DE AMAR Y SER AMADO: SOBRE LA PÉRDIDA

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

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A partir de la dolorosa muerte de su padre, Nata, decide abandonar a su perro Toto con la finalidad de no relacionarse afectivamente con nadie más. Sin embargo, una serie de circunstancias hacen que decida, poco después, ir en busca de él, aunque quizá sea demasiado tarde cuando se entere que Toto ha sido llevado a la perrera para ser asesinado.

Al ya conocido estilo narratúrgico de Alejandro Ricaño, se suma ahora en coautoría, la vasta selección de imágenes de la actriz Sara Pinet, a quien podemos recordar por su jocoso personaje de Lola en “El amor de las luciérnagas”, del mismo dramaturgo.

Como en cada montaje dirigido y escrito por Alejandro, el resultado siempre se percibe como un hecho que complementa de manera perfecta su trabajo de dirección, aspecto que mantiene al público cautivo. Se distingue en él, un flagrante dominio de la técnica, tanto literaria, como de dirección, obteniendo así del público el resultado que se augura. También, se acredita una vez más como un habilidoso creador que tiene muy claro lo que pretende del público, hacia dónde quiere ir y el camino que debe trazar para guiar a sus espectadores hasta su objetivo. Una de las propuestas que coadyuvan a que su pretensión se vea consumada, es el conmovedor guiño musical – compuesto por David Ortíz y Ricardo Estrada – que mantiene de inicio a fin y que logra entonar la escena desde que la gente ocupa las butacas.

Contemplando el resultado en su totalidad, me atrevo a decir que es un montaje que desdeña toda ociosidad y que se ocupa de trabajar intensamente en la construcción del discurso que desea comunicar. Ser claro, conciso, emotivo e inmediato son algunos de los atributos de “Lo que queda de nosotros”.

Otro de los temas que es indispensable mencionar, por la importancia que tiene, es la realidad que viven los animales de compañía que han sido botados a la calle y que en algunas ocasiones no tienen otro destino mejor que la perrera, donde miles de ellos terminan asesinados por electrocución. Tema que confluye indirectamente con el miedo a la soledad, la necesidad de ser querido y el apego que Nata siente en varios momentos de su vida.

Finalmente, el trabajo actoral está en total consonancia con las demás partes. Sara Pinet, logra un personaje entrañable y que cautiva desde la primera línea. Raúl Villegas trabaja con varios personajes, entre ellos, Toto, el perro de Nata. Es de aplaudirse la manera en la que les da vida a cada uno de ellos.

Muchos son los valores que destacan en “Lo que queda de nosotros” la posibilidad de reflexionar acerca de lo que esperamos de nosotros mismos, de la vida, de los demás. El real significado de la vida, de la muerte, del miedo, de la perdida, del vacío y de la inmensa necesidad de amar y ser amados.

LO QUE QUEDA DE NOSOTROS
De: Sara Pinet y Alejandro Ricaño
Dirección: Alejandro Ricaño
Con: Sara Pinet y Raúl Villegas
Funciones: Sábado y domingo 13:00Hrs.
Hasta el 13 de Diciembre
Sala Xavier Villaurrutia
(Paseo de la reforma y campo marte s/n)
Costo: $80.- general

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

Facebook.com/oscaralfontana

oscar.fontana@distritoteatral.mx

UN ENGRANAJE ESCÉNICO

Para pequeñas criaturas como nosotros, la inmensidad es soportable sólo a través del amor.
Carl Sagan.

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

“Animalia”, no sólo es un documental de imágenes acerca de la vida, la evolución y la muerte; también es la presentación de la infrarealidad a través de una construcción externa de la decadencia del ser humano. En la obra de Diego Álvarez, el drama no es una referencia al mundo real, y tampoco es la que da pie a la acción de una historia, por el contrario se anula su existencia. En este trabajo se puede ver un claro ejercicio post dramático, dónde, nuevamente, la dramaturgia pierde su poder frente a las múltiples plataformas y disciplinas escenográficas. Como lo son la danza, la música, los dispositivos multimedia y escenográficos.

El dispositivo escenográfico empleado y creado por Diego Álvarez, enmarca de una manera inteligente y poética a una sociedad que se ha dejado llevar por el consumismo y, se ha envuelto en la tecnología que no entiende, pero que domina su vida; así como los rituales que a diario envuelven nuestras vidas, sólo que ahora se encuentran desacralizados y centralizados en el ritmo agobiante de las ciudades.

Es interesante ver cómo el autor también emplea la tecnología para devolverle al teatro su ritualidad, aun cuando es un crítico de una sociedad que se ha dejado dominar por ella. Gracias al dispositivo multimedia y video arte de Daniel Primo, la coreografía de Sofía Sylwin y el combate escénico de Javier Sixtos, y sus repeticiones, se crea un engranaje escénico dónde el tiempo, a través del espacio y su tridimensional, se instaura como una cuarta dimensión.

En ‘Animalia’, las palabras son en su mayoría de las veces, distractores del verdadero sentido de la obra. Las imágenes, se revelan crudas y apabullantes. Muestra al espectador la crueldad humana a la cual sometemos a nuestro planeta y todos aquellos quienes lo habitan. Así como la transformación del hombre libre, al hombre máquina. Y cómo esta máquina ha hecho el mayor genocidio jamás registrado “el genocidio animal.”

Diego Álvarez, es un joven dramaturgo, director y cerebro del grupo Principio, investigadores escénicos. En sus obras, no se muestra como profeta de una sociedad destructora, sino como testigo. A pesar de sus críticas desoladoras, siempre deja la esperanza y tiempo para el amor a la humanidad. Sin duda este grupo de jóvenes han mostrado durante su trayectoria honestidad y reflexión artística en sus trabajos. Una obra imperdible.

ANIMALIA
Dramaturgia, Dirección y Dispositivo Escénico: Diego Álvarez Robledo
Dispositivo multimedia y Videoarte: Daniel Primo.
Elenco: Gerardo Del Razo, Isaí Flores, Cut López Torres, Francisco pita, Roldán Ramírez.
Coreografía y trabajo corporal: Sofía Sylwin
Combate escénico: Javier Sixtos.
Producción ejecutiva: Giovani Gamba y César Medina.
Fotografía: Úlises Ávila

Teatro La Capilla
Madrid 13, Col. Del Carmen Coyoacán
Jueves 8:00pm
Hasta el 3 de septiembre
$150 general
$100 estudiantes, maestros e INAPAM

MÉXICO PARA LOS MEXICANOS

Identidad = realidad, como si, a fin de cuentas, todo hubiera de ser, absoluta y necesariamente, uno y lo mismo.
Antonio Machado

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

Octavio Paz, pensaba que una obra de arte o una acción concreta definen más al mexicano que las más penetrantes de las descripciones. Quizá, por éste motivo ‘Humboldt, México para los mexicanos,’ muestra de manera directa el verdadero comportamiento de nuestros compatriotas con los extranjeros y desmitifica su malinchismo. También muestra todos los trámites, requisitos y cambios existenciales que vive un extranjero que desea ser mexicano. Es aquí donde una nación comienza a dibujarse, y no por la autocrítica, sino a partir de un ojo extranjero que desea ser mexicano.

‘Humboldt, México para los mexicanos,’ es una obra escrita, dirigida y protagonizada por extranjeros. El drama narra cómo el Instituto Nacional de Migración ha convertido el examen de Historia en una tortura para los extranjeros, para frenar la ola migratoria a nuestro país; y cómo éstos deben renunciar a sus creencias, familia y patria para adoptar una nueva, la mexicana. También es cierto que la obra hace referencias obvias a Pedro Páramo de Juan Rulfo, con el fin de generar una atmósfera dónde lo muertos también tengan voz, como Humboldt, Thomas Jefferson y los propios extranjeros.

David Psalmon, quien encabeza el colectivo Teatro Sin Paredes, se ha caracterizado por una constante crítica a la sociedad y tratar de una manera utópica estas problemáticas en el teatro. ‘Humboldt…’ no es la excepción. La dirección en este montaje sitúa las piezas en su lugar. Como la unidad y equilibrio de todos los elementos en escena, como lo son: la multimedia a cargo de Daniel Primo; la escenografía de Ana Patricia Yañez, las actuaciones de Irene Akiko, Gutemberg Brito Patatiba, Adriana Butoi, Alexander Holtmann, Carla Jara Drago y David Psalmon. Sin embargo, el elemento que no permite que el ritmo de la obra muestre una absoluta coherencia es la dramaturgia. En un principio se muestra muy interesante y llena críticas acertadas hasta llegar a la parte de Wirikuta. En este punto la obra se encuentra un poco floja. Lo cierto es que debido a la dirección de David aparecen imágenes en escena que entretienen al espectador.

‘Humboldt, México para los mexicanos,’ muestra la otra cara de la moneda de los mexicanos. No somos tan amables y hospitalarios con los extranjeros, como nos gustaría creer. Generamos normas políticas y sociales donde deseamos que permanezcan marginados. Ser mexicano no es un color de piel o un pedazo de tierra; es un conjunto de ideas polarizadas entre ellas que se encuentran en la búsqueda de su identidad.

Humbolt
Dirección: David Psalmon.
Dramaturgia: Ernesto Anaya Ottone.
Escenografía: Patricia Yañez
Actuaciones: Irene Akiko, Gutemberg Brito Patatiba, Adriana Butoi, Alexander Holtmann, Carla Jara Drago y David Psalmon.
Multimedia: Daniel Primo.
Teatro Santa Catarina.
Jardín Santa Catarina 10, Coyoacán.
Hasta el 21 de junio
Jueves y viernes 8:00pm, Sábado 7pm y domingo 6pm
Foto: Teatro Unam

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

SER MUJER EN MÉXICO
Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

“Roberta y las otras chicas del montón”, es un espectáculo drag-cabaret donde el humor ácido y crítico permite una profunda reflexión acerca de nuestra política y sociedad mexicana. Estas reflexiones tienen como eje central una pregunta sencilla: ¿qué significa ser mujer en un país como México? El primer personaje Alicia, haciendos referencia obvia al personaje de Disney, es una crítica de cómo las películas animadas han creado el imaginario femenino. Paulatinamente, Roberto Cabral nos va presentando personajes femeninos que se encuentran en búsqueda de su feminidad y su identidad. Lentamente va demostrando que no tiene nada que ver con lo establecido por los medios de comunicación.

El viaje por personajes femeninos, nos muestra la vulnerabilidad de algunas mujeres por creer en todas estas historias de fantasía, las cuales, las televisoras más importantes de nuestro país, Televisa y Tv Azteca, han querido crear como una realidad. Por ejemplo, la sirvienta que se vuelve rica por sólo ser hermosa y el patrón se enamora de su noble corazón, no de su inteligencia.

Roberto Cabral, toca fibras muy humanas donde todos, sin importa cuál sea nuestro género o sexualidad, nos sentimos identificados. La pregunta: ¿qué significa ser mujer en una sociedad actual? tiene como trasfondo preguntarnos qué significa la libertad.

“Roberta y las chicas del montón” te llevará por una montaña rusa de emociones. Es una obra imperdible con un final conmovedor.

Roberta y las chicas del montón
Autor: Luis Roberto Morales Cabral
Dir. Ana Francis Mor
Interprete: Roberto Cabral.
Jueves, 8:30 pm
Foro A poco No.
República de Cuba 49, col. Centro.
Hasta el 23 de julio

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

POLICROMÍA PSICOLÓGICA
Por Óscar Alberto Fontana (@fontanaoscar)

Resulta apasionante el estudio del universo que existe en la mente de cada ser humano y la forma en la que conectan sus pensamientos, ideas, emociones, sensaciones, etc. Sin embargo, son pocos quienes acuden a terapia y ponen a disposición del psicoanalista sus más fieros monstruos.

En psicoanálisis, la transferencia es una herramienta indispensable para el analista. Mediante ésta el paciente traslada inconscientemente en sus nuevas relaciones, sus antiguos sentimientos, afectos, expectativas o deseos que ha reprimido.

Basado en ello, surge: “Criminal”, obra del dramaturgo argentino Javier Daulte, que cuenta la historia de una pareja en crisis y cómo sus respectivos analistas, deciden romper la confidencialidad para evitar que un crimen sea perpetrado. La inquietante anécdota se desarrolla entre caos y enredos amorosos protagonizados por estos neuróticos personajes.

La estructura del texto propone algunos saltos de tiempo para efectos referenciales. Con base en ello, la dirección de Sebastián Sánchez Amunátegui presenta escenas simultáneas que implican (en ocasiones) a dos personajes, pero sin que los otros se mantengan ajenos en reacción. Esto logra que la obra se instale en una convención de situaciones “absurdas”, que finalmente concluyen en un tono bien determinado.

En apoyo al trabajo de Sánchez Amunátegui, Auda Caraza y Atenea Chávez (diseño de escenografía) plantean un muro blanco plagado de perforaciones que crea un ambiente mórbido e inestable. Amén de la atractiva estética que se consolida con las esculturas abstractas que forman parte activa en el desarrollo de la obra. Finalmente incluyen a su trabajo, un par de divanes en colores neutros que resultan imprescindibles para montaje.

La exitosa construcción de los personajes establece una clara diferencia entre cada uno, aspecto que equilibra la escena. Es loable el trabajo de los cuatro actores e incuestionable la relación que establecen con el texto.

“Criminal” resulta ser una obra que se hunde en tonos azules, que transita por los tonos rojos – gracias al diseño de iluminación de Matías Gorlero- y que juega con la policromía psicológica. Es un montaje que hace malabares con todos sus elementos y recursos para finalmente recrear al público la estructura de su propio pensamiento.

CRIMINAL
Dramaturgia: Javier Daulte.
Dirección: Sebastián Sánchez Amunátegui.
Elenco: Moisés Arizmendi, Arap Bethke, Fernanda Borches, Juan Martín Jáuregui
Centro Cultural San Ángel
Av. Revolución 1733 esq. Francisco I. Madero.
Corta temporada
Viernes 20:45Hrs.
Sábado 18:30 y 20:00Hrs.
Domingo 17:30 y 19:00Hrs.
Boletos $380.- $300.- $200.-

* Actor / Dramaturgo / Teatrista
Facebook.com/oscaralfontana

DORMIR SIN SOÑAR

Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

Migrar, con un sueño bajo el brazo como único patrimonio, irse y dejar atrás con un desgarramiento todo lo que se ha conocido hasta el momento, todo lo que se ha amado… ¿Por qué se van los que se van y qué es lo que viven allá en esos países mejores donde la justicia es accesible y se bebe el agua directamente del grifo?

Juana in a million es la odisea de una joven michoacana que trata de salir adelante en el Reino Unido sin saber inglés y sin más apoyo que la recomendación de una conocida de su pueblo. Su historia que es -como el título lo indica- la de millones de personas es una tragedia que se construye frente a sus ojos azorados y los del espectador al mismo tiempo.

Juana in a million es un trabajo diferente: mezcla de danza, monólogo, leyenda y alegoría es una puesta que ha movido corazones dentro y fuera de nuestro país y esta nueva temporada ofrece además el encanto de tener un músico en vivo, creando los efectos y la música.

Esta obra elaborada y montada en su totalidad por Vicky Araico (dramaturgia y actuación) y Nir Paldi (dramaturgia y dirección), se hizo acreedora al Premio Fringe First del Festival de Edimburgo 2012, así que vale la pena aprovechar la ocasión de conocer los motivos por los que tanto se habla de ella de ambos lados del océano.

Hasta el 31 de mayo
Viernes, 20 hrs. Sábados, 19 hrs. Domingos 18 hrs.
Teatro Sergio Magaña
Adolescentes y adultos
$200. 30% de descuento a maestros, estudiantes e INAPAM

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

www.facebook.com/artemisa.tellez
www.facebook.com/LibrosdeArtemisaTellez

UNA OBRA EXCEPCIONAL

Siempre he tenido poco talento para la felicidad
Samuel Beckett
Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

La obra se divide en dos actos, en los cuales dos vagabundos Vladimir y Estragon esperan a Godot. En cada acto los acompaña Pozzo y Lucky, que bien pueden ser una referencia actual al capitalismo y la falta de empatía por los seres humanos. Poco podríamos decir de la obra de Beckett que no se haya dicho antes. Sabemos que esta obra fue la que lo llevó a la fama. También se ha dicho que llevó a cabo la imposibilidad teórica: un drama en el que nada ocurre, que sin embargo mantiene al espectador pegado a la silla. Lo que es más, dado que el segundo acto no es prácticamente más que un remedo del primero, Beckett ha escrito un drama en el que, por dos veces, nada ocurre.

La joven compañía que lleva a cabo la empresa de montar un clásico en el teatro, El Coro los Otros, fue creada en el 2009 por egresados del Centro Universitario de Teatro (CUT UNAM). Su invitación es ver puestas en escena con un discurso que responda a las necesidades artísticas que nacen a partir de un contexto social actual. Lo cual hacen con inteligencia y talento.

En el trabajo de la compañía en esta obra existe pulcritud escénica. A pesar de que se escribió en 1940, José Caballero, director de la puesta en escena, traduce con maestría el texto de Beckett, mostrándose provocador y actual. Casi al final del primer acto, la locura del personaje Lucky, desquicia, no sólo a los personajes, sino también al espectador que sale del foro para no regresar más, respondiendo así a la naturaleza del arte: provocar, incomodar…

En las actuaciones quiero hacer una pausa y reflexionar acerca del trabajo de estos intérpretes. Eric Bentley, nos dice que “el poeta trágico se halla perturbado en los más hondo de su ser y nos participa su perturbación. Y una tragedia no surte efecto sino comunica su máxima potencia, si no tiene para transmitir la perturbación semejante.” Evocando el espíritu del Shelley, poeta inglés, el fin moral de un actor (artista) es elevar sus vivencias, a través de la interpretación, para llevar al corazón del espectador sus antipatías y simpatías. Lo que estos cuatro intérpretes hicieron.

Ahora, el conjunto de ‘Esperando a Godot’ interpretada por la compañía, El Coro de los otros, es una obra sobresaliente. Parafraseando a Meyerhold, una obra se vuelve excepcional, en gran medida por sus ideas profundas, por su visible polémica y porque trata de persuadir al público. Todo esto es ‘Esperando a Godot’, que por su naturaleza dramática es excepcional y se complementa con el trabajo de sus intérpretes.

Dramatugia: Samuel Beckett
Traducción y dirección: José Caballero.
Compañía: El Coro de los otros.
Intérpretes: José Antonio Becerril, Alejandro Toledo, Patricia Yañez y Luis Arturo García.
Dónde: Foro La Gruta. Av. Revolución 1500 col. Guadalupe Inn
Cuándo: Miércoles 20:00 hrs.

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

LO SUBLIME Y SURREALISTA

Todo lo más vil se tiene que sublimar.
Salvador Dalí

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice*

La historia del telón de Dalí resulta fascinante, surrealista. Sólo los grandes artistas son capaces de volverse en mito después de su muerte. La pieza fue creada en 1944 por Salvador Dalí en Nueva York para su versión “Tristán e Isolda”. El telón se encontraba abandonado en una caja de madera y fue descubierto en un teatro 60 años después. La fundación dueña de éste telón, decide mantener el anonimato y buscar a Finzi Pasca, director de la compañía que lleva su nombre, para expresarle que puede utilizarlo para su siguiente obra. Así es como nace ‘La Veritá’.

Además del telón, Finzi, toma los últimos años de vida del Salvador Dalí para crear la obra. Ya que según el propio autor es la parte más desconocida del pintor, pero más interesante. ‘La Veritá’ es el recorrido ante el pensamiento místico, científico de este gran genio. Quien para poder crear su personalidad desarrolló una idea de lo que Dalí era, ante él, su familia y el mundo. Todo esto para diferenciarse de su hermano mayor, quien murió unos días antes de su nacimiento, sus padres en una negación de la muerte, deciden nombrar al segundo vástago del mismo modo que el primero: Salvador.
En ‘Diario de un Genio’ Dalí dice: “Me creí muerto antes de saberme vivo. Los tres Salvadores que se enviaban sus imágenes como tres espejos –-uno de ellos Dios crucificado, conjuntado con el otro que era un muerto y el tercero que era un padre imperialista —me impedían vaciar mi vida en un molde tranquilizador, e incluso añadiría que me impedían ser yo mismo. (…) Había perdido la imagen de mi ser, me la habían robado; yo no existía sino por delegación y sustitución” Toda está frustración llevó a gran genio a sublimar su existencia vil representada en cuadros y escritos prolíficos.

Sin duda, Finzi, ha hecho una reflexión profunda del pensamiento y obra de Dalí. Ello queda reflejado en la idea de la teoría de la incertidumbre de Heisenberg, en teatro. Idea que persiguió a Dalí toda su vida. Heisenberg, establece la imposibilidad de que determinados pares de magnitudes físicas sean conocidas con precisión arbitraria. Si esto lo traducimos en el trabajo de Finzi, quiere decir que la realidad no puede ser apreciada en su totalidad, sino desde el punto de vista del espectador. Para ver esto en escena, Finzi, ha dibujado pequeños cuadros dentro de un gran cuadro. Por lo tanto podemos apreciar pequeños detalles que nunca se han separado de una gran estructura. Lo cual nos lleva a la J. D. Watson y F. H. C. Crick, quienes en 1953 publicaron “Molecular structure of nuclear acids”, esta publicación provoca en Dalí un nuevo cambio en su pensamiento y es la prueba de que Dios existe. En una entrevista el genio dice acerca del ADN: “Creo que desde la primera molécula viviente, hasta la última, la más excremental, todo se transmite ineluctablemente genéticamente. Según la estructura del ADN.”

Finzi ha creado un sueño pitagórico donde la ciencia, la música, la actuación y el arte circense se vuelven uno. Nos incita a la revelación de un sueño, el cual se encuentra unido a una realidad llamada arte, donde lo sublime, palabra que a Dalí fascinaba, se vuelve un acto tangible. Al menos por un instante, Finzi y su compañía, generan una tregua con la muerte, donde el éxtasis de la contemplación de esta gran obra, nos recuerda que pueden coexistir la mística de Dios y el amor.

Dónde y Cuándo: Cuernavaca, Morelos: 10 y 11 de abril, Teatro Morelos
Guanajuato, Guanajuato: 17 al 19 de abril, Teatro Bicentenario
Ciudad de México: 30 de abril al 17 de mayo, Teatro de la Ciudad Esperanza Iris
Guadalajara, Jalisco: 20 al 22 de mayo, Teatro Diana
Escrito y dirigido por Daniele Finzi Pasca.
Producción: Compañía Finzi Pasca.

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.