ROMEO Y JULIETA

UN MAGO DE LA ESCENA Y UN HERMOSO TEXTO

Por Viridiana Nárud (@viridianeunice)*

Poco a poco las estructuras dramáticas pierden fuerza desde su dramaturgia, son los cambios sociales los que afectan la historia y la forma de ser narrada. Así que, el extravío del entendimiento y la crisis espiritual anunciada en el arte y las ciencias por Rousseau, en 1760, ha ido dejando víctimas en donde la sinrazón y el antiarte cobran paso. Por ello, para mí, es un milagro encontrar piezas dramáticas que sean bien entendidas y puedan ser bien interpretadas a pesar de ser clásicos de la literatura y del teatro mundial.

No utilizaré más palabras para halagar al genio del teatro que es William Shakespeare porque todos conocemos su grandeza. Pero sí puedo decir, que muchas de las adaptaciones y puestas en escena que he visto de este autor en nuestro país pocas veces llegan a ser bien interpretadas. Como espectadora, conozco el trabajo de Mauricio García Lozano desde hace muchos años atrás y, puedo confesar que no deja de sorprenderme la manera en que articula la puesta en escena y, como actor, su capacidad interpretativa, todo esto gracias a su gran imaginación.

Ya antes he dicho que este director es para mí un mago de la escena, sin embargo, en esta ocasión me pareció que hubo un exceso de elementos acumulados en escena que distraen la verdadera trama de la obra y nos alejan de su belleza. Por ejemplo, el espíritu o hado que se apodera de Romeo, que en mí entendimiento y la forma en como juega en la escena, es el espíritu de la Fortuna, sube y baja conforme los matices de la obra lo van necesitando; sin embargo, uno se distrae en ella bastante tiempo para entender su verdadero poder en escena. También el vestuario que intenta ser anacrónico nos extravía en ocasiones ya que pareciera que todo el tiempo se encuentran en calzoncillos sin importar que sea el gran baile en donde Julieta y Romeo se encuentran. O el beso en la noche de bodas de Romeo y Julieta, los actores se encuentran más preocupados por interpretar la coreografía que sentir ese deseo que haga partícipe al espectador de ese gran amor. Fue un beso frío.

Los tres primeros actos mantienen ritmo y mantienen atentos al espectador, los siguientes se vuelven aburridos. La interpretación de Cassandra Cianguerotti es sosa y aburrida, no parece una adolescente embriagada y consumida por una pasión; por el contrario, pareciera una mujer adulta intentando lucir más joven. El intento es lo que distrae. Cuando pienso en los textos de Julieta, de la poesía, de la vehemencia, de la Locura y el Luto que han tocado a su puerta y corazón, no puedo imaginar a una Julieta tan poco afectada por el torrente de una destrucción ya anunciada por los hados. Romeo, en manos Adrián Ladrón se vuelve más real, menos ideal.

Pienso que Romeo y Julieta es el ideal de un amor trágico, que muchos hemos vivido o deseamos vivir, incluso con la muerte. Porque una gran pasión siempre nos lleva a un fin y a la extinción de nosotros mismos. Las palabras Shakespeare siempre serán vigentes, no importa los años. Lo que no son vigentes son las interpretaciones de algunos actores. Es urgente una Julieta capaz de interpretar las palabras y las tesituras emocionales de esta adolescente que se enfrenta por primera vez al amor después de una autorepresión y autocensura de ese sentimiento. Que nos transmita ese fuego que la consume y ver la perdida de la inocencia que es tan dolorosa para la vida de todo ser humano. Por ello el crimen, el suicidio… si no vemos esto en la vida del personaje, se pierde mucho de la obra y como espectadores nos enfrentamos al aburrimiento ante uno de los textos más hermosos de la historia del teatro.

ROMEO Y JULIETA
De William Shakespeare
Traducción: Alfredo Michel Modenessi
Adaptación: Mauricio García Lozano y Paola Arriaga
Dirección: Mauricio García Lozano
Con: Haydeé Boetto: Nana / Cassandra Ciangherotti: Julieta / Ernesto Coronel: Teobaldo / Quetzalli Cortés: Príncipe de Verona / Pablo Chemor: Pedro / Emma Dib: Señora Capuleto / Mar Ferrer: Bailarina / Daniel Haddad: Benvolio / Diego Jáuregui: Fray Lorenzo / Adrián Ladrón: Romeo / Leonardo Ortizgris: Mercucio / Julián Segura: Conde Paris
Horarios: Viernes · 20:30 h, sábados · 17:00 y 20:00 h, domingos · 18:00 h
Boletos: Desde $440 hasta $176. Boletos en Ticketmaster.
Dónde: Teatro Helénico (Av. Revolución 1500, Guadalupe Inn)

* Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

** En DISTRITO TEATRAL creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Vamosalteatro para descubrir qué #valelapena ir a ver y conversar. También, trabajamos con productores y directores de artes escéncias cuyo reto más importante es que la gente se entere de su puesta en escena y llegar a más audiencia. Los damos a conocer a nuestra comunidad de espectadores de más de 25,000 seguidores. También, investigamos y diseñamos estrategias de comunicación que muestren su valor a las personas indicadas. Da click aquí si quieres conocer más de nosotros.

AMOR EN LA OBRERA

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice
UNA OBRA ENTRETENIDA

“AMOR EN LA OBRERA” es una obra cabaret en donde el melodrama televisivo es su principal víctima. Los personajes son esbozos de una caricatura que aún se encuentra por terminar. Tenemos a una madre castradora que se avergüenza de su hijo, quien quiere ser mujer, y dueña de una vecindad a la cual llama “La Hacienda”; se encuentra la chismosa aspiracional del barrio y a la metiche simpática, además de los santos milagrosos que acompañan a la cultura mexicana; no podía faltar el borracho banquetero que todo lo sabe y se convierte en el trovador de la historia. Los chistes, muchas veces se vuelven locales y temporales. Como el tema de Rubí y sus XV años, ahora que ha pasado el tiempo, la gracia de su caso puede evanecerse si no se recuerda.

“AMOR EN LA OBRERA” es el resultado de un taller que dirigió el actor y cantante César Enriquez, en el cual se desarrolló esta idea. Es necesario profundizar más en las temáticas abordadas para que la comedia no sea sólo local y todos aquellos que no vivimos en la colonia Juárez, Obrera o Condesa, podamos entender más las bromas e involucrarnos.

La imaginación de los actores en esta producción es elemento clave así como la química entre ellos. Además, tienen la agilidad mental para tomar cualquier escena e improvisar. En algún momento, uno de los personajes interactúa con el público haciéndonos sentir una comedia más viva. “AMOR EN LA OBRERA” es una obra entretenida dirigida para a un público que quiere pasar un buen rato.

AMOR EN LA OBRERA
Dirección: César Enríquez.
Elenco: Ariel de la Torre, Yanin Arroyo, Luis Montalvo, Adolfo Sánchez, Aderith Martínez, Erick Reyes y Eduardo Pueblo.
Lunes 20:45 horas. Foro Shakespeare Zamora #7, Condesa.
Entrada general $200. Mayores de 15 años.
Foto: Capital Siete

PURAS COSAS MARAVILLOSAS

LAS COSAS QUE HACEN QUE VALGA LA PENA VIVIR

Por Johana Trujillo* (@jOtrujilloA)

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Estaba decidida a ir al teatro por dos razones: directamente Pablo Perroni nos había invitado desde el Twitter de Distrito Teatral, tras varios intentos de que le diéramos respuesta; y la segunda razón, quería ir a ver la obra porque desde “La Anarquista” no había vuelto a ese teatro.

Ustedes, estimados lectores, no están para saberlo pero yo sí para compartírselos: ya van varías obras en las que me quedo dormida. En este momento puedo recordar seis, pero seguro han sido más. Ya son tantas que me pregunto sin soy yo o son las obras. Sin embargo, el pasado 10 de mayo eso no me pasó. “Puras cosas maravillosas” de Duncan Macmillan y Jonny Donahoe, dirigida por Sebastián Sánchez Amunátegui e interpretada por Pablo Perroni (y el público que acepte improvisar), no sólo han mantenido mi atención la hora y cacho que dura la obra, sino que han logrado que mi novio y yo mantengamos una conversación sobre lo que vimos por más de una hora. (Las otras ocasiones sólo hemos hablado los 15 minutos que le siguen a la salida del teatro).

La historia es simple: a sus siete años, su mamá está en el hospital. Su papá dice que la razón por la que ella está ahí es porque hizo algo estúpido. A ella le cuesta trabajo ser feliz. Entonces, ese niño empieza a hacer una lista de todas las cosas maravillosas que hay en el mundo, todo por lo que vale la pena vivir. La deja sobre la almohada de su madre y sabe que la leyó porque le corrigió la ortografía. Y poco a poco vamos descubriendo quién es él y lo que le está pasando.

Se preguntarán qué tiene de maravillosa la puesta en escena de un texto co-escrito por un comediante y un escritor británicos. Varias cosas: no es un monólogo como los de siempre, es un divertido monólogo sobre la depresión. La manera en que habla de un tema así vale la pena ser disfrutado. Pablo Perroni entra y sale de personaje para pedir a algunos espectadores que le ayuden a interpretar al veterinario al que llevó a su perro cuando tenía 7 años, a su padre, a la psicóloga de su escuela y a su futura esposa. Eso hace cada función única —Por ejemplo, a la que fui, la actriz Concepción Márquez fue la psicóloga del colegio.— También, los elementos de utilería son distintos cada función porque depende de quién asista a la función y lo que el actor elija en ese momento. Reír será fácil. Todo eso hizo que valiera la pena cruzar la ciudad.

“Puras cosas maravillosas” me ha recordado que las cosas más sencillas como un helado, bailar, cuando alguien realmente lee los libros que le das, hasta las percusiones en determinada canción son las que hacen una diferencia en tu vida, entre otras diez mil cosas más que tendrán que ir a descubrir.

Les recomiendo que vayan no sólo porque pasé un buen rato sino porque la garantía está en el teatro lleno que vi en una temporada que inició en febrero. (mayo 2016)

* Diseñadora gráfica, egresada en 2007, con experiencia en difusión teatral. De 2009 a 2011 fue responsable de la difusión de las actividades de la Compañía Los Endebles A.C. y el Teatro La Capilla. De manera independiente ha realizado la comunicación y prensa de más de 15 puestas en escena. En junio-octubre 2012 fue asistente de difusión en La Matatena A.C. para el 17º Festival Internacional de Cine para Niños. En 2012 fundó Distrito Teatral.

NOCHE DE REYES

LA APROPIACIÓN DE UN SHAKESPEARE
Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

Las adaptaciones de los grandes genios siempre serán sometidas a grandes escrutinios. Porque, si algo es cierto, la etiqueta de “clásico” se debe a su capacidad de sobrevivir al tiempo ya que hablan de las emociones y pasiones humanas con maestría. Parte de su atemporalidad, pareciera, son claves de su éxito. Por lo tanto, autores como William Shakespeare, han concentrado universos en donde los mortales pretenden transitar extrayendo de su obra fragmentos que les sirven como pretexto para comunicar lo que el nuevo autor desea.

“Noche de reyes” habla de Viola y Sebastián dos hermanos gemelos que naufragan en la costa de Irilia, ambos, respectivamente, creen que su consanguíneo ha muerto. Viola al enamorarse del conde Orsino y saber que no tiene oportunidad en su corazón se hace pasa por hombre para ayudar a su confidente en la conquista de la hermosa Olivia, quien a jurado nunca casarse. Olivia al conocer a Viola travestida, se enamora de, lo que ella cree, un hombre. En la casa de Olivia se enfrentarán al mayor enredo impulsado por Toby, tío de ésta, borracho y fiestero. A la llegada de Sebastián, todo se vuele más confuso, teniendo un final un tanto esperado.

Alonso Iñiguez hace una apropiación del texto un tanto injusta. La obra, descansa en la estética visual, tomando como pretexto el texto de William Shakespeare, provocando que el conflicto de la obra quede poco delineado en los primeros tres actos, ocasionando que el ritmo de la obra caiga después de un inicio musical fuerte en donde se nos hace creer que los travestidos, heteros, quimeras o payasos son libres de amar en la costa de Irilia. Lo cierto es que, al final, pareciera que se alteró el primer acto para justificar la estética visual de la obra en donde se juega un poco con los travestidos. Algo que era común en teatro isabelino.

Después, viene el arranque del verdadero conflicto de Shakespeare, la negativa de Olivia ante el duque Orsino y el naufragio de Viola quien se hace pasar por un joven para estar cerca de su amado, el duque. La comedia de enredos, cuestiona la identidad y la muerte, temas repetidos en las obras del escritor isabelino.

Alonso Iñiguez nos muestra una idea que se basa en un concepto estético; las actuaciones, en verdad, son de primer. No existe un solo actor arriba del escenario que no llame la atención por su capacidad interpretativa y musical. Todo, absolutamente todo, en la dirección de escena y actores se encuentra en su lugar. La debilidad, es la forma de enfrentar un texto de William Shakespeare que a pesar de los siglos se mantiene vigente.

NOCHES DE REYES
De: William Shakespeare
Dirección y adaptación: Alonso Iñiguez
Con: Carlos Aragón, Sofia Sisniega, Majo Pérez, Salvador Petrola, Pablo Chemor, Adriana Montes de Oca, Jacobo Lieberman, Pepe Ponce, Antonio Alcántara
Género: Comedia
Duración: 120 minutos
Boletos $350
¿Dónde se presenta? Foro Shakespeare (Zamora 7, condesa)
Viernes 8pm, sábado 6 y 8:30, domingo 6pm

ANTÍGONA EN EL FORO SHAKESPEARE

¿HASTA QUE PUNTO SE NOS PUEDEN ARREBATAR NUESTROS DERECHOS EN HONOR A LA JUSTICIA Y LA VOLUNTAD DEL GOBIERNO?

Antígona presenta el conflicto que existe entre las leyes naturales (Las de los dioses) y las legisladas por los hombres.

Cuando Creonte dictamina que Polinice no sea enterrado, le quita el carácter de hombre, negándole así los ritos fúnebres pertinentes lo que contradice las leyes de los Dioses en que los hombres necesitan tener sepultura. Al hacer esto Creonte plantea el peor castigo para los traidores y enemigos del estado, el ser despojados de su humanidad y los derechos que esto conlleva.

Mientras tanto, Antígona predica que las leyes naturales son primordiales y ninguna ley humana puede anteponerse a ellas por lo que su hermano si bien traidor es a su vez hombre y por ese simple motivo merece tener una sepultura.

¿DE QUÉ VA?

La revuelta de Polinices ha llegado a su fin con la muerte de ambos hermanos, Creonte ha reclamado el trono para si, ordenando a su vez que se le brinden los ritos fúnebres a Eteocles a quién trata cómo héroe, mientras que a Polinices ordena que lo dejen para los perros. Antígona desobedece el mandato y le da entierro a Polinices para honrar a los dioses, pero es descubierta y condenada a muerte. Poco después Tiresias el adivino llega ante Creonte para pedirle que le de sepultura a uno y libertad a la otra, Creonte cede por miedo a un destino funesto, pero es demasiado tarde, Antígona se ha quitado la vida y la siguen la mujer e hijo de Creonte, impulsados por la vergüenza e impotencia, acabando así la estirpe de los reyes de Tebas.

 

DIRECCIÓN Bruno Boludo
PRODUCCIÓN Coturno Producciones y Lab teatro.
ELENCO Ximena Larrañaga, Rodrigo Magaña, Carlos Tavera, Yam Acevedo, Mario Rendón, Nano Letho.
FUNCIONES
Sábados 8:15pm, del 25 de Marzo al 13 de mayo.
Precio general $220
Foro Shakespeare, Espacio Urgente 1, Zamora #7, Col. Condesa.

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DESPOJOS PARA UN LUNES

UN MONTAJE QUE DEBE SER VISTO
Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

Platón creía que los poetas y cuentacuentos debían ser exiliados de Atenas, ya que trabajaban con las ideas ocultas en las emociones, por ello representaban un peligro. Ya que la razón puede ser dominada, pero jamás una emoción. Un ejemplo claro, uno no puede elegir a quien amar. ¿Qué sucede cuando el arte despierta en el hombre el lado más oscuro? Eso es lo que hace Hugo A. Wirth.

La dramaturgia de Hugo A. Wirth, es de esas que causa miedo y atracción, y uno como espectador puede sentirse inquieto al ver lo que se ha revelado en su obra y el porqué nos ha gustado. Es un autor que ha demostrado congruencia en su quehacer dramaturgico, mostrándonos en cada obra personajes humanos, en donde la acción dramática se encuentra apoyada por el diálogo, mostrando en cada escena la decadencia humana. Es por ello, que el entendimiento de estos textos requiere un amplio criterio por parte del espectador y no censurarlo e inteligencia por parte del director. Ya que de ser mal entendidos pueden parecer un melodrama mal hecho.

En “Despojos para un lunes”, el director Hugo Fletcher ha entendido la propuesta estética de Wirth, la cual se encuentra más cercana a lo grotesco. Porque, si bien es cierto que Wirth retrata una realidad en donde los prejuicios de los hombres quedan al desnudo, el humor negro, siempre se encuentra presente. Cosa que ha resuelto en escena Fletcher a través del ritmo, buena dirección de actores y la escenografía, a pesar de las precariedades de producción. Incluso esta última se vuelve en una fortaleza. Personajes con vestuarios reales de un México pobre, en donde una playera de futbol no podría faltar.

“Despojos para un lunes” sigue la línea de Beckett en “Esperando a Godot”, existe un personaje por el cual se espera durante toda la obra, sin embargo, las realidades que desnuda Witrh son más oscuras. Como un pederasta que espía a todos los vecinos, una madre adicta que somete a su hija idiota a través de pastillas, una niña idiota que desea tener un hijo, un padre que tiene un oscuro secreto…

Interpretar los personajes de Wirth, no es cosa sencilla y se necesita temple para poder mostrar empatía por estos personajes vacíos y solitarios que han sido excluidos de la sociedad. Estos, se encuentra sumergidos en una gran tristeza ocasionada por la inconsciencia de la existencia, les duele existir y sentirse tan podridos del alma, sin negar, que también existe un goce.

“Despojos para un lunes” es un montaje que debe ser visto por su fuerza dramática y escénica. Todo se encuentra en equilibrio. El espectador, se halla al vilo de butaca y uno puede ver sus rostros de sorpresa, viven con los personajes. Algo que no sucede diariamente en los teatros. Un aplauso a todo el equipo que ha dejado, al menos en esta espectadora, una marca del horror de la miseria humana. Tocando, sin prejuicios, temas que pocos se atreven a enunciar.

DESPOJOS PARA UN LUNES
Dirección: Hugo Fletcher
Dramaturgia: Hugo A. Wirth
Reparto: Rodrigo Ojeda Carrillo, Yoshira Escárrega, Lizeth García, Florencia Elviera. Tessie Herrasti, Francisco Granados, Guillermo San Juan.
Dónde: Teatro La Capilla Madrid #13, Del Camermen Coyoacán..
Cuándo: Miércoles 8 pm. Hasta el 31 de mayo.

EL LÍQUIDO TÁCTIL

LO MÁS HUMANO DEL HOMBRE

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)*

“En el arte hay que partir de lo irracional para producir lo real.” André Breton

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En un mundo donde la realidad se encuentra fuera de la palabra, es difícil para un escritor mantener su oficio vivo y más cuando el uso del lenguaje en las artes y vida se encuentra casi extinto. Para que el lenguaje cobre vida y haga eco nuevamente en el hombre, debe alejarlo de todo artificio y retórica. ¿Cómo lograrlo en un espacio que se ha abierto a la máxima decadencia del habla a través de teorías posdramáticas? ¿Cómo mostrar la realidad humana en un arte que se encuentra invadido por el realismo o las fantasías?

“Líquido táctil” habla del reencuentro entre dos hermanos que fueron separados desde muy pequeños. Uno de ellos es un hombre poderoso que se ha casado con una bella actriz que tiene una fascinación un tanto extraña por los perros. Conforme la noche y las cervezas pasan, el ambiente se vuelve cada vez más hostil pues existe una necesidad de revelar un secreto que mantiene a la pareja en terapia y desquiciada.

Daniel Veronose nos muestra una comedia ácida fársica, en donde nos revela el vacío de la existencia humana y cómo genera necesidades artificiales para no sentirse tan solo, como las adicciones al tabaco o una extraña fascinación por los animales. Si bien es cierto que es un texto lleno de humor negro, un halo melancólico lo invade, como la muerte de Chéjov debido a los hermanos Lumiére.

La dirección de Boris Schoemann como siempre se encuentra fuera de artificios y es justa en su medida, nada sobra. Los actores entienden el complejo texto de Veronose comprendiendo el absurdo de la existencia de sus personajes, sin mostrarse ridículos, incluso Naomy Romo, que interpreta a una actriz desquiciada. La iluminación y sus cambios crean una atmósfera bizarra, irreal. Sin embargo, el vestuario se encuentra descuidado, las arrugas en éste no permiten que los personajes se muestren como lo que en realidad representen, a esa clase poderosa.

“Líquido táctil” es una obra divertida, inteligente que muestra lo más humano del hombre, la soledad, los celos, su deshumanización y lo absurdo de su existencia. Veronese lo hace con la maestría que sólo el oficio les otorga a los escritores con el tiempo. Necesaria en estos días en donde los animales se han convertido en extraños acompañantes y artífices del hombre, mostrando no sólo un vacío, sino un extraño y oscuro secreto.

 

EL LÍQUIDO TÁCTIL

Autor: Daniel Veronese
Dirección escénica: Boris Schoemann
Elenco: Naomy Romo, Jorge Chávez Caballero y Daniel Bretón.
Duración: 60 minutos.

Dónde: Teatro La Capilla. Madrid 13, Coyoacan.

Domingos 6 p.m. hasta el 18 de diciembre.

Entrada general $200.

 

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

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TRAINSPOTTING, LA VIDA EN EL ABISMO…

SEXO, DROGAS Y… ¡MIERDA!

Por Ariel Escalante (@YosoyAriel)

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Las anécdotas en torno a estos temas resaltan en el montaje teatral Trainspotting, la vida en el abismo, que dirige Gabriel Retes, basada en la novela de Irvine Welsh, a partir de la adaptación al teatro de Harry Gibson…

La obra, que reestrenó temporada el pasado viernes 4 de noviembre, retoma la historia de Marco, un joven adicto a la heroína, y su grupo de amigos, quienes viven el presente entre futbol, borracheras y drogas, y evitan tomar decisiones importantes para su futuro…

En la version teatral de Retes se respeta la historia de la novela, que fue conocida a nivel mundial cuando Danny Boyle la llevó a la pantalla grande, pero incluye diálogos y referencias nuevos que intentan acercarla a la realidad social y política del México actual.

El también cineasta considera importante que sean, principalmente, los jóvenes quienes se atrevan a ver la obra. “La intención del montaje surge de la necesidad por mostrar ese otro lado que poco conocemos de las drogas; no los narcotraficantes ni los grandes cargamentos confiscados que orgullosamente el gobierno presume en televisión sino el 80 por ciento que no logran recuperar y llega a manos del consumidor, el adicto, el enfermo”, menciona Retes.

Trainspotting fue adaptada al teatro antes que al cine y en México la estrenó por primera vez el propio Gabriel Retes en 1998. Esta nueva version fue vista por Irvine Welsh el año pasado en Guadalajara, en el marco de la Feria Internacional del Libro a la que fue invitado.

Si bien carece de las escenas brillantes que logró Danny Boyle con el lenguaje cinematográfico, la apuesta de este proyecto es conectar con el publico a través de las anécdotas que reflejan cómo se enfrenta una vida de adicciones, violencia y machismo y a través del trabajo de los actores que constantemente rompen la cuarta pared.

Trainspotting se presenta los viernes y sábados a las 6: 30 y 8:30 pm en el Teatro Rodolfo Usigli, en Coyoacán, hasta el próximo 31 de diciembre.

 

 

Trainspotting

Dramaturgia: Harry Gibson, a partir del original de Irvine Welsh

Dirección: Gabriel Retes

Elenco: Vicente Flores, Meritxell González, Raúl Andrade, Sofía Sojo

Viernes y sábados 18:30 y 20:30 horas

Teatro Rodolfo Usigli; Eleuterio Méndez 11, colonia San Mateo, delegación Coyoacán, Ciudad de México.

Entrada general $350. Estudiantes e INAPAM $250.

ALAIN KERRIOU: EL MAGO DE LA ESCENA

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)* Foto: PQ México

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En estos tiempos de guerra la historia calla, los periódicos mienten y en las redes sociales se generan movimientos políticos y sociales virtuales que, en su mayoría, fracasan. No es de sorprenderse que los hombres se sumerjan en el hastío de la soledad. Si bien es cierto que la soledad puede ser causante de grandes reflexiones, encuentros con la otredad… en la actualidad es asfixiante porque está vacía, manteniendo una falsa apariencia de estar acompañado por puntitos verdes del chat.

Cuando las ciudades necesitan expresarse, cada determinado tiempo, nacen una serie de individuos que expresan las pasiones de la humanidad a través del arte. No es casualidad que en esta época de sumo individualismo un hombre solitario trabaje en un oculto estudio de la ciudad de México, trate de dar vida a todo un concepto que ha sido olvidado durante siglos y, retome fuerza cada determinado tiempo. Hablo de Guilio Camillo y su “Teatro de la memoria”. Entender a Camillo y su teatro necesita de un arduo esfuerzo que lleva una vida de estudio y compromiso.

Sin embargo, no escribo para hablar de Guilio Camillo, un filósofo de cinquecento italiano que tuvo que manejar su obra con inteligencia y hermetismo para no ser quemado por la Santa Inquisición. Me encuentro aquí sentada para escribir de un hombre que trata de sobrevivir a la ignorancia e insensibilidad de las artes, que con su obra se ha convertido en un maestro mago de nuestra generación y, que es un artista multidisciplinario porque una sola expresión artística no le basta.

Alain Kerriou es el encargado de traer la idea cinetísmo al teatro y la danza. Ha trabajado durante años con la intervención de super 8, 16 y 35 mm, también ha intervenido sus piezas instalativas relacionadas con la escultura. Para entender un poco la mente de este creador debemos acercarnos a la idea del concepto del espacio ya que le permite la invención de unos nuevos, por esa razón la escenografía ha sido uno de sus máximos exponentes.

Hablar de Kerriou es invitar a la especulación filosófica de una obra y vida. Nadie puede decir que el proyecto “Do Not Play” que se estrenó en el Museo del Eco en el año 2014, en el que sólo hubieron aproximadamente sesenta espectadores, no existió. Nadie puede decir que esas piezas instalativas que intervienen el espacio y tiempo durante ensayos y su exhibición final no existieron. Actualmente, Kerriou trabaja en su “Proyecto Camillo” en donde sus obsesiones se concentran. Ha comenzado la creación de un nuevo espacio que durante un corto periodo verá la luz del día, para después ocultarse nuevamente en el recuerdo de los espectadores y en la mente del creador.

Alain Kerriou muestra sus obras como una extensión de él mismo, con un velo que nos permite vislumbrarlo de manera más clara. Kerriou, sin querer, ha generado un misticismo que lo envuelve junto a su obra. Estar a su lado, muchas veces, significa no comprender lo que ha dicho. Empero, tiene un imán que no te permite alejarte. Al final, al ver un poco de la obra de Alain, aunque no se comprenda del todo, uno se emociona y algo se modifica de manera interna. Para nosotros, espectadores, es un misterio el por qué, pero no para el creador. Una vez más Alain Kerriou modifica el espacio y tiempo interno del hombre para desaparecer.

 

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

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PULMONES

ABRIRLE LOS BRAZOS AL AMOR

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)*

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Disfruto del teatro que me hace reírme de mi misma. Disfruto del teatro con el que me identifico porque me deja pensando o al menos me muestra algo de mí que no me había detenido a conversar conmigo misma. Disfruto del teatro que me lleva a abrir conversaciones nuevas con las personas que están en mi vida. Por todo lo anterior disfruté de ir a ver PULMONES el jueves pasado. Después de un año de haberla visto en su temporada de estreno, me sigue haciendo reír y me sigue dejando preguntas a responder.

 

En PULMONES, una pareja joven está teniendo una conversación sobre si traer a un niño a este mundo o no. Eso es algo importante, porque ellos crecen y se hacen personas, porque dicen que si te importa el planeta lo ético sería no tener hijos… También, hay personas que no deberían tener hijos. Sin embargo, ¿qué pasa con nuestra capacidad para hablar de lo que necesitamos o de los temas que nos inquietan? ¿Y con nuestra capacidad para amar?

 

Estos personajes en sus veintitreintitantos sacan la risa de quienes los miran. Como en cualquier relación, viven dificultades y eventos que podrán a prueba su relación y el amor que sienten el uno por el otro porque enamorarse es fácil, amar no tanto. Su discusión o conversaciones como pareja es tan cotidiana que cualquier hombre o mujer se recordará en algún momento de su vida. Qué se acabará primero ¿el mundo o su relación?

 

El texto del inglés Duncan Macmillan explora la conversación sobre tener una familia a la vez que lo entrelaza con las preocupaciones sobre el planeta y el mundo. La propuesta de dirección de Alberto Lomnitz, uno de los directores más prolíficos en el teatro mexicano, deja en las actuaciones de Ana González Bello y Roberto Cavazos toda la responsabilidad de lograr meternos en la historia de esa pareja que conversa sus inquietudes y desarrolla su capacidad de amar a pesar de los miedos o dificultades que se tienen en el camino. Los únicos elementos en que se apoyan son la iluminación (también de Lomnitz) y dos bancos de plástico, el resto está en nuestra capacidad de imaginar y dejarnos llevar por las convenciones que nos plantean los actores.

 

Dime algo, ¿con quién compartes tus ansiedades? ¿A quién le agradeces que sea esa persona que te aguante cuando te pones sensible? ¿A quién amas y no se lo dices lo suficiente? ¿Con quién te reencontraste después de un tiempo y seguía siendo importante para ti? Vale la pena que vayas al Foro Lucerna, en la colonia Juárez, con esa persona porque se reirán, y quizás abran esa conversación pendiente.

 

 

PULMONES

Dramaturgia: Duncan Macmillan

Dirección e Iluminación: Alberto Lomnitz

¿En qué teatro? Foro Lucerna (Lucerna 64 col. Juarez)

¿Qué días está? Jueves 8:45 p.m.

¿Cuánto cuesta? $250

Hasta el 8 de diciembre

 

 

*Diseñadora gráfica de profesión, mercadóloga por necesidad y experiencia. Curiosa, observadora y promotora por naturaleza.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

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