EL LOCO Y LA CAMISA

LA INCÓMODA VERDAD QUE AVERGÜENZA

Por Xósem Amero (@xosemamero)*

locoCamisa

En toda familia hay verdades que dan vergüenza. Al indiscreto es mejor encerrarlo en su cuarto cuando hay visitas. La incoherente sensatez que incomoda a propios puede ahuyentar a extraños. Quitar máscaras, ver el mundo a través de otros ojos es un juego peligroso. Si nadie te pregunta, es mejor no decir lo que piensas. Al final, la gente podría confundirte con: el loco y la camisa.

Nelson Valente, joven dramaturgo argentino, escribe una divertida obra de crítica social. Expone la hipocresía y carencias de una familia de clase media baja cuyos miembros se debaten entre el conformismo y las apariencias. Una historia con los típicos personajes: el padre machista, la madre abnegada y la joven hija profesionista que ama su familia, pero al mismo tiempo se avergüenza de su realidad. El detonante de la trama es el joven novio de la chica, un exitoso abogado sin escrúpulos, que va de visita por primera vez a casa de la muchacha para conocer a sus padres. El ingrediente que pone todo de cabeza es el otro hijo de la familia, un chico enfermo mental que lleva las cosas al extremo durante la reunión.

Ignacio Riva Palacio es Beto, el loco. Su personaje es el eje sobre el que gira la obra y lo desempeña de forma sobresaliente. En ningún momento se olvida de mantener su expresión corporal: el movimiento de sus manos, los repentinos cambios en el tono de voz y el contraste al cambiar su punto de atención. Su mirada abstraída en algunos momentos hace recordar aquel gran personaje, Raymond Babbitt, interpretado por Dustin Hoffman en la película Rain Man. El resto del elenco complementa al protagonista con actuaciones a la altura para llegar en conjunto a un resultado de muy buen nivel.

Ignacio también se encarga de la adaptación que requiere la obra para situarla en el contexto de la Ciudad de México. La dirección corre a cargo de Sebastián Sánchez Amunátegui, quien encamina a los actores hacia una correcta interpretación de sus personajes. Por momentos la excesiva neurosis de Maripí resulta un tanto exagerada y contrasta con el acartonamiento de Mariano. De cualquier forma, no rompen con la coherencia de la puesta. La disposición del escenario debe adaptarse a las características del foro. Los diferentes ángulos de visión que tiene el público hacen inevitable que muchas veces los actores se tapen unos a otros. Como detalle en la dramaturgia, la aparición de un arma en el primer acto es una promesa no cumplida que se queda en el aire.

“El loco y la camisa” es una obra inteligente que, aparte de hacer reír, hace pensar al público. Un espejo de la sociedad donde a veces es incómodo reflejarse. Una exposición de esas desagradables verdades que cada familia prefiere esconder debajo de la alfombra para guardar las apariencias. No siempre lo lindo es interesante, pero muchas veces lo interesante no es el mejor tema para una conversación familiar.

El loco y la camisa
De: Nelson Valente
Dirección: Sebastián Sánchez Amunátegui
Con: Emilio Guerrero, Verónica Langer*, Ignacio Riva Palacio, Sonia Couoh, Manuel Balbi y Mercedes Olea*.
* Alternan funciones.

Foro Lucerna
Lucerna #64. Col. Juárez.
Viernes 21:00 hrs, sábado 19:00 hrs y domingo 18:00 hrs.
Sólo en enero.

*Xósem Amero es egresado del ITESM. En la actualidad toma el diplomado de creación literaria en la Sogem. Escribe novela, dramaturgia, guión y ensayo. En las mañanas suele correr por el bosque, en las tardes se transforma en escritor.

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CHARLOTTE Y LA LÍNEA DEL TIEMPO

PARA SEGUIR HAY QUE OLVIDAR

Por Mireya Flores Marín* (@MireyaFloresM)

CHARLOTTE

Ante el olvido el recuerdo. Puesto que toda amnesia guarda en sí la huella de esa ausencia en la memoria, “Charlotte y la línea del tiempo” narra, construye y deconstruye la vida de Charlotte a partir de un suceso: se ha olvidado del décimo aniversario de la muerte de su padre, y su novio Alberto le propone hacer una línea del tiempo para encontrar la causa de ese olvido.

Con la intención de su dramaturgo y director, Jonathan Huesca, de permitirnos conocer quiénes son los personajes, como quien teje una red, los acontecimientos más escuetos y a la vez esenciales en la vida de Charlotte, se van uniendo punto por punto. Se trata de una obra simple en su estructura que explora conceptos tan complejos como el tiempo, la memoria y el desapego. Aunque busca asombrar con una perfecta reconstrucción de los hechos, el truco cae en la inverosimilitud cuando casi de forma estratégica los recuerdos de Charlotte coinciden con momentos claves del acontecer social, como la muerte de Kurt Cobain.

La dirección consigue llevarnos por esa delgada línea en el tiempo, en ese mirar hacía atrás que nos llena tanto de nostalgia como de alegría, con un ritmo a veces efusivo y otras pausado, según la emoción del recuerdo; sin embargo, todo esto sucede desde la superficie ya que la dirección y la actuación descuidan el mundo interior de los personajes, quienes exploran los sentimientos de forma externa y no se permiten caer en el fondo de estos.

Víctor Galván como Alberto, se muestra más preocupado por colocar el estambre, pegar notas, apuntar datos y demás tareas escénicas que por interiorizar lo que Charlotte le está narrando; su actitud nerviosa es siempre la misma, no se percibe una búsqueda de las posibilidades y matices de quien siente ansiedad o angustia. Si bien, la actuación de Monserrat Simó permite sostener y dar mayor dinamismo a la obra, existe cierta resistencia por rastrear más allá de lo evidente.

La puesta en escena, además de presentar la sala del departamento de Charlotte y Alberto, se enriquece con elementos escenográficos que dotan de encanto simbólico el espacio: un reloj de pared pone al tiempo como eje de la trama; pequeñas hojas de papel autoadhesivas colocadas por doquier subrayan el deseo de no olvidar; estambre rojo que más que representar la línea del tiempo de Charlotte, nos remite al entretejido de causas y efectos que dan significado a su vida, un tejido que incluso a manera de telaraña termina por atraparla, tal y como sus recuerdos, y que poco a poco conseguirá desmarañar. Asimismo, una caja resguarda objetos, tal como nuestra mente y nuestro corazón conservan los recuerdos, las alegrías y los dolores que llevamos con nosotros.

Con todos estos elementos “Charlotte y la línea del tiempo” busca decirnos que la vida debe seguir, y para eso es necesario olvidar.

 

Charlotte y la línea del tiempo
Dramaturgia y dirección: Jonathan Huesca
Con: Monserrat Simó y Victor Galván
Jueves 8:00 pm
Del 8 de enero al 5 de marzo
Foro Shakespeare, Espacio Urgente 2.
Zamora 7, Col. Condesa.

 

*Mireya Flores es Máster en Artes Escénicas por la Universidad de Vigo, España; tiene un posgrado en Políticas y Gestión Cultural con la especialidad en Producción y Difusión de Espectáculos Escénicos por la Organización de Estados Iberoamericanos (OEI) y la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM); es Licenciada en Ciencias de la Cultura por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Además, tiene formación en danza y en teatro.

 

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EN LA SOLEDAD DE LOS CAMPOS DE ALGODÓN

Por Pablo Iván García (@garciapabloivan)

soledadAlgodon

Si eres un espectador poco familiarizado con el teatro contemporáneo, te sorprenderá la ausencia total de mobiliario y utilería. La puesta en escena de Nora Manneck, resulta indispensable para el público ávido de teatro sólido, con un verdadero trabajo de dirección de actores: Fernando Bueno y Daniel Bretón conforman una mancuerna poderosa, que pone en juego la profunda carga metafórica de los diálogos escritos por el ya desaparecido dramaturgo francés Bernard-Marie Koltés, para llevar al espectador por diversas interpretaciones respecto a una misma historia: dos desconocidos se encuentran en un sitio despoblado e incierto.

Los trazos y tareas escénicas de Bueno y Bretón esbozan el ambiguo espacio donde transcurre esta “historia”; historia entre comillas, porque sería difícil decir qué es lo que sucede: parecería que no pasa nada, aunque hay un conflicto latente, que atrapa la atención del público.

Daniel Bretón interpreta a un hombre adulto en aparente declive, que proviene de la “civilización” y camina por un extenso descampado, en medio de la noche. Su traje desgastado nos hace pensar que ha abandonado su cotidianidad, para ir en busca de algo que tal vez él mismo no sabe qué es.

Por su parte, Fernando Bueno encarna a un joven amenazante, que vive “a salto de mata” en las profundidades del campo, y a quien la vida ha tratado con dureza; sus movimientos recuerdan a los pandilleros y ex convictos: el free style inunda sus diálogos y movimientos, logrando una peculiar verosimilitud.

Los ambientes creados a partir del diseño sonoro y de iluminación complementan un mundo misterioso, extraño, pero bien delimitado. No hay escapatoria, tampoco una ruta definida: estos dos sujetos enfrentarán una batalla filosófico-poética, en medio de la nada.

 

EN LA SOLEDAD DE LOS CAMPOS DE ALGODÓN
Dramaturgia: Bernard-Marie Koltés
Dirección: Nora Manneck
Con: Fernando Bueno y Daniel Bretón
Festival de Teatro Independiente
29 de enero
Casa Actum
Héroes del 47 No. 9, Coyoacán
Jueves 18:00 hrs.
ENTRADA LIBRE

ROSA MEXICANO

UNA MIRADA ÁCIDA AL STAR SYSTEM

Por: Pablo Iván García (@garciapabloivan)*

rosaMexicano

La afortunada combinación entre un libreto inteligente, una dirección armoniosa y un elenco de gran talento, hace de “Rosa Mexicano” un montaje de visita obligada. Reiniciando su segunda temporada en el Teatro Helénico, este recinto resulta el escenario ideal para una aguda crítica a la fangosa estructura social de nuestro país y su complejo sistema de entretenimiento televisivo.

Luis Ayhllón (México, 1976) corrobora su capacidad como dramaturgo, al hilvanar una historia excepcional, repleta de diálogos precisos, pensados para la narración y la ejecución de la acción dramática, pero también empapados del más coloquial de los lenguajes de la ciudad de México. El público encontrará en voz de los personajes expresiones certeras, cargadas de un humor oscuro, muy fino, que embonan perfectamente con el tono general de la obra: una comedia/thriller de corte fantástico.

Flor (Gimena Gómez) es una chica que pasa todas las tardes de pie, afuera de la televisora más grande del país, esperando conocer a los intérpretes de sus programas favoritos. Inicia casualmente una furtiva relación con el renombrado actor de telenovelas Luis Vivanco (Rodrigo Virago). Esta unión dará pie a una exploración realmente impresionante de la ideología que permea nuestra cultura. ¿Qué es lo mexicano? ¿La confrontación permanente de clases?

Gimena Gómez encarna poderosamente a la jovencita ingenua, con sueños frívolos, representante de una clase social hundida en la comodidad del televisor, sin vía de acceso a ninguna aspiración intelectual. En el universo de “Rosa Mexicano” conviven orgánicamente la fantasía pueril (el reino donde existen las princesas, las hadas y los lobos feroces), con la religiosidad del mexicano (concretamente, nuestra devoción por la virgen de Guadalupe), así como el show biz televisivo, encumbrado en Lomas de San Ángel Inn.

El elenco es realmente destacable, porque la elección de algunos actores jóvenes egresados de las escuelas de Televisa (CEA) y TvAzteca (CEFAC), para los personajes inmiscuidos en la propia televisión -dentro de la historia-, refuerza la mirada irónica y ácida del experimentado director Martín Acosta hacia nuestro star system. Igualmente plausible la escenografía de Julia Reyes Retama, que deslumbra, es vistosa, pero también resulta funcional en todas las escenas.

Fundamental el trabajo de iluminación del siempre fiable Matías Gorlero, así como el diseño de vestuario de Fernanda García y el planteamiento sonoro de Xico Reyes, para lograr atmósferas verdaderamente siniestras. Complementan el reparto Aida López y Francisco Cardoso, quienes ejecutan secuencias memorables, como aquella donde un par de zorros hambrientos, padres de familia, están en pleno ataque contra una chica indefensa.

ROSA MEXICANO
Escrita por: Luis Ayhllón
Dirección: Martín Acosta
Elenco: Gimena Gómez, Aida López, Rodrigo Virago y Francisco Cardoso.
Teatro Helénico
Av. Revolución 1500, Col. Guadalupe Inn
Del 9 de enero al 15 febrero de 2015
Viernes 20:30, sábados 18:00 y 20:30, domingos 18:00 hrs.

* Dramaturgo. Conduce el programa Mucha Mierda en www.puentes.me

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EL ÚLTIMO PRESO

La anarquía ya es historia

Por Xósem Amero (@xosemAmero)*

preso

En un país cualquiera, en una época cualquiera, una sociedad cualquiera. La policía enfrenta la peor de sus pesadillas. La gente ya no protesta. No hay marchas, no hay huelgas, no hay inconformes. Cómo justificar la existencia de un aparato represivo cuando no existe a quien reprimir. El anarquismo ha pasado a la historia. La autoridad es aceptada y respetada. Luchar contra el sistema es mal visto. El jefe de la gendarmería tiene un gran problema que debe resolver en medio de una exasperante paz social. Las prisiones se quedan vacías, los guardias están ociosos, sobran uniformados y faltan motines. Resta sólo una razón para existir: el último preso.

El creador de esta brillante obra es Slawomir Mrozek. Un dramaturgo polaco al que de joven le toca ver su patria invadida y sojuzgada por dos de los regímenes más brutales en la historia reciente: nazismo y estalinismo. El autor confronta, ridiculiza y critica al sistema por medio del teatro. La Policía, nombre original de la obra, se escribe en 1958. Es una ficción absurda que propone una sociedad acrítica y que acepta de buen modo la tiranía que la gobierna. Con este vuelco de la realidad, los personajes que representan al sistema de represión se ven metidos en una problemática que les lleva a buscar disparatadas soluciones para conservar sus puestos. No menos descabellado es que los antiguos anarquistas ya no ven mal a los opresores. Llegan a tal grado de simpatía que, lejos de pensar en derrocarlos, empiezan a considerar unírseles.

Alejandro Bichir actúa y dirige una obra cuyo tema encaja muy bien en la actualidad de nuestro país. En esta ocasión lo hace rodeado de sus hijos Bruno y Odiseo. La armonía familiar y la capacidad histriónica de los Bichir le imprimen a la puesta en escena una frescura que amplifica su comicidad. La escenografía es sencilla y con detalles brillantes. Trino Camacho contribuye con las caricaturas del Niño Rey y el Regente. Estas representan de forma irónica a los gobernantes a quienes se les rinde pleitesía en todo momento. Un gran ojo que todo lo ve y todo lo vigila reafirma el tono surrealista de la obra por medio del arte de Magritte.

El último preso es una caricatura de la realidad que logra enganchar con el público porque presenta de forma burlesca personajes y situaciones que fácilmente son identificables en nuestros tiempos. Un botón de muestra de que la ironía es la mejor arma del escritor, del dramaturgo, del actor. Además, no siempre se tiene la oportunidad de ver al clan de los Bichir juntos en el escenario. Una corta temporada que no hay que dejar pasar.

EL ÚLTIMO PRESO
De Slawomir Mrozek
Dirección: Alejandro Bichir
Con: Alejandro, Odiseo y Bruno Bichir; Reynaldo Rossano y Saandra Cobián Bichir. Alterna Hasiff Fadul.
Foro Shakespeare
Zamora 7. Col. Condesa.
Del 25 de diciembre al 11 de enero.
Funciones diarias.
Lunes, martes y miércoles: 20:30 hrs.
Jueves y viernes: 18:30 y 20:30 hrs.
Sábados: 19:00 y 21:00 hrs.
Domingos: 18:00 y 20:00 hrs.
Boletos en Ticketmaster

*Xósem Amero es egresado del ITESM. En la actualidad toma el diplomado de creación literaria en la Sogem. Escribe novela, dramaturgia, guión y ensayo. En las mañanas suele correr por el bosque, en las tardes se transforma en escritor.

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VIAJE A LA LUNA

DESCALZOS, CAMINO HACIA ELLA
Por: José Manuel Lira C.* (@jomalira)

Viaje a la Luna587

Llegar a un teatro y no ver butacas, no saber dónde comienza el escenario ni cuál es el espacio para el público; entrar y sentirte parte de un sueño, en calma, seguro, en terreno de confort.

Personajes que aparentemente no hablan, pero a quienes entendemos a la perfección y que, cuando llegan a pronunciar un par de palabras, pareciera lo hacen con la mirada, con el cuerpo, por el deseo de expresar una meta cumplida.

Producida por la compañía La edad del loro -responsables también de montajes como “La niña que riega la albahaca” y “El príncipe preguntón”-, “Viaje a la luna” es una obra inteligente, que interactúa con su público, donde niños y adultos se logran sintonizar en una misma frecuencia, soñando lo mismo, deseando por igual. Los actores hacen acrobacias, manejan títeres y producen sonidos que involucran todo su cuerpo; con el objetivo de recordar la inocencia y hacer converger la diversión y la reflexión.

“Viaje a la luna” es la historia de un chico que solía recordar todos sus sueños de manera detallada: olores, texturas y colores, hasta que un día ya no pudo recordar más. En esta fábula será posible comer burbujas, subir escaleras, abrir cofres y hasta tratar de atrapar la luna.

La escenografía, diseñada en tonos azules, incluye plumas y bombas de jabón, música en vivo, así como personajes que entran y salen, suben y bajan, producto de una ilusión realista o una realidad soñada. Los actores se notan comprometidos: saben que el público infantil es inteligente y que deben dirigirse a éste como tal.

“Viaje a la luna” tiene su origen dentro de la Maestría en Dirección Escénica de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT). Es el proyecto de egreso de Verónica Albarrán, becaria del programa Jóvenes Creadores (FONCA). Del mismo modo, el elenco proviene de la licenciatura en Actuación (ENAT).

VIAJE A LA LUNA
Dirección: Verónica Albarrán
Con: Benjamín Martínez, Brenda Urbina, Héctor Wong, Alberto Cerz y David del Águila
Foro La Gruta
Av. Revolución 1500, Col. Guadalupe Inn.
Domingos, 13:00 hrs.
Del 11 de enero al 29 de marzo.
$100
Boletos en Ticketmaster.

*Licenciado en Comunicación Social (UAM-X), actualmente estudia el tercer año de la licenciatura en Actuación (ENAT/INBA). Escribe sobre teatro en su blog personal: expectativateatral.wordpress.com

EL CURIOSO INCIDENTE DEL PERRO A MEDIA NOCHE

Por Artemisa Tellez (@artemisatellez)*

curioso

Un teatro Teatro de Los Insurgentes a reventar. Boletos a precios exorbitantes. Mucho boca a boca también, mucho “te va a gustar”, “tienes que verla”. Una obra que ganó el premio que otorga la Agrupación de Periodistas Teatrales hace dudar a cualquiera: tal vez sí me estoy perdiendo de algo…

La premisa es interesante y sencilla: un adolescente con síndrome de asperger corre la aventura de su vida tratando de develar el misterioso asesinato de un perro. Esta inspiradora historia de superación basada en la novela Mark Haddon se convierte a manos de la producción de Tina Galindo, Claudio Carrera y Ocesa en una comedia irrespetuosa y plana donde cada actriz y actor hace lo que tantas veces los hemos visto en películas y telenovelas, sin importar que los roles que están interpretando sean totalmente distintos a los de sus otros trabajos. El actor principal (Alfonso Dosal) hace gala de desconocimiento y busca constantemente hacer reír con una pobre interpretación de la personalidad asperger y que desde mi punto de vista, fomenta el alejamiento y la burla que el autor original buscaba combatir.

Acepto que la escenografía de Jorge Ballina me pareció interesante, acepto que la historia en sí prometía, acepto también que confié en quienes me dijeron que era una gran puesta en escena… A los cinco minutos de la primera llamada me estaba arrepintiendo; el escenario se llenó de bailarines disfrazados y temí por un momento que fuera un musical. Ese es el único defecto que la obra no tenía, sin embargo (y con más razón) me pregunté ¿para qué se necesita un ballet entonces?

El curioso incidente del perro a medianoche, es un maravilloso ejemplo de transformación y esfuerzo llevado a las tablas por personas que no la analizaron ni entendieron y se fiaron tan sólo de la enorme capacidad de convocatoria e influencia de los grandes medios masivos para posicionarse y sostenerse.

El curioso incidente del perro a medianoche
Adaptación: Simon Stephen
Basada en la novela de Mark Haddon
Dirección Francisco Franco
Reparto: Alfonso Dosal, Claudia Ramírez, Mónica Dionne, Luz María Aguilar y Moisés Arizmendi,
Viernes 18:00 y 20:30 hrs, sábado 18:00 y 21:00, domingos 18 hrs.
Foro Chapultepec
Mariano Escobedo #665, Col. Anzures, Del. Miguel Hidalgo,
Adolescentes y adultos
$400, $500 o $600

Recomendamos leer también el texto de entretenia.com http://bit.ly/1vtYodR

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

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EL PRÍNCIPE FELIZ

EL ORO NO ES LA FELICIDAD
Por Xósem Amero (@XosemAmero)*

PrincipeFeliz

Había una ciudad hace mucho, mucho tiempo, donde los ricos vivían despreocupados mientras los pobres, que eran mayoría, sufrían hambre y frío. Una ciudad donde se admiraba lo hermoso, lo elegante, lo lujoso. Y es que lo que no tiene esas cualidades, no sirve para nada. Los pobres son pobres porque quieren, son flojos. La dicha está destinada a unos cuantos para que la gocen. Para entender la realidad de otra manera es necesario atreverse a verla desde otra perspectiva, con otros ojos para apreciar que la felicidad radica en lo que se puede hacer por los demás y no en lo que se tiene. El arte y placer de dar son las cosas más importantes en la vida: el príncipe feliz.

Enrique Cahero y Olga Cassab toman el cuento de Oscar Wilde y lo convierten en un musical que conserva la esencia del relato original. Un príncipe que en vida nunca conoció la desdicha pues en la mansión de la despreocupación, donde habitaba, no se le permitía la entrada al dolor. Su estatua dorada, colocada sobre una columna en lo alto de la ciudad, era admirada y respetada por todos los pobladores porque era muy hermosa y simbolizaba la alegría eterna. Sin embargo, la realidad era muy distinta. El príncipe estaba muy triste al darse cuenta de la miseria en que vivían los pobres y el egoísmo de los ricos.

Los protagonistas de esta historia son el Príncipe Feliz, personificado por Óscar Piñero, y la golondrina, Sofía Silva. Ambos personajes tienen su encanto particular y proyectan los valores que promueve el cuento. A Óscar le toca representar la sabiduría y compasión del monarca que enseña y guía al joven a hacer lo correcto. Sofía es la libertad, la pasión juvenil que vuela de un lado a otro. A ella le toca ser la discípula que aprenderá que el amor está en la profundidad del ser y no en la apariencia. Ambos actores entienden su rol y transmiten su sentir en sus diálogos, acciones y canciones.

Emmanuel Márquez dirige al elenco de quince actores en escena. Los musicales no son nada fáciles. En este caso, la combinación de coreografías y diálogos en conjunto sale bien librada. En las canciones corales se usa playback. Es la mejor opción para obras con recursos limitados. Los solos, que sí se cantan en vivo, llevan el riesgo de exponer al cantante a que por momentos no se le escuche bien, no se le entienda o se sature el sonido. Sin ser profesionales del canto, queda claro que todos ponen lo mejor de sí mismos para sacar adelante sus piezas.

El Príncipe Feliz es una entrañable historia de valores para toda la familia. Un cuento de hadas llevado a musical que cumple con las funciones de divertir a los pequeños, hacer reflexionar a los adultos y dejar un mensaje de que en la vida las cosas no tienen que quedarse como están. Siempre hay una opción diferente, otro camino por el que se puede transitar hacia la felicidad.

El Príncipe Feliz
De: Cahero – Cassab
Basado en el cuento de Óscar Wilde
Dirección: Emmanuel Márquez
Con: Óscar Piñero, Sofía Silva, Diana Avellaneda, Rodolfo Padilla, Cristhian Vasa, Pamela Ramírez, Joyce Yeo, René Delgadillo, Rubén Egeo, Mathías Figueroa, Daniel Mejía, Dan Alcocer, Lorena Olguín, Karina Miranda y Eduardo López.

Teatro Hidalgo
Av. Hidalgo 23, Colonia Guerrero.
A partir del 3 de enero
Funciones Sábados y Domingos 11:30 am y 1:30 pm
Boletos desde $80
Foto: Lía Rueda

*Xósem Amero es egresado del ITESM. En la actualidad toma el diplomado de creación literaria en la Sogem. Escribe novela, dramaturgia, guión y ensayo. En las mañanas suele correr por el bosque, en las tardes se transforma en escritor.

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¿ESTÁS AHÍ?

CUANDO ESTAR NO SIGNIFICAR AMAR

Por Mireya Flores Marín* (@MireyaFloresM)

EstasAhi587

Crean o no en fantasmas ¿Estás ahí? es una comedia que los llevará de la risa hacia ese extraño malestar que provoca reconocer que la vida y el amor tienen caducidad. Temas difíciles de enfrentar, ¿quién quiere reconocer que ya no ama a su pareja o, peor aún, que ya no es amado? Con un tono ligero y un ritmo rápido, la historia se desenvuelve entre sorpresas, no sólo las de la trama sino, además, las que con efectos especiales hacen aparecer y desaparecer lo ahí presente.

Ana y Fran llegan a su nuevo departamento sin sospechar que el lugar ya es habitado por un caprichoso fantasma, que sólo Fran -un mago poco exitoso- consigue ver y con quien establece una relación determinada por juegos y enredos que ponen sal y pimienta a la situación. A la par, comienza a delinearse la relación existente entre Ana y Fran, una pareja desgastada, que ha preferido callar y mantenerse ahí. Un inesperado acontecimiento sirve para exponer que en ocasiones amamos más la ausencia que la presencia de alguien.

Las actuaciones de Gabriela Zas Montero (Ana) y Óscar Piñero (Fran) son buenas, aunque hay momentos más destacables que otros, consiguen el tono fresco y espontáneo de la comedia, y responden efectivamente con un trabajo corporal exhaustivo que los hace ser y no ser al mismo tiempo. La dirección de Javier Dualte se enfoca en hacer visible lo ausente, un trabajo complicado, considero, que más allá de eliminar la huella de lo presente para crear fantasmas, se preocupa por exponer en lo presente lo que ya no ésta; así como el amor entre los personajes.

Entre la comedia y el drama, esta obra arrebata risas pero también provoca tristeza al mostrar la complejidad de las relaciones amorosas. El amor se trata de estar, y no me refiero sólo a una cuestión física, sino a una voluntad espiritual de acompañar al otro; por ello la pregunta que se lanza es: ¿estás ahí? Respondamos y tengamos el valor de dejar ir a los fantasmas que nos habitan.

¿Estás ahí?
Dramaturgia y dirección: Javier Dualte
Foto: Yanko Bribiesca
Elenco: Gabirela Zaz Montero y Óscar Piñeiro
Sábado 19:00 y domingos 18:00 hrs.
Del 24 de enero al 1 de marzo
Un Teatro
Nuevo León 46, Condesa

*Mireya Flores es Máster en Artes Escénicas por la Universidad de Vigo, España; tiene un posgrado en Políticas y Gestión Cultural con la especialidad en Producción y Difusión de Espectáculos Escénicos por la Organización de Estados Iberoamericanos (OEI) y la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM); es Licenciada en Ciencias de la Cultura por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Además, tiene formación en danza y en teatro.

SOMBRA DE TU SOMBRA

SOMBRAS NADA MÁS…
Artemisa Téllez*

sombras

En medio de una escenografía encantadora y diferente se desarrolla una historia lésbica de crimen y pasión descontrolada. Dos mujeres que aparentan haberse amado por mucho tiempo son en realidad dos enemigas entrañables que tratan de aniquilarse una a la otra, pero sin separarse.

Esta historia, que podría ser objeto de un drama intenso e inolvidable, es una puesta floja y poco creíble realizada por dos bellas actrices que en ningún momento aparentan amarse ni odiarse. No se explica en ningún momento las motivaciones profundas de su conflicto y se dejan al aire la mayor parte de los elementos que harían posible que nos involucráramos con la propuesta.

“Sombra de tu sombra” es una obra de suspenso sin suspenso con un final que raya en la comedia involuntaria.

Sombra de tu sombra
Cada quince minutos. Jueves y viernes a partir de las 21 hrs.
Sábados a partir de las 20 hrs. Domingos a partir de las 19 hrs.
Adolescentes y adultos
Roble 3, Santa María la Ribera
Hasta el 14 de diciembre
$60

*Escribidora, tallerista y teatrohólica