Crítica: CORAZÓN DE PLOMO

UN VIAJE AL INTERIOR

Por Óscar Alberto Fontana*

El teatro infantil y para jóvenes audiencias cada vez va ganando mayor terreno en la escena mexicana. Ahora podemos encontrar en cartelera una decena de montajes cuyo objetivo es, a mi parecer, atender la raíz del problema que quizá esté permeando hoy, la tan sonada “falta de público” en los teatros del país. Menciono esto porque, sí, me parece que, como todo hábito, debe aprenderse desde temprana edad. Pero lejos de que el teatro o la formación de espectadores apele a un tema de este orden, la idea que me resulta mucho más esperanzadora es la de comenzar a generar en estas incipientes audiencias, una necesidad por el arte escénico. Una legítima necesidad por que el espectador pueda entender la estructura y funcionamiento de sus emociones, y cómo estas se relacionan con su entorno a través del teatro.

El teatro para niños que se hace actualmente pretende dialogar con el espectador a través de otras vías de lenguaje. Poco a poco va quedando atrás aquel espectáculo que pretendía solo entretener a los niños con adaptaciones mal ejecutadas de cuentos algunas veces “clásicos” que solo veían al público objetivo como un cliente potencial, inerte, y sin mayor posibilidad de discernimiento ni comprensión de lo que estaba viendo.

Tomaré lo anterior a manera de introducción para destacar el trabajo de una compañía que reside en la Ciudad de México, y que ha funcionado como colectivo desde hace ya algunos años. He de confesar que esta es, sin temor a equivocarme, una de las compañías de teatro dedicado a jóvenes audiencias que se ha distinguido, desde su fundación, por la calidad en sus montajes. En su nombre han establecido, me parece, la dinámica de trabajo: La Sociedad de las Liebres. Cada uno de los integrantes de esta compañía, como en cualquier organización colectiva, se encargan de la producción, y construcción de los textos que después llevarán a escena. Otra de las principales características de esta compañía, es la utilización de títeres de manipulación directa, marionetas y demás elementos lúdicos.

Después de una temporada en la Sala CCB del Centro Cultural del Bosque, han regresado con una propuesta que aborda, esencialmente, el tema de la pérdida a través de la mirada de tres niños que se tienen que mudar de casa después del fallecimiento de sus abuelos. El texto de La Sociedad de las Liebres toma la anécdota del cuento de Hans Christian Andersen “El soldadito de plomo” para explicar de manera simbólica el fenómeno de la muerte y la trascendencia del espíritu.

La ejecución de Henrik (títere del soldado de plomo) que hace Andrés Torres Orozco es pulcra en todo momento, sin contar con el innegable carisma que tiene este actor en el escenario. Resulta un verdadero gozo verlo irrumpir la escena con la energía puesta donde debe de estar. El espectador puede con facilidad olvidarse que hay un actor detrás del títere manipulando sus brazos, piernas y cabeza para dar foco al protagonista de la historia. De igual manera es de destacar el fino y excelente trabajo de los actores Abraham Baños y Carolina Berrocal, quienes en todo momento hacen que la ficción se torne interesante y consigan, de manera magistral, mantener la atención de sus espectadores.

El trabajo de dirección de Daniel Gerardo Martínez no es la excepción, y no podría serlo, porque la buena ejecución de los actores tiene que ver, en gran medida, con la calidad de la dirección. El resultado es una obra bellísima, poderosa y visualmente atractiva. Se nota que cada detalle ha sido cuidado de manera histérica, y la respuesta de sus espectadores me da absolutamente la razón. Es importante mencionar que la música en vivo, ejecutada por Francisco Buentello, confiere a la escena un toque de distinción que ayuda mucho más a la construcción del tono.

“Corazón de plomo” es una puesta en escena que brinda tanto a los niños como a sus padres, la posibilidad de explorar las emociones que implican la confrontación con la pérdida, pero sobre todo, nos exhortan a reconciliarnos con la idea de que el fin realmente no es el fin.

Para corroborar todo lo dicho, pueden acudir cualquier sábado o domingo de noviembre, y hasta el 9 de diciembre a la Titería de las Marionetas que está ubicada en la calle Vicente Guerrero 07 en la colonia del Carmen, Coyoacán. La función es a las 12:00, y quizá después pueden pasar un lindo fin de semana en la plaza de los coyotes.

 

*Actor, dramaturgo y docente.

 

Reseña: HOMO BOX MACHINA

EL TEATRO YA NO PUEDE SER ESO QUE CONOCEMOS
Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

Pareciera que lentamente el espíritu de la ciencia aleja al hombre de su humanidad y comienza a crear máquinas de carne hueso. Sin duda, el sometimiento de las voluntades y deseos del hombre ha sido el mayor progreso para los hombres de poder. ¿Qué es el hombre sin el placer de contemplar las cosas? ¿Qué es el placer?
“Homo Box Machina”, un proyecto de Daniel Primo y Caín Coronado, coproducido por El Rinoceronte Enamorado y Engranaje Invertebrado, es un ensayo escenotécnico proyectado por una máquina en donde no hay actores. Lo que abre la siguiente interrogante: ¿puede una máquina a través de proyecciones hacer teatro? ¿Qué es el teatro en la actualidad?

Ya se ha dicho con anterioridad que el teatro es el grito de las ciudades. Si se ha diseñado una máquina de placer para la contemplación humana, ¿qué nos está diciendo? En la antigüedad se creía que los iluminados eran aquellos quienes sabían contemplar. Sin embargo, en la actualidad pareciera que este acto además de ser subversivo es inútil, no es productivo. Por lo tanto, para una sociedad como la nuestra podría pensarse que nos encontramos ante un teatro inútil.

Hablando con Daniel Primo me enteré de los problemas que tuvo para encontrar un espacio dentro de las instituciones y que este ensayo fuera proyectado. Demasiado arriesgado. ¿No tendría que el teatro arriesgar y hacer un llamado a otra voces? Con esto no quiero decir que el teatro está hecho para enseñar y adoctrinar, pero sí podría cuestionar. ¿Qué es placer en la actualidad? ¿Qué es la contemplación?
Si un grupo de jóvenes artistas destacados dentro de las instituciones abre una brecha para hacer una invitación a recordar el placer, la contemplación y la iluminación a través de una máquina, se tendría que escuchar su voz y contar con más apoyos.

El teatro ya no puede ser eso que conocemos. No podemos regresar a un cadáver al que sólo teatreros asisten. Si el hombre se ha convertido en una máquina, ¿qué mal puede existir en que el teatro sea protagonizado por una máquina?

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Homo Box Machina tendrá lugar todos los miércoles a las 8:30pm, hasta el 28 de noviembre en el Teatro Rafael Solana. Boletos $250

* Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

En DISTRITO TEATRAL creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Vamosalteatro para descubrir qué #valelapena ir a ver y conversar. Da click aquí si quieres conocer más de nosotros.

Reseñas: PERSONAS HACIENDO COSAS

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

El siglo XX empezó con esperanzas e ideales dirigidos al progreso y terminó en confusión y cinismo.El fin del mundo resultó un mito; las Grandes Guerras que de la mano de los medios de comunicación causaron horror, ahora resultan ser un medio de entretenimiento en donde las redes sociales resultan ser las más beneficiadas. Ya que entre más horror muestras más likes obtienes.

Sin embargo, aunque pareciera que el espíritu del hombre se encuentra en una anhedonia y se abandona a la nada, me parece que esta última resolución es meramente somera ya que esta vista cínica de las cosas en donde los valores y la búsqueda de la verdad han quedado anulados, el espíritu no deja de manifestarse y mostrarnos su lado oscuro.

Misael Garrido es un autor al que había querido ver en escena desde hace tiempo. Su actitud cínica aunada a la gran elección de los títulos de sus obras me parecía tentador. Empero, para superar la personalidad del escritor se necesita no sólo una actitud desenfada sino una dramaturgia poderosa que deje atrás al personaje para comenzar la creación del mito.

En “Personas haciendo cosas”, se le anuncia al espectador desde un inicio el absurdo de la obra y su trama nula. Por lo tanto, yo espectador, tengo que ser paciente con un autor que escribió una obra sin motivo ni razón. Sin embargo, el autor a pesar de anunciar estas carencias en su obra, se justifica haciéndolas enunciar por los personajes. Pero eso no es todo. El autor, al final de la obra, sí trata de hablar de algo: de una relación tormentosa entre dos personajes. No se es fiel a sí mismo y busca la empatía a través del amor y con un cierre conmovedor.

Exponentes del absurdo tenemos varios: Beckett, Ionesco, Pirandello. Sólo por mencionar los más famosos. No es algo nuevo abordar el absurdo. Al hablar de la nada viene a mi mente el marqués de Sade que en testamento pidió que su obra fuera quemada para no ser recordado; Buñuel, que nunca aspiró a la inmortalidad. Si bien es cierto que como personas se encontraban la Nada es un lugar a donde todo hombre llega, sus obras no se encuentran vacías, no importa qué tan absurdas puedan parecer.

La fuerza de Misael se encuentra en aquello que no se atreve a pronunciar y que se mantiene latente por momentos. Lo cierto es que el autor se encuentra inclinado por enunciar la obviedad para después desmentirlas y hacer creer al espectador que ha encontrado algo más, pero no dice qué; y no sería necesario hacerlo, pero sí, al menos, dejarlas asomar.

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Personas haciendo cosas está en temporada en el Teatro La Capilla hasta el 17 de diciembre, todos los lunes, 20:00 hrs. (Madrid 13, col. Del Carmen Coyoacán.

* Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

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Reseña: “CHARLATERÍA EL ÁGORA”, INTERVENCIÓN DE “¿Y ÁGORA QUÉ?”

INTERROGANTES QUE TIENEN VIDA EN LA REALIDAD DE LOS CIUDADANOS
Por Viridiana Nárud

El ideal de las utopías permite a los hombres (homo sapiens) la creación de una mejor sociedad. Las palabras tienen una relación de simultaneidad entre el hombre y el mundo. Nombrar es crear. Si guardamos silencio y creemos que la Esperanza es sólo una palabra cooptada por los políticos, ésta se pierde, se guarda silencio y desprovisto del verbo deja de crear su propio mundo.

Al asistir a la “Charlatería el ágora”, intervención protagonizada por los actores de la compañía Teatro Entre2, se generaron distintas interrogantes: qué es la libertad, la democracia, la esperanza y la participación ciudadana. Interrogantes que comenzaron a tener respuesta, no en el plano de las ideas, si no, en la realidad. Al llegar al parque me encontré con los actores en plena discusión con policías que estaban salvaguardando el orden. Hacía apenas ocho días lo vecinos de la colonia consiguieron que los sonideros de los danzoneros se apagaran y que el parque dejara de ser un punto de encuentro entre esta comunidad.

Los actores se encontraban indignados por no poder intervenir las calles. Resulta que existe una ley que prohíbe cualquier tipo de intervención en la calles sin previo aviso a la autoridades. Las calles no son tuyas. Ese es el mensaje. Al ver esto la primera pregunta que se me presentó fue: ¿qué es la libertad? Indignados y frustrados por la imposibilidad de intervenir el espacio, uno de los actores de origen francés, se acercó a dialogar con los policías, quienes le pidieron que guardara silencio. Todos tienen derecho a manifestarse, menos él que es extranjero.

Ya reestablecido el diálogo, dos vecinas se acercan para apoyar al grupo teatral explicando que tienen cuatro años luchando para que los sonideros de La Ciudadela se vayan. Resulta que con la migración de los sonideros de La Alameda a La Ciudadela hace cuatro años, el barrio comenzó a sufrir severos estragos en su seguridad. Durante los fines de semana no podían descansar y en las noches la prostitución de hombres y adultos mayores hacía imposible el libre tránsito de las calles. Me dijeron que nada de eso pasaba hacía cuatro años. Se encontraban incrédulas ante el hecho de que ningún medio les diera voz.

Esas dos mujeres eran representantes vivas de la participación ciudadana y cómo es posible transformar el entorno a través de la acción y el diálogo. Luchadoras de varias causas, nos fueron mostrando que no sólo han peleado por liberar La Ciudadela del peligro a pesar de las amenazas que viven, también nos dijeron cómo han batallado por tener un hogar y cómo después de distintos enfrentamientos con las autoridades lograron que el gobierno del Distrito Federal, encabezado en aquel entonces por Andrés Manuel López Obrador, les otorgara un hogar a través del Instituto de la Vivienda (INVI).

Los actores que pensaban hacer una intervención resultaron intervenidos. Tuvieron que deshacerse de sus mesas y sillas para poder continuar. Un policía, con apoyo de las vecinas que encabezan una especie de comité vecinal, accedió de forma amable a que continuaran su intervención ya intervenida.

Lo sorprendente de esta intervención que pensaba cuestionar qué es la democracia y la participación ciudadana, pasó a segundo término para demostrar que sus interrogantes tienen vida en la realidad de los ciudadanos. Esas dos mujeres que lucharon por tener un hogar, por sacar a los sonideros y la prostitución del parque protagonizaron las interrogantes del grupo para demostrar que los héroes y heroínas existen y no son sólo parte de un cuestionamiento teatral. Nos mostraron con hechos lo que dice Noam Chomsky: que los grandes cambios surgen en pequeños grupos ciudadanos y que no son los políticos los que hacen los cambios.

“¿Y ágora qué?” es un proceso artístico multidisciplinario que reflexiona sobre democracia y participación ciudadana interviniendo diversos espacios de la Ciudad de México. Inició en junio y hasta diciembre de 2018 estimulará la fibra democrática de los transeúntes. Las próximas intervenciones de la compañía franco-mexicana en noviembre son:

Puedes conocer más visitando teatroentre2.org
 
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* Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

En DISTRITO TEATRAL creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Vamosalteatro para descubrir qué #valelapena ir a ver y conversar. Da click aquí si quieres conocer más de nosotros.

Reseña: Ghetto Gangata

Cuentos escénicos acerca de guerras y un pueblo fantasma

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

El miedo, en sociedades que se encuentran en descomposición, culmina en pánico. Fobos (pánico), hijo de Ares, acompañaba a su padre en las guerras y su fin era la destrucción de la raza humana. En la actualidad nos encontramos en una guerra en donde las transnacionales y los países más ricos del mundo someten a los países en “vías de desarrollo” a guerras interminables. El arte, que se encuentra en resistencia, que observa y resiente los cambios tiene la necesidad de hablar de la crueldad actual utilizando como pretexto el futuro.

Diego Álvarez es un autor preocupado por el futuro, al menos, en sus últimas obras como Raíz, Animalia y ahora Gettho Gangata (Cuentos escénicos acerca de guerras y un pueblo fantasma) es lo que refleja. Los dispositivos multimedia en esta obra son menos complejos puesto que son menos necesarios. Sin embargo, la escenografía e iluminación al enfrentarse a un espacio tan reducido como el Foro de Bellescene impide que uno como espectador pueda seguir el rastro emocional de las dos actrices.

La estructura dramática no lineal de la obra se complejiza debido a que existen múltiples cuentos dentro de la trama principal. Los subtemas sólo sirven para reforzar el tema principal, el miedo en la guerra y la destrucción de la raza humana. Mi intuición como seguidora de Diego Álvarez es que esta obra es el cúmulo de nuevas obsesiones que pronto irán detonando en nuevas obras. Su dramaturgia regresa a tocar fibras emocionales alejándose de la racionalidad que lo venía acompañando en sus tres últimas obras. El terror que acompaña este texto puede resultar cruel, sin embargo, esta crueldad sólo podría afectar a audiencias hipócritas ya que la realidad es superada por la ficción.

Para mí, Diego continúa siendo un referente de resistencia en el teatro nacional. Me interesa ver la evolución de sus obras y cómo incorpora nuevas tecnologías en un país en donde los presupuestos de producción apenas alcanzan para los sueldos de los actores y el equipo. Gettho Gangata anuncia una evolución en el trabajo del director y dramaturgo y el resultado de ésta se verá en sus siguientes obras.

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La obra escrita y dirigida por Diego Álvarez Robledo, ofrecerá funciones hasta el 21 de noviembre en el Foro Bellescene (zempoala 90, narvarte oriente), miércoles 8:30 pm. Entrada General $250

Reseña: PRÍNCIPE Y PRÍNCIPE, una obra entretenida y valiosa

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

PRÍNCIPE Y PRÍNCIPE es una obra infantil necesaria en estos tiempos. Hace unos días con una amiga que es artista visual y maestra de alumnos de preparatoria me decía que nos encontramos en una época de transición en donde los géneros cada vez se encuentran menos trazados. Nuestro gobierno e instituciones se están quedando atrás, no los jóvenes. Estas palabras se convirtieron en un hecho al asistir a esta obra.

Escrita por Perla Szuchmacher y dirigida por Artús Chávez, la historia parte de un clisé. En un mundo fantástico en donde la realeza y princesas con cara de sapo conviven, un príncipe es obligado a casarse. El joven triste y meditabundo por la decisión de su madre comenzará una aventura en donde, por el título de la obra, conocemos su final.

La obra no sólo es necesaria por los tiempos de cambio que vivimos, también permite ver a los niños con naturalidad lo que una sociedad puede llegar a prohibir, como el amor. La producción de la obra también destaca. El equipo de creativos se encuentra muy bien pensado. Artus Chávez como director entiende el ritmo de la obra y sus matices manteniendo a los niños emocionados y entretenidos. Ni un niño se aburrió en la sala.

Para mí fue muy emocionante asistir a una obra que no sólo habla de temáticas necesarias dentro de una sociedad que se enfrenta a cambios de paradigmas, también la producción resultó un placer. Porque el cuidado de los pequeños detalles unidos a los grandes, que implican desde la elección del texto, la del equipo y su ejecución termina siendo para el espectador una experiencia que hace desear regresar ir al teatro. PRÍNCIPE Y PRÍNCIPE es una obra entretenida y valiosa en nuestra presente y futura historia.

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La obra escrita por Perla Szuchmacher, bajo la dirección de Artús Chávez, ofrecerá funciones hasta el 7 de octubre en la Sala Xavier Villaurrutia del Centro Cultural del Bosque, sábados y domingos a las 13:00.

A la mierda el Foro Shakespeare y con él todos los artistas emergentes

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

Lentamente presenciamos de forma silenciosa el aniquilamiento del teatro emergente para abrir nuevamente paso al teatro institucional, y, producciones que hacen del teatro un monopolio que esclaviza y mal paga a los actores. Fuimos testigos de cómo los Trolebuses escénicos que abrieron puertas a talento emergente, fueron tirados a la basura por una mala gestión y abuso del espacio. Como vender alcohol en los trolebuses y causar indignación en los empresarios de la colonia Roma y Condesa. Sin embargo, sin importar la mala gestión no era para que fueran tirados a la basura y se cerraran sus puertas a jóvenes entusiastas del teatro. Después, vimos el cierre del Foro el Bicho que repentinamente dejó de funcionar. Si mal no recuerdo ahí se presentaron muchos jóvenes que hoy están en cartelera en los teatros institucionales.

El cierre del Foro Shakespeare no sólo muestra la indiferencia de un gobierno poco partidario de la cultura, también de su ciudadanía. Se ha cerrado para abrir un residencial lujoso. Sin embargo, fue este foro que permitió que muchas productoras ahora reconocidas tuvieran un lugar de expresión. Los espacios emergentes del foro sirvieron a producciones de bajos recursos. Lo que permitió que muchos de esos artistas emergentes dejaran de ser eso para conocer la superficie.

El cierre del Foro Shakespeare es una perdida para el Teatro Nacional. Muchos jóvenes próximos a salir de las escuelas teatrales, buscaran un espacio en dónde presentarse y no encontraran un espacio que difunda su trabajo y que el público entusiasta asista. El Foro era un lugar de encuentro. No sólo de teatreros sino de público entusiasta, real, capaz de pagar por un boleto para ver a un grupo de desconocidos y uno que otro famoso. Lo que permitió el Foro Shakespeare y su grupo al ser tan plural en la elección de la obras que se presentaban, fue una oportunidad de demostrar que el público busca también ver cosas diferentes. Arriesgar es un buen verbo para expresar lo que hizo el Foro en esto años.

El cierre del Foro Shakespeare anuncia la monopolización del teatro y una institución más rígida en el momento de elegir sus proyectos. Que no nos sorprenda ver en los circuitos teatrales a las mismas personas y productoras de siempre. Al irse a la mierda el Foro Shakespeare se han ido a la mierda miles de voces jóvenes llenas de esperanza.
 
 
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* Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

En DISTRITO TEATRAL creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Vamosalteatro para descubrir qué #valelapena ir a ver y conversar. Da click aquí si quieres conocer más de nosotros.

Reseña. MEMORIA EN EL ASFALTO

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

Es un monólogo que recrea, a través de la memoria, un amor de juventud. El pretexto: las calles del centro y su vertiginosidad. Un joven trata de retratar un amor perdido a través de sus recuerdos y las calles que lo vieron nacer. Sin embargo, existe una estructura endeble en la dramaturgia, que conecta más con la historia del centro que con las emociones del personaje, lo que provoca que el ritmo caiga abruptamente.
La dirección de Abigail Sánchez se muestra poco reflexiva ya que en su intención de utilizar de manera indiscriminada los cambios de luz y un exceso en la música se pierde un poco la dirección de actores, que al ser un monólogo pierde claridad al hacer partícipe a otro músico que no es actor.
“Memoria en el asfalto” mantiene atento al espectador, que en distintos momentos se pierde por lo ya mencionado, con un trabajo honesto por parte del colectivo que aún necesita depurar lo que será su voz en un futuro.

Dramaturgia: Aldo Martínez Sandoval.
Dirección: Abigail Sánchez Cué.
Elenco: Diego Calderón, Francisco Buentello.
Teatro La Capilla (Madrid No. 13, Del Carmen Coyoacán)
Del 1 al 22 de septiembre de 2018. Sábados 7 pm.
Entrada general $200

36 HORAS CUENTA ABAJO. ESCUELA DE LAS AMÉRICAS

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)
 

 
¿Por qué uno asiste al teatro? Por una necesidad de sentir, sería una de muchas respuestas que existen a esta interrogante. Sin embargo, pareciera que esta necesidad, a la que los griegos llamaban “catarsis” ha ido desapareciendo de nuestra escena teatral mexicana. Se olvida que existe un hecho vital, que va más allá de montar una obra.
 
En el caso de la obra “Escuela de las Américas” uno se enfrenta a una dramaturgia aletargada, aburrida y en su afán de formar figuras poéticas llegó a un cliché del lenguaje. Y no es malo querer utilizar la poesía como un recurso narrativo dentro del teatro, el problema es no entender que la poesía exige la propia creación de su propio lenguaje. Esto por el lado de la dramaturgia. Por el lado de la construcción de personajes, la balanza se inclinó del lado del melodrama. Y el Che fue un hombre contradictorio: un revolucionario que hizo temblar a Fidel Castros, a EE.UU. o la URSS; un padre de familia amoroso capaz de dejar a su familia por la guerra; guapo, seductor y un asesino despiadado. Entre muchos otras cosas.
 
En un relato publicado en el periódico “El País” el nueve de septiembre del 2013, se narra la historia de Julia Cortez, una de las últimas personas en ver al Che con vida. Comparto un fragmento:

“El Che estaba sentado en una silla al lado izquierdo de la pieza, detrás de la puerta, a oscuras. Le alumbraba una vela”, relata esta docente jubilada acomodada en el sofá de su casa en Vallegrande 45 años después de aquello, “Llevaba una manta sobre las piernas y con eso tapaba la herida de bala que tenía del combate en la Quebrada. Estaba pálido, deteriorado, sin higiene, aunque trataba de demostrar firmeza”. El guerrillero acababa de ser capturado. La maestra, entró porque el centinela que vigilaba le había dado permiso para ojear. Eso hizo. “Esperaba otra cosa, ese hombre no daba miedo”, cuenta que pensó. Entonces Guevara levantó el rostro para mirar a la persona que había venido a observarle: “Se saluda”, dijo él. Ella no supo qué hacer y se marchó corriendo.

 
Para quienes conocemos el proceso del Che es un insulto lo que vemos en escena. Es un personaje cómico, débil. Cuando se le pregunta a Julia Cortez si el Che tenía carácter, ella responde: Sí que lo tenía. También narra la forma en que el Che la sedujo, lo cual está muy lejano de los chistes corrientes que se retratan en la obra. Esto es lo que dice:

Verá, era inteligente, respetuoso, hablaba bien. Decía cosas con mucho sentido. Lo cierto es que me quedaba parada mirándole. No sé. Por lo que decía y cómo lo decía más que por su aspecto. Pero también por su aspecto. Yo siempre digo que era hermoso. Bello. No era un monstruo. Pensé que tenía razón en lo que hablaba.

 
Por otra parte. Felix Rodríguez el teniente a cargo de la ejecución del Che, en una entrevista también para “El País” deja ver este contraste humano, en donde al negar su admiración, admite un poco de ella:

“Es mejor así. Yo nunca debí haber caído preso vivo”. Entonces sacó la pipa y me dijo: “Yo quiero entregarle esta pipa a un soldadito boliviano que se portó bien conmigo”. Me guardé la pipa y le pregunté: “¿Quiere algo para su familia?”. Y él me respondió, diría que de forma sarcástica: “Bueno, si puedes dile a Fidel que prontó verá una revolución triunfante en América”. Yo lo interpreto como si le hubiera dicho a Fidel: “Me abandonaste, pero esto va a triunfar de todas maneras”. Después cambió la expresión y me dijo: “Si puedes, dile a mi señora que se case otra vez y que trate de ser feliz”. Esas fueron sus últimas palabras. Se acercó a mí, nos dimos la mano, nos dimos un abrazo, dio unos pasos atrás y se paró fijo pensando que era yo quien le iba a tirar.

 
Para mí es un texto y una obra mal logrados que denigran la figura del Che y su historia. Quedé muy enojada al ver a uno de mis héroes de adolescencia tan vilipendiado en un texto y una dirección tan pobres. ¿Por qué usar su figura para llenar un teatro y ganar dinero los productores? Lo importante es saber que existimos personas que mantenemos su imagen en la memoria. ¡Hasta siempre, mi comandante Che Guevara!
 

“36 horas cuenta abajo. Escuela de las Américas” de José Rivera, bajo la dirección de Otto Minera. Con las actuaciones de Anilú Pardo, Carmen Mastache, Edgardo González, Juan Valero, Josué Aguilar y Alejandro Gama. Duración: 80 min. Apta para: +16
Del 3 de agosto al 23 de septiembre. Viernes 19 h y 21 h, sábado 18 h y 20 h, domingo 17 h y 19 h. Foro La Gruta (Av. Revolución 1500, Col. Guadalupe Inn)
Costo: $350

ARBOLEA

Reflexionar acerca de la vida y la poesía

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)*

En tiempos en donde la inmediatez se abre paso para dejar atrás los tiempos de reposo y reflexión, es necesario tomar una pausa y preguntarnos qué es la vida, la poesía y cómo convivimos con ella. “Arbolea” es un convivio de ciencia y arte en donde adultos y niños pueden sentarse a escuchar, jugar y reflexionar acerca de la vida y la poesía.

Los niños juegan mientras los adultos tomamos consciencia de nuestra existencia, no sólo ontológica, sino también con respecto a la naturaleza que nos rodea. De cómo los árboles se encuentran de cabeza y nos muestran sus piernas, ya que su cerebro se encuentra en las raíces ocultas bajo la tierra. También que existe un personaje sabio, Petunio, una marioneta de un anciano que nos habla de la importancia de sembrar en nuestro corazón nuevas ideas, dejar atrás el miedo y cómo en la desesperación, esta semilla sembrada en nuestro corazón podría salvarnos la vida.

Más que una crítica, más allá de las interpretaciones y los textos, quisiera decir que “Arbolea” es una conjunción de personas sensibles que transmiten ese sentir, el querer compartir algo que los hace feliz, algo olvidado como la poesía. Quedé con frases que espero guardar en mi corazón y recurrir a ellas en momentos de desesperación.

Este tipo de instalaciones artísticas nos recuerdan que el hombre (homo sapiens) está habitado por un espíritu que necesita resucitar a través de la palabra y que sólo invocando la humanidad del hombre podrá ser humano.

Si quieres saber cuándo podrás volver a ver esta intervención urbana así como conocer el trabajo de la compañía Teatro Entre 2, visita teatroentre2.org

* Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

En DISTRITO TEATRAL creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Vamosalteatro para descubrir qué #valelapena ir a ver y conversar. Da click aquí si quieres conocer más de nosotros.