SIEMPRE TE TIENES A TI MISMO
Por Johana Trujillo A.* (@jOtrujilloa)

El Foro de las Artes del Centro Nacional de las Artes ayer fue testigo de la representación número 50 de Valentina y la sombra del Diablo, escrita y dirigida por Verónica Maldonado. Lograr eso en el circuito independiente del teatro en México es ya motivo de fiesta. Los padrinos que develaron la placa fueron Ricardo Calderón Figueroa -el director del Cenart-, los directores Ignacio Escárcega y Mauricio Pimentel, y la promotora Mayté Morán.

Con 17 montajes nacionales y uno en Colombia, la propuesta escénica número 19 le corresponde a su dramaturga. Con pocos elementos de utilería, cambios de iluminación y el trabajo actoral de Tsayamhall Esquivel y Luis Mauricio Vázquez, conocemos a Valentina, una niña a la que le da miedo estar sola en su cuarto.

Estos dos actores construyen sobre el escenario los miedos de la pequeña Valentina con dos cajas, dos aros, dos pequeños títeres y otros pocos objetos más. Llevan al público al interior de su cuarto, donde se pone en juego la vida emocional de una niña que no sabe cómo enfrentar al Diablo que cada noche viene a jugar con ella. Un Diablo que le pide hacer lo que le dice aunque no le guste a ella.

Es de resaltar el texto de Verónica Maldonado, quien con su sensibilidad, muestra el interior de Valentina, que no se atreve a hablar del abuso sexual que sufre. Este punto de partida le permite a la también autora de obras como Tutoriales o la adaptación de Las Batallas en el desierto, exponer la dificultad que tienen los niños para hablar de sus miedos o confrontar la manipulación de adultos más miedosos que ellos. Indagar en la fortaleza interna de uno mismo para afrontar las dificultades de la vida.

Valentina, con ayuda de su abuelo, aprenderá a ser valiente, a hundir sus miedos, confiar en lo que siente y trazar nuevos caminos con las palabras, y sobretodo aprenderá que se tiene a sí misma.

No le pierdas la pista a Teatro al Límite. Valentina y la sombra del Diablo es una opción que todos los niños y niñas tienen que ver. No siempre se encuentran puestas en escena que hablen temas delicados de una manera tan metafórica e inteligente.

* Diseñadora gráfica con experiencia en difusión teatral. Desde 2009 adquirió el hábito de ver teatro, primero por trabajo, y después por el placer de ver a actores en vivo hacer historias realidad.

HIJOS DE NUESTRAS GUERRAS
Por Mireya Flores Marin* (@MireyaFloresM)

Dirigida por Iona Weissberg y Aline de la Cruz, “Madre Coraje y sus hijos” es una divertida y agridulce crítica a la sociedad, la economía y la política de nuestro pasado revolucionario, así como del presente. Adaptando la obra de Brecht se consigue que su postura antibélica resuene y nos lleve a reflexionar que somos descendientes de los intereses del poder, la sangre y el dolor.

La historia de una madre aguerrida que durante la Revolución Mexicana sortea combates -llevando su carreta llena de mercancías a la venta y obteniendo, de esta forma, el mayor provecho del conflicto-, sirve para mostrar una paradoja política que se materializa en el personaje de la protagonista.

Madre Coraje, en el afán de querer ganarse la vida para sus hijos, pierde a éstos, víctimas de las mismas circunstancias que supuestamente debían alimentarlos. Pese a ello, no hay temor más grande para esta mujer que lograr la paz, pues, en ese caso, de qué vivirían ella y los demás.

El teatro épico de Bertolt Brecht es llevado a escena bajo las disposiciones del teatro de revista -famoso en épocas revolucionarias-, donde música, danza y sketches, en tono satírico, enfrentan al público con la realidad, rompiendo por momentos la cuarta pared, para recordarle al espectador que lo que ve es teatro y no hay espacio para sentimentalismos; obligándolo así a tomar distancia, a entrar en diálogo.

Escenografía, iluminación, vestuario y musicalización se conjuntan de manera excepcional, para acompañar las buenas actuaciones del elenco. Participar como espectadora en el montaje de una obra dramática que respetas tanto, implicó llegar a la función con grandes expectativas.

