RECOMENDACIONES PARA VIAJAR
Por Mireya Flores Marín* (@MireyaFloresM)

Hay dos tipos de personas: quienes viajan ligero y quienes cargan hasta con el perico; y es que, ¡qué difícil es hacer una maleta!

Los que saben viajar ligero y llevan consigo “sólo lo necesario”, merecen presumir lo práctico y cómodo que resulta, pero, ¿no se han enfrentado a situaciones donde la diferencia la habría hecho el llevar un cortaúñas, un par de zapatos más, un suéter, o la pomada mágica y multiusos recomendación de su abuela? Entonces, ¿quién nos dice qué es lo necesario?, ¿acaso no tenemos climas impredecibles, accidentes, encuentros inesperados y cambios de planes?

Por otra parte, los otros, los que no saben hacer maletas y empacan de todo, “por si acaso”, terminan pagando cuotas por exceso de equipaje y estorbando donde quiera que van con tremenda maleta; eso sin mencionar el posible dolor de espalda y el súbito coraje hacia ese objeto cuadrado que hace menos disfrutable el viaje. Ah, pero eso sí, cuando el clima cambia repentinamente, con certeza sonríen al extraer de la maleta ese querido suéter de lana, ese que llevaban “por si acaso”.

Pertenezcas a uno u otro grupo, disfrutarás “Exceso de equipaje”, una obra escrita por Alberto Castillo y dirigida por Pilar Cerecedo. La obra plantea una analogía entre lo mucho que puede caber en una maleta y nuestras vidas; pensemos que ambas son contenedores de historias, secretos, despedidas, alegrías, duelos y destinos.

La dramaturgia elige como hilo conductor el equipaje. Resulta sumamente interesante cuántas historias pueden contarse alrededor de la banda de equipaje. Así, se construyen quince microdramas que en contextos diversos, situaciones cotidianas y con personajes cercanos, nos narran sobre el amor y el desamor, sobre bienvenidas o despedidas, sobre encuentros, dolencias, venganzas y aventuras. Todo ello con el ingenio necesario para presentar a cada una de estas historias en su clímax, en el meollo del asunto y que esto no cause conflicto o confusión al espectador.

Pilar Cerecedo ha elegido esta obra como su primer montaje. Propone una puesta en escena sencilla, donde la atención esté en los actores y no en los artificios a su alrededor. Consigue una obra con un ritmo fluido, aunque me parece pueden atenderse las transiciones de una escena a otra, ya que se percibe la ruptura entre la ficción y la realidad al cambiar de historias; fuera de ello, los tonos son cuidados para llevar al espectador por momentos dramáticos, cómicos, e incluso absurdos.

Los actores de esta puesta en escena son Romina Coccio y Miguel Conde, quienes tienen la responsabilidad de dar vida a quince personajes, cada uno, con sus diferentes rasgos físicos, psicológicos y emocionales. El reto es cumplido con atento detalle en la construcción desde el interior y no desde la apariencia; logrando, incluso, que sea innecesario apoyarse en el vestuario, elemento que además resulta fallido tanto en su función práctica como para caracterizar a los personajes.

La escenografía diseñada por Hazam Díaz, traza por medio de una banda de equipaje, construida de madera, los múltiples destinos por los que transita cada historia, recordándonos que la vida es un continúo movimiento, y cada quien decide qué y cuánto llevar a su destino. Los elementos de utilería son mínimos destacando, obviamente, la maleta por un rol central.

De una forma muy franca “Exceso de equipaje” nos propone que si la vida es un viaje continúo debemos saber elegir qué cargamos, qué llevamos en nuestro equipaje: sólo lo necesario o de todo, por si acaso. Emociones, objetos, personas, momentos, etcétera, todo tiene un peso sobre nosotros y nuestro destino.

Exceso de equipaje
Dramaturgia: Alberto Castillo Pérez
Dirección: Pilar Cerecedo
Actúan: Miguel Conde y Romina Coccio
Martes 20 hrs. Hasta el 13 de abril 2015.
Teatro La Capilla
Madrid 13, Col. Del Carmen Coyoacán.

*Mireya Flores es Máster en Artes Escénicas por la Universidad de Vigo, España; tiene un posgrado en Políticas y Gestión Cultural con la especialidad en Producción y Difusión de Espectáculos Escénicos por la Organización de Estados Iberoamericanos (OEI) y la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM); es Licenciada en Ciencias de la Cultura por la Universidad del Claustro de Sor Juana. Además, tiene formación en danza y en teatro.

LA INCÓMODA VERDAD QUE AVERGÜENZA

Por Xósem Amero (@xosemamero)*

En toda familia hay verdades que dan vergüenza. Al indiscreto es mejor encerrarlo en su cuarto cuando hay visitas. La incoherente sensatez que incomoda a propios puede ahuyentar a extraños. Quitar máscaras, ver el mundo a través de otros ojos es un juego peligroso. Si nadie te pregunta, es mejor no decir lo que piensas. Al final, la gente podría confundirte con: el loco y la camisa.

Nelson Valente, joven dramaturgo argentino, escribe una divertida obra de crítica social. Expone la hipocresía y carencias de una familia de clase media baja cuyos miembros se debaten entre el conformismo y las apariencias. Una historia con los típicos personajes: el padre machista, la madre abnegada y la joven hija profesionista que ama su familia, pero al mismo tiempo se avergüenza de su realidad. El detonante de la trama es el joven novio de la chica, un exitoso abogado sin escrúpulos, que va de visita por primera vez a casa de la muchacha para conocer a sus padres. El ingrediente que pone todo de cabeza es el otro hijo de la familia, un chico enfