proceso de investigación entre artistas de diferentes disciplinas escénicas, particularmente la danza, la manipulación de objetos, la acrobacia y el teatro de imagen.

 

La idea surge a partir de considerar los sueños como un gran misterio para el ser humano, a pesar de que pasamos un tercio de nuestra vida durmiendo, y 20% de este tiempo soñando y no sabemos casi nada de ellos. Dentro de esta temática decidieron explorar algunos temas, como los desordenes del sueño, las diferentes faces que componen el sueño y este aspecto místico del sueño que representa Morfeo, en el que los sueños se presentan como revelaciones de nuestra personalidad, de nuestros temores y de nuestra verdad. Una temática accesible para todos los que nos gustan las artes escénicas y que podrá transportarnos a escenarios fantásticos.

Beneficiado por el Fondo de Ayuda a las Artes Escénicas Iberoamericanas IBERESCENA, en el periodo 2015-2016, bajo el rubro de “Ayudas a Co producción de Espectáculos de Teatro y Danza iberoamericanos”, con la colaboración de México y Costa Rica,  Es un espectáculo que trata sobre unos personajes con dificultades para dormir bien, que se sumergen en lo profundo de sus sueños, pasando por las diferentes etapas (el adormecimiento, el sueño ligero, el sueño delta hasta la fase REM) para encontrar a Morfeo (el sueño mismo) y poder dormir plácidamente.

Si es la primera vez que exploras el teatro y al danza. Si te gusta pasar un rato entretenido y diferente con familia o amigos. Si busca algo para hacer con personas de diferentes edades… PROYECTO MORFEO quizá te entretenga, quizá sientas e interpretes libremente las imágenes que veas como sentirían aquellas imágenes o situaciones que se presentan en los sueños.

Como nos dijo la directora de PROYECTO MORFEO, Ana María Moreno,  “esperamos que el espectáculo les muestre que la magia esta en nuestra imaginación y lo que nosotros hagamos con ella y que el arte no se debe de “comprender” sino de sentir, que va más allá de las palabras, las nacionalidades o las técnicas.”

Disfruta cada día más de las artes escénicas.

 

DEJA LA MEDITACIÓN POR IR AL TEATRO

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)*

El primer evento que cambió mi vida lloré. El segundo, dejé de comer. El tercero guardé silencio y mentí. El cuarto no me escuché. Así, llega un día en que te recuperas, reconstruyes y reencuentras. Y esto es lo que me provocó dejar la meditación de los jueves por ir al teatro para ir a ver Satisfaction, escrita e interpretada por Carmen Zavaleta y dirigida por Ángel Luna.

 

“Esto no empezó hoy, empezó cuando dejé de vivir con mi cuerpo. Uno deja de vivir con su cuerpo y se congela.” Con esta frase nos recibe Sara, una mujer de 45 años que se siente satisfecha… casi siempre. Que a los 17 años encontró en la comida cómo llenar los huecos del cuerpo y los dolores del alma. Que por muchos años el silencio se volvió parte de su vida por un hecho que la cambió para siempre. Que nos habla de una mujer que se le complica el mundo desde pequeña… que nos habla de todo eso que no empezó hoy sino hace mucho tiempo.

 

Hace unos meses les contaba de “Puras cosas maravillosas” y porqué valió la pena cruzar la ciudad. Hoy les digo que con Satisfaction confirmo lo que hace que para mí valga la pena ir al teatro, lo que para mí significa buen teatro. ¿Por qué? Por que para mí el buen teatro es el que te habla, te resuena, te transforma, no te deja indiferente y te hace conversar. Porque el buen teatro es el que logra que tomes consciencia de una parte de la realidad, es el que te conmueve hasta las lágrimas (como una chica que al final abrazó a la actriz), es el que te deja sorprendido y con un “¿Oye tía, esto es real?” (como el sobrino de Sandra, que me invitó al teatro). El buen teatro, para mí, es el que disfrutas pero a la vez es una manera diferente de conversar y darte cuenta de algo.

 

¿Por qué vale la pena Satisfaction? Porque Carmen Zavaleta hace gestos que te llevan a reír e imaginar. La manera de hacernos ver lo que nos cuenta con su actuación, una silla de terciopelo rojo, una cartulina blanca, un plumón negro y el juego con el lenguaje es una clase de semiótica pura. Porque una cartulina comienza siendo dos senos y se va transformando en el primo, en el taxista… porque la iluminación nos hace olvidar que estamos en lo que alguna vez fue el refectorio del Teatro La Capilla. Porque Carmen Zavaleta se divierte actuando y se nota. Porque a todos nos ha pasado algo que nos ha cambiado la vida para hacernos crecer.

 

Disfruto el teatro cuando me provoca algo: reír, reflexionar, querer compartir, querer conversar. Disfruto el teatro cuando le entiendo, cuando siento que me comparte algo. Disfruto el teatro cuando me hace querer llegar a casa para escribir. Disfruto el teatro cuando logra encender en mí el entusiasmo para ser excelente en lo que hago y poder ayudar a productores y creadores a tener salas llenas. Gracias Carmen Zavaleta por mostrarme y recordarme por qué disfruto el teatro.

 

Date el tiempo de ver Satisfaction porque no habrá sido en vano.

 

*Diseñadora gráfica de profesión, mercadóloga por necesidad y experiencia. Curiosa, observadora y promotora por naturaleza.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

En DISTRITO TEATRAL creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Vamosalteatro para descubrir qué #valelapena ir a ver y conversar. Da click aquí si quieres conocer más de nosotros.

REÍR COMO ANTÍDOTO ANTE LAS VUELTAS DE TUERCA DE LA VIDA.

 

Fredo Godínez (@AlfiePingtajo)

El antecedente

 

Hacer Teatro en este país es una empresa complicada, difícil.

 

Tener una compañía teatral en México, sin subsidio Federal o Estatal, sin beca, se antoja imposible.

 

En el año 2012 y después de haber trabajado juntos en el corto “El beso” de Mark Harvey (obteniendo premios en FIC Monterrey y Wimbledon Short Film Festival); Ana González Bello y Roberto Cavazos decidieron unir sus esfuerzos para crear la compañía productora teatral: La Chinchilla. Su objetivo primordial es traer a México las puestas en escena que tanto les gustaron -mientras se encontraban estudiando- en Londres y en un futuro llevar el mejor Teatro de México a Londres.

 

Su primera producción fue “Pulmones” de Duncan MacMillan, dirigida por Alberto Lomnitz y actuada por ellos; posteriormente tanto en el 2014 como en el 2015 coprodujeron junto con Teatro Milán: “24 Hour Plays”.

 

 

No la vi venir

 

En la poca experiencia que llevo asistiendo al Teatro, estoy seguro que hay dos tipos de  puestas en escenas: las dirigidas para los teatreros (actores, dramaturgos y críticos) y en las que se piensa en el público en general. Pocas obras son concebidas para agradar al público; algunas fracasan en el intento y otras lo hacen con creces. “Pulmones” es de las pocas obras que, pienso, ha conectado con ambos mundos.

 

“No la vi venir” está conformada por cinco microhistorias: Mala fortuna, Príncipe azul, Tonos, Rentando y Sorpresa. Cinco puestas en escena que temáticamente no tienen –aparentemente- ningún vaso comunicante. Empero, en el detalle está la magia y ese acierto corresponde a la visión de la Compañía, pues las vueltas de tuerca que contienen las obras son el vaso comunicante: el no verla venir.

 

El fracaso amoroso, la soledad, la amistad, las relaciones con parejas actuales y exparejas, el presente y el pasado, y la superstición son algunos de los temas que nutren a las microhistorias para generar una comedia inteligente e hilarante.

 

Si la mejor forma para conformar una selección de fútbol es tener una columna vertebral donde los jugadores se conozcan entre sí en todos los aspectos, en una obra teatral como “No la vi venir” eso también es necesario y el equipo creativo, al parecer, lo logró. Actores que se ve –a leguas- se están divirtiendo en el escenario.

 

No me queda duda, La Chinchilla –nuevamente- produjo una puesta en escena de calidad para el espectador y no tardará en obtener aceptación en el mundo de la crítica teatral.

 

“No la vi venir”, creo, es una de las opciones que todo espectador puede tener para desconectarse de la rutina y encontrarse en alguna de las historias que, quizá, a través de la risa le ayudará a tomar a la ligera sus problemas y valorar cada suceso que nos va conformando.

 

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“No la vi venir”

Dramaturgia: Mark Harvey Levine.

Traducción y música original: Roberto Cavazos (excepto “Cita en la Juárez”- letra y música de María Penella Gómez).

Dirección: Héctor Berzunza y Roberto Cavazos.

Reparto: Adriana Montes de Oca, Ana González Bello, Antonio Alcántara, Héctor Berzunza, Lucía Gómez-Robledo, Maríajosé Brunet, Mará Penella Gómez. Roberto Cavazos y Santiago Zenteno.

Producción: La Chinchilla Mx.

Foro Lucerna: Lucerna 64, esquina con Milán, Col. Juárez CP 06600 Cd. De México.

Jueves 20:45 horas hasta 15 de septiembre.

UNA DIÁFANA REPRODUCCIÓN DE LA REALIDAD

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

Una mujer, brutalmente golpeada por su marido, comete homicidio en supuesta defensa propia. El caso es examinado por tres magistrados y una secretaria de sala, al interior del tribunal superior de justicia en la ciudad de México.

 

El texto del argentino Luis Agustoni, cobra especial relevancia por ser un retrato de nuestro sistema de justicia. La trama resulta por demás efectiva: privilegia el tempo, ritmo y avanza bien en intensidad. Agustoni construye hábilmente la ficción y confiere a la escena de un carácter bien definido que aterriza en un potente final. El desarrollo se vuelve un ágape que mantiene la atención del espectador donde debe estar. Es plausible también que, para la construcción de la dramaturgia, el autor se haya ocupado de hacer una investigación del tema, esto concede a la escena una flagrante verosimilitud.

 

La dirección de escena está a cargo de Angélica Aragón – a quien recordamos principalmente por sus trabajos en cine y televisión- sin embargo, es necesario mencionar que también posee una sólida experiencia en teatro. Siendo una activista social, Aragón se interesa por denunciar la violencia de género a partir del texto de Agustoni. A pesar de que esto último podría derivar en un montaje francamente feminista, logra contraponerse y fundamentar la anécdota como un problema general ávido de atención. El dominio del tono logra una escena en consonancia con la impecable dirección de actores.

 

El trabajo actoral es realmente laudable. Aunque pueda parecer muy diverso en técnica, al final confluye en la ficción y enriquece el desarrollo del drama de manera sinceramente disfrutable. La generosidad con la que cada actor construye el personaje deriva en un ensamble perfecto que favorece el conflicto y lo hace más interesante conforme se va desenvolviendo.

 

“La última palabra” es un montaje virtuoso. Un montaje que cuando finaliza deja en el espectador un sabor amargo y dulce. El extraño reconocimiento de la sensación que devela ante nosotros una terrible verdad: nuestro futuro puede estar manos de otros, otros que no están exentos de cometer un error de juicio.

 

LA ÚLTIMA PALABRA

Dramaturgia: Luis Agustoni

Dirección: Angélica Aragón

¿Quiénes actúan?: Roberto D’amico, Pablo Perroni, Adriana Llabrés y Víctor Huggo Martín.