Quedé complacida al presenciar una puesta que, lejos de ser solemne y glorificar el teatro épico de uno de los dramaturgos más importantes del siglo XX, transfiere este contestatario texto hacia la realidad mexicana, la del pasado revolucionario y la actual, porque es ahí, justamente, cuando el teatro tiene su razón de ser: cuando es capaz de dialogar con sus sociedades, en cualquier tono o género. En este caso, el resultado es loable y divertido.

MADRE CORAJE Y SUS HIJOS
Autor: Bertolt Brecht
Traducción: Juan Alberto Alejos
Dirección: Iona Weissberg y Aline de la Cruz
Actúan: Alejandra Ley / Rodrigo Murray / Joana Camacho / Artús Chávez / Alondra Hidalgo / Emmanuel Cortés / Alberto Carlos López / Eugenio Bartilotti / Lorena Martínez / Larissa Urbina / Omar Saavedra.
Música: Carlos Cuevas / Edgar Rou / Javier Sosa / Jorge Adrián Tlaxcaltéyac / Jorge García Montemayor.
Fotografía: http://www.teatro.unam.mx/
Horarios: Jueves, viernes y sábados 19:00 hrs. Domingos 18:00 hrs.
Teatro Juan Ruiz de Alarcón del Centro Cultural Universitario
Insurgentes Sur #3000, Coyoacán, Universidad Nacional Autónoma de México
Hasta el 07 de diciembre.

*Mireya Flores cuenta con un máster en Artes Escénicas (Universidad de Vigo, España); tiene un posgrado en Políticas y Gestión Cultural con especialidad en Producción y Difusión de Espectáculos Escénicos (OEI/ UAM); es licenciada en Ciencias de la Cultura (UCSJ). Además, tiene formación en danza y teatro.

CUANDO LA MUERTE ES INMINENTE

Escrito por: Perla Schwartz*

Rebeca es una abuela (Concepción Márquez, estupenda) quien vive con su inquieto nieto casi adolescente (Armando Durán, una revelación). Entre ambos subsiste una relación de amor, con un poco de odio. Son dos generaciones que buscan comprenderse, aunque no siempre lo logran del todo.

Estos son los personajes de “Punto de cruz”, obra del dramaturgo oaxaqueño Francisco Reyes, dirigida como de costumbre, con mucho sentido teatral, por Hugo Arrevillaga, quien lleva poco más de quince años como director.

Un cubo de madera es donde se desplaza la acción, en esta historia narrada en tres capítulos y donde el suéter azul que teje la abuela será el legado para su chiquitín. Ambos dialogan, pero, como es natural, cuentan con visiones contrapunteadas de la vida: sus sentimientos son encontrados y en sus palabras se translucen nexos familiares, la herencia y el cómo la memoria deja huellas indelebles en el alma.

“Punto de cruz” transcurre a un buen ritmo y es un gusto ver en el escenario a una actriz experimentada con un actor novel. Ambos hacen uso de un buen lenguaje corporal y la muerte es una sombra constante en este montaje con tintes de melancolía. La abuela presiente que va a fallecer; el nieto no termina de comprender este suceso inminente, debido a que ella, a pesar de su tiranía, es su protectora desde muy pequeño.

PUNTO DE CRUZ
Dramaturgia: Francisco Reyes
Dirección: Hugo Arrevillaga
Teatro Benito Juárez
Villalongín 15, Cuauhtémoc
Martes y miércoles 20:00 horas
Hasta el 29 de octubre

*Es egresada de la licenciatura en periodismo de la Escuela Carlos Septién García. Desde hace 3 décadas ejerce el periodismo cultural, en diversos periódicos, revistas, radio y sites web. Es autora de más de 10 libros. Sus poemas han sido traducidos al inglés y al hebreo y antologados en varios libros. Asimismo hizo versiones de poemas de Emily Dickinson para la editorial Letras Vivas en el 2002. Ha sido y es docente de literatura y apreciación de cine. Desde hace más de una década  se dedica a la crítica e investigación de cine.

EL MELODRAMA SIEMPRE FUNCIONA
Escrito por: Pablo Iván García (@garciapabloivan)*

Esta obra plantea, desde el principio, emociones encontradas. Antes de la tercera llamada, fragmentos de piezas musicales nos hacen recordar los momentos más álgidos de algún melodrama de media tarde en televisión. El título no es vago: sugiere la idea de personajes desprovistos, indefensos. Y así resulta.

“Huérfanos”, escrita en 1983 por el autor norteamericano Lyle Kessler, dirigida en su versión mexicana por el experimentado actor Hernán Mendoza, es un melodrama que hace mella en la conciencia del público, debido al manejo de las emociones respecto a sus protagonistas: Tomás (Mauricio Argüelles) y Felipe (César Rodríguez), dos hermanos que han vivido sin sus padres desde que tienen memoria, conocen por casualidad a Héctor (Hernán Mendoza), un extraño visitante.

Argüelles y Rodríguez, actores jóvenes con recursos limitados, aprenden en el escenario de un intérprete que los aventaja en edad y talento. De forma generosa, Mendoza representa en esta fábula a un personaje igualmente altruista que llega a la vida de los muchachos, para intentar transformar sus precarias condiciones de existencia.

La escenografía hiperrealista reproduce la casa donde Tomás y Felipe han vivido desde su infancia, con la ausencia total de sus progenitores y alejados -cada vez más- de la sociedad: Tomás roba transeúntes para subsistir y Felipe es un joven aniñado, de carácter casi caricaturesco, que vive sobreprotegido por su hermano mayor.

Luego de los primeros minutos aparece en escena Héctor, el único personaje complejo de la obra: un hombre bonachón y carismático, con un pasado tormentoso, que hace una visita aparentemente circunstancial a la casa.

Los diálogos escritos por Kessler resultan mucho más logrados en voz de Héctor; cuando son los huérfanos quienes hablan, su discurso resulta frívolo; a pesar de su carácter unidimensional, los protagonistas -a medio camino entre la adolescencia y la madurez- son quienes deberán aprender una lección en esta historia.

Las escenas son sencillas en cuanto a eventos dramáticos; la acción avanza lentamente durante la primera mitad de la obra, hasta el intermedio, cuando sobreviene el primer giro dramático. El público disfrutará ver a Felipe y Tomás irse transformando poco a poco: algunos espectadores no podrán incluso contener las lágrimas: el melodrama siempre funciona. Aun sin un discurso ideológico demasiado profundo, “Huérfanos” resulta un montaje digno de ver.

HUÉRFANOS
Dramaturgia: Lyle Kessler
Dirección: Hernán Mendoza
Con: Hernán Mendoza, Mauricio Argüelles y César Rodríguez
Teatro Milán
Lucerna 64, Col. Juárez
Viernes 20:30 hrs, sábados 18:00 hrs y 20:00 hrs; domingos 19:00 hrs
Del 3 al 18 de octubre 2014

* Dramaturgo.

Porque sólo el baile puede darle sentido a la vida

Artemisa Téllez*

Veracruz. Plena noche de carnaval. Sábado solitario en casa de la maquilladora. Maquillará reinas emplumadas y bailarines de samba -podría pensarse-, pero no, maquilla cadáveres.

Esa noche sólo hay uno, es de una joven hermosa. “Mira que morirte en pleno carnaval…” y le cuenta sus amores y sus cuitas, mientras maldice a todos los que afuera danzan. Todo parece normal en medio de la canícula veracruzana, hasta que la bella difunta se levanta…

Reina de carnaval, escrita por Édgar Muñiz y dirigida por Mireya Vega es una comedia de humor negro que nos inspira a mirar la vida con ojos nuevos. Una obra que nos ofrece más que risas fáciles, auténticas carcajadas catárticas y más de un espejo en el cual reflejarnos.

Con las excelentes actuaciones de Mariana Acosta y Sandra Ponce, Reina de carnaval es una moraleja para inmorales acerca de las cabronadas que la vida nos hace y, a veces, la muerte también…

Reina de carnaval
Foro Reyna Barrera
Espacio Universitario de Cultura Off Spring
(Francisco Pimentel 14, Col. San Rafael)
Última función: sábado 27 de septiembre, 19 hrs.
Adolescentes y adultos
$150. 30% de descuento a estudiantes, maestros e INAPAM

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

Sembrando mentiras que nos salven de la vida

Por: Mireya Flores Marín* (@MireyaFloresM)

En ocasiones, la muerte convoca no sólo a los seres queridos de aquél que ha fallecido, sino también a una serie de falsas verdades que han de mantenerse, para no manchar el honor de quien ya no está; al final, son los que se quedan quienes no pueden vivir con la verdad y tendrán que seguirse mintiendo a sí mismos. La historia de “Tom en la granja” representa de manera excepcional esta situación.

Tom (Pedro de Tavira Egurrola) es un joven homosexual que viaja desde la capital hacia la granja donde creció su recién fallecido amante, con la intención de asistir al funeral. Allí conoce a la madre de su novio, Agathe (Verónica Langer), y al hermano de éste, Francis (Leonardo Ortizgris).

El protagonista se ve obligado a ocultar sus auténticos sentimientos y presentarse únicamente como el gran amigo del fallecido. A partir de este planteamiento, la trama crece rodeada de mentiras y prejuicios sobre la homosexualidad. La intriga se construye de diversas formas, siempre con el objetivo de proteger a la madre, quien desconoce que su hijo era gay.

Tom se ve atrapado entre la manipulación sutil de Agathe y la violenta intimidación de Francis; pasa de ser un delicado citadino a un rústico campesino capaz de mancharse las manos con sangre.

Dramaturgia, dirección, actuación y una provechosa escenografía se conjugan de modo sobresaliente para recrear un universo de doble moral, entre juegos de abuso y sumisión, donde el dolor sabe a placer, el deseo es algo más que prohibido, la sensualidad es perversidad, y los limites son rebasados; todo esto hasta conducir a un estado de degradación a los personajes.

“Tom en la granja” es una gran puesta en escena, llena de suspenso y humor negro, que desconcierta y confronta al espectador, llevándolo hacia el lado más oscuro del ser humano: ahí donde cuesta reconocerse.

TOM EN LA GRANJA
Dramaturgia: Michel Marc Bouchard
Dirección: Boris Schoemann
Elenco: Verónica Langer, Pedro de Tavira Egurrola, Leonardo Ortizgris, Alaciel Molas
Escenografía: Jorge Ballina
Foro Lucerna
Lucerna 64, Col. Juárez
Viernes 20:45, sábados 19:00 y 21:30, domingos 18:00 hrs.
Hasta el 26 de octubre 2014

*Mireya Flores cuenta con un máster en Artes Escénicas (Universidad de Vigo, España); tiene un posgrado en Políticas y Gestión Cultural con especialidad en Producción y Difusión de Espectáculos Escénicos (OEI/ UAM); es licenciada en Ciencias de la Cultura (Universidad del Claustro de Sor Juana). Además, tiene formación en danza y teatro.

La utopía convertida en pesadilla
Artemisa Téllez* (@ArtemisaTellez)

En una época indefinida, en alguna alcantarilla de América Latina, vive una pareja de ancianos. Dicen ellos que son Jenny Von Westphalen y Karl Marx, aunque a ratos dudan y nos hacen dudar. No tienen contacto con el exterior, ensimismados y recluídos, sólo reciben de la superficie la basura que la gente tira y la amenaza de la aniquilación.

Yo soy Carlos Marx es una minuciosa revisión de las izquierdas latinoamericanas y su problemática; un doloroso acercamiento a la marginalidad y la miseria que aplastan a los pueblos en nombre de ideales en los que ya nadie cree.

Producida y protagonizada por Teresa Selma, esta obra original de Gennys Pérez le valió a su creadora el Premio Nacional de Creación Contemporánea y Dramaturgia en 2006.

Yo soy Carlos Marx
Hasta el 22 de octubre
Teatro Coyoacán
Heroes del 47 No. 122, Coyoacán.
Metro General Anaya
Miércoles 20:30 hrs.
Adolescentes y adultos
$180. $100 maestros, estudiantes e INAPAM

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

Por: José Manuel Lira C.* (@jomalira)

A punto de presentar un show, tres personajes femeninos nos conducirán por medio de la risa hacia territorios donde permean sentimientos como: tristeza, melancolía, recuerdo, añoranza y anhelo. En “Las tres desgracias” el espectador no podrá dejar de reír -incluso a carcajadas-, todo gracias al sufrimiento ajeno, que en realidad no lo es tanto; observar sufrir a otro -en tono cómico- lleva al público a divertirse y reflexionar.

En este espectáculo podremos presenciar la interpretación de canciones como “All together now”, “Serenata a la luz de la luna”, “Paloma negra”, además de una melodía hecha únicamente con sonidos guturales. “Las tres desgracias” corre a cargo de la compañía Idiotas Teatro -responsables de las obras “O”, “Mastorna” y “Pájaro”-; cuenta con las actuaciones de Karla Armendáriz, Lucía Pardo y Carmen Coronado, así como la asesoría actoral de Jesús Díaz.

Montada en un espacio pequeño, éste resulta el tamaño ideal para que no escape ninguna de las puntadas, chistes y gags de la obra. La utilería podría parecer sencilla pero las actrices logran darle un manejo tan preciso, que todo se vuelve llamativo y adquiere importancia en escena. Una obra excelente, que será disfrutada por niños, adolescentes y adultos.

LAS TRES DESGRACIAS
Tadeco Teatro
Alberto Zamora no. 32, Coyoacán
Sábados, 7:30 pm
Hasta el 27 de septiembre
Cooperación voluntaria

* Licenciado en Comunicación Social (UAM-X), actualmente estudia la licenciatura en Actuación (ENAT/INBA). Escribe sobre teatro en su blog personal: expectativateatral

Contemplación de la infamia

Artemisa Téllez*

Un mundo hambriento, ávido de devorarnos, insaciable, cruel en demasía; un mundo de sexo y dinero en el que sólo es posible caber como traficante o como producto, en donde nadie puede rebelarse ni resistirse porque no hay con quien dialogar: es una máquina.

Los gatos, escrita en los setentas por Jesús González Dávila, cobra mayor vigencia mientras más pasan los años, el sistema caníbal se ha recrudecido y las mayores víctimas -los jóvenes, los desposeídos- tienen menos herramientas para defenderse.

Una obra que sacude e impresiona, que no complace; que duele y que por estas razones se vuelve necesaria.

Los gatos
Hasta el 23 de noviembre
Círculo Teatral
Domingos 18 hrs.
Adolescentes y adultos
$100. Maestros, estudiantes e INAPAM $70

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

Apocalipsis silencioso

Artemisa Téllez*

La obra de Chéjov, su visión de mundo: su desprecio por la burguesía, su amor por los desposeídos, su preocupación por lo que la mal llamada civilización hace con los pueblos y con las familias; es una protesta presente en todos los teatros del mundo, latiendo cada vez con mayor desesperación porque su vigencia, con el tiempo aumenta y se hace más necesaria la reflexión que nos propone.

Tío Vania, presentada por primera vez en 1900, bajo la dirección de Konstantín Stanislavski, es una obra sobre el doloroso y lento deterioro de la vida humana en medio de un mundo puesto en peligro extinción por las malas decisiones de esta especie deprimida y corrupta a la que pertenecemos.

Con la decadencia como único escenario, una dividida familia rural verá su propio mundo eclosionar hasta casi desaparecer, para sólo seguir el mismo rumbo de su propia existencia patética, renunciando con ello a todo anhelo, alegría o sueño que pudiesen hacerla más llevadera.

La puesta que nos ofrece el Teatro El Milagro, dirigida por David Olguín y con Arturo Ríos en el papel de Tío Vania, es una de las mejores versiones: una obra sensible y fuerte que revela los muchos matices del conflicto entre las cosmovisiones encontradas entre miembros de una misma familia.

La belleza de las interpretaciones se suma a la creación y recreación de los espacios en donde se lleva a cabo la acción: una escenografía imponente, llena de detalles antiguos, preciosos y atesorables.

Un clásico imperdible e inolvidable puesto en charola de plata para maestros, estudiantes, curiosos y grandes, vitalicios fans chejovianos.

Tío Vania
Hasta el 23 de noviembre
Teatro El Milagro
Jueves y viernes 20:30 hrs. Sábados 19 hrs. Domingos 18 hrs.
Adolescentes y adultos
$200. Maestros, estudiantes e INAPAM $100. Vecinos de la colonia Juárez, estudiantes y maestros de teatro $60
Foto: Ricardo Castillo Cuevas

*Escribidora, tallerista y teatrohólica