¿En qué teatro?: Teatro Milán (Lucerna 64, Col. Juárez)

¿Qué días está?: Lunes 18.00 Y 20.30 hrs

¿Cuánto cuesta?: General $350.-

Hasta el 26 de septiembre

 

oscar.fontana@distritoteatral.mx

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

RENUNCIAR A SER QUIEN ERES

 Por Viridiana Nárud @viridianaeunice*

Escribir es crear un diálogo con los muertos que no quieren ser olvidados. La obra de Fausto de Johann Wolfgang von Goethe se comenzó a escribir en el año de 1806 y se terminó en 1832. Al leer la dedicatoria de Goethe se habla de “los días de juventud”, “imágenes de placenteros días”, “sombras amadas” … La obra, en general, es un canto a aquellas almas que el autor no desea olvidar, como el primer amor, la primera amistad y sobre todo a ese ente: Johann Georg Faust, figura mítica de la cultura alemana, quien fue acusado de charlatanería y abuso a menores. No sin antes ser adorado. Goethe, terminó de escribir la obra un año antes de su muerte.

Proyecto Fausto es una adaptación del dramaturgo chileno Rolando Jara y la dirección general es de Juan José Olavarrieta. Fausto, un hombre de mediana edad, se encuentra en crisis, no sólo económica sino también existencial. Se vende a una mujer mayor para poder sobrevivir. Aunque pone de pretexto su obra para cometer estos actos, no la termina. De igual modo, mantiene una relación con una menor. Su vida se encuentra llena de contrastes y contradicciones. Al igual que la obra original, Mefistófeles se le presenta a Fausto y lo tienta. Éste último acepta las condiciones del demonio para lograr el éxito.

La obra no sólo cuestiona sino muestra las precariedades económicas del artista. Porque en primer momento, cuando el individuo no ha vendido su alma, su cuerpo se encuentra confinado a habitar sólo dos espacios, el escritorio y el círculo de sus placeres y encuentros. Así que al sellar su pacto con Mefistófeles se ve librado y es capaz de habitar nuevos espacios. Todo gracias a que la sociedad lo ha aceptado, porque este ahora escribidor, renunció a ser un artista. Los artistas no sólo son testigos de su presente, son profetas. Al renunciar a su videncia, Fausto, renuncia a ser quien es.

La obra continúa siendo actual y crítica ante una sociedad que aplaude lo antinatural, como el deseo desmedido por el éxito, la fama y el poder, sin importar los daños que puedan dejar el alcanzarlos, ejemplo, dejar atrás la identidad del ser. Lo único que importa es el éxito por el éxito. Así vamos viendo a un Individuo que en una danza a la oscuridad (butoh) se va adentrando al inframundo.

La disposición del espacio en el Foro la Gruta permite que el espectador elija desde qué punto de vista desea ver la obra, sin embargo, la dirección escénica está trazada para ser vista a la italiana. Esto no permite al espectador aventurero, que haya elegido sentarse a los costados o la parte trasera, una mejor visibilidad.

La obra mezcla varios géneros, destacando el cabaret y el butoh. Estos dos componentes potencializan la obra ya que lo visual recae en lo primero y lo ritual en lo segundo. Es por ello necesario entender como espectador que el proyecto se encuentra marcado por los contrastes y rituales. Por ello que al inicio de la obra se le ofrece a algunos espectadores ajenjo. Del mismo modo vemos escenas en donde se ora en latín para más tarde invocar al demonio.

La atmósfera se encuentra enrarecida desde un inicio, vemos a un Individuo (Luis Ernesto Verdín) siendo consumido por sus alucinaciones. Las reflexiones de los diálogos son profundas y no tratan de imitar al primer Fausto. El diseño de vestuario logra crear a personajes fantasmagóricos llenos de contrastes de luz y sombra.

Proyecto Fausto es una obra en donde los componentes mágicos y la invocación a lo invisible, muertos, está todo el tiempo presente.  Fausto, se ha convertido en un referente para la sociedad moderna del hombre que vende su alma a cambio de juventud, éxito… Empero, el hombre moderno ha olvidado que la magia lo rodea todo el tiempo. Un hechizo que lo ha dejado sin alma, sin voluntad. Es justo que este proyecto libere esas fuerzas que someten al hombre y ahora por ser moderno se ha olvidado de ellas. Podremos creer o no, pero existen en los mitos y leyendas personajes que se repiten de manera mística y mágica. Dejemos que la oscuridad de ‘Proyecto Fausto’ revele al menos por una noche a estas sombras que desean tomar voz y ser escuchadas.

 

PROYECTO FAUSTO

Dramaturgia: Rolando Jara.
Dirección: Juan José Olavarrieta.
Elenco: Luis Ernesto Verdín, Marcela Valdivia, Meraqui Pradis, , Gutemberg Brito Patatiba, Verónica Contreras, Rondán Ramírez y Horacio Trujillo.
¿Dónde está? Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico (Av. Revolución 1500, Guadalupe Inn)
¿Qué días se presenta? Jueves 8:30 p.m.
¿Cuánto cuesta? $200
Fotografía: http://www.cultura.gob.mx/

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

En DISTRITO TEATRAL creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Vamosalteatro para descubrir qué #valelapena ir a ver y conversar. Da click aquí si quieres conocer más de nosotros.

LA GRAN PARADOJA
Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

Hace un par de años, Pilar Boliver decidió emprender un recorrido por la vida de algunas mujeres notables del siglo XX, para llevarlas a escena. Primero lo hizo con “Emma Goldman, la mujer más peligrosa” y ahora regresa para interpretar al público la turbulenta vida de uno de los personajes más influyentes de la moda: Coco Chanel.

La dramaturgia de Silvia Peláez, hace un elemental repaso por la vida de la diseñadora en su etapa final. Nos conduce a la intimidad de su habitación en el hotel Ritz (lugar donde vivió por casi tres décadas). Aunque la historia del personaje genera un inusitado interés por el espectador, es pertinente la observación: es un texto informativo, no dramático. Esto último, no significa que no sea interesante, pero el riesgo de volverse fatigoso está presente todo el tiempo. Es plausible la poesía en el texto, y es este, uno de los elementos más seductores en el montaje, sin embargo, en ocasiones esto no basta.

Un atractivo binomio, vuelca cantidad de gente cada lunes a la taquilla del teatro: Pilar Boliver – Coco Chanel. Una actriz por muchos admirada tropieza con un personaje colosal que la engulle por completo. El talento de Boliver está lejos de cualquier duda, pero el anquilosamiento la tiene cautiva. Recurre a los mismos recursos que domina con otros personajes, esto hace que no le sea posible ofrecer al público algo diferente, algo mucho más honesto. Y esto siempre nos remitirá a una serie de reflexiones acerca del ejercicio creativo en el actor, su capacidad intuitiva, de autoconocimiento y autocrítica.

El arte del actor debiera ser, olvidar lo aprehendido y enfrentarse al personaje cada función como un hecho fortuito, único e irrepetible, abandonarse en el camerino para ser alguien más. Para captar la esencia de un personaje de la dimensión de Chanel, no basta con vestir su tweed ribeteado, hace falta ser ella enteramente. Resulta paradójico que la actriz se niegue a reinventarse, cuando el interés del personaje (que está interpretando) es precisamente ése.

COCO, MADMOISELLE GABRIELLE
Autora y directora: Silvia Peláez
Con: Pilar Boliver
¿Dónde está?: Teatro La capilla (Madrid 13, Coyoacán)
¿Qué días se presenta?: Lunes 20:00 Hrs.
¿Cuánto cuesta?: $250

 

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

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El individuo ha luchado siempre para no ser absorbido por la tribu. Si lo intentas, a menudo estarás solo, y a veces asustado. Pero ningún precio es demasiado alto por el privilegio de ser uno mismo.
Frederich Nietzsche

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)*

David Gaitán ha dejado de ser una joven promesa para ser un autor con un discurso propio, el cual siempre apela al intelecto. La fuerza de su obra radica en el racionamiento de palabras y no en la emoción. Por ello requiere de un público atento que guste de la sofisticación intelectual.

“Dios o no ser” es una obra que habla de una mujer que ha visto a Dios en persona. Después de su encuentro llega transformada. No de una forma mística, por el contrario, se convierte en una disidente. Niega su naturaleza de profeta y para escarpar de su designio se esconde de dios en las sociedades más lejanas de su vista, es decir, de los más necesitados. Después de un tiempo Dios se la encuentra y comienza a ser milagros para que las personas hablen de ella y de su propia existencia.

El discurso apela tanto a la razón que en ocasiones se vuelve un tanto maniqueo y discursivo. Hablar de Dios siempre será un tema, si no polémico, por lo menos sí muy debatible. Ya que existen distintas filosofías y doctrinas que apoyan o desmiente el mito. En esta obra el discurso no deja de tener tendencias judeocristeanas.

Nos enfrentamos a un Dios que se nos describe en el Antiguo testamento lleno de furia y vengativo. También se encuentra ese Dios benévolo que perdona a su profeta a pesar de que ella lo ha negado más de tres veces. Sin embargo, no dejo de pensar en los cristianos primitivos que no encontraban la salvación a través de la fe, sino de la gnosis o conocimiento introspectivo de lo divino. Poner en conflicto todo este tipo de doctrina en el discurso habría sido mucha más rico ya que pondrían en duda las creencias de una sociedad acerca de Dios, además de generar una tensión dramática.

Dudar siempre nos mantiene en un vilo de la desesperanza y la muerte. Creer, nos mantiene vivos. Como les sucede a los personajes principales. Existe alguien que cree en ella y no permite que muera. Dios, se aferra a ella quien a pesar de su negación lo ha visto y no puede negar su existencia. La lucha interna del conocimiento propio siempre genera más conflicto que abordar el tema desde el exterior y tomar una postura. Un dios que tiene conocimiento de su propia existencia y mortandad suena interesante si se ponen en duda las propias creencias de Dios acerca de su existencia. Pero en esta obra se nos presenta a un dios omnipresente que no duda de sí mismo. Así como los personajes, nunca dudan, siempre son los mismos.

La dirección de Martín Acosta se encuentra llena de fórmulas que, quienes hemos visto su trabajo, conocemos. Como presentar cuerpos desnudos o semidesnudos en escena, la plasticidad que trata de crear en sus cuadros ya desgastados, coreografías que intentan marcar un ritmo dentro de la obra. Un director que apela a la locura y a la imaginación, ha dejado atrás estos componentes para generar un exceso de teatralidad que alcanza lo falso. Por ello su discurso escénico se encuentra muerto.

Las actuaciones son de buen nivel. Sin embargo, en ocasiones vemos a actores carentes de presencia escénica y vitalidad. Así que al ser una obra en donde su fuerza radica en el discurso y actuaciones, cojea. A pesar de lo anterior, es necesario seguir el trabajo de Gaitán, ya que siempre es interesante, a pesar de que esta obra no sea la más atinada.

 

DIOS O NO SER
De: David Gaitán
Dirigida por: Martín Acosta.
Con: Domingo Cruz, David Gaitán, Carolina Rocha y Diana Sedano. Voz: Daniel Giménez Cacho
¿Dónde está?: Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico (Av. Revolución 1500, Col. Guadalupe Inn. Metro Barranca del Muerto o MB Altavista)
¿Qué días se presenta?: Miércoles a las 20:30 horas.
¿Hasta cuándo? Hasta el 2 de agosto
¿Cuánto cuesta?: $200.- cualquier localidad
¿Dónde compras boletos? En Ticketmaster
Foto: Pili Pala

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

En DISTRITO TEATRAL creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Vamosalteatro para descubrir qué #valelapena ir a ver y conversar. Da click aquí si quieres conocer más de nosotros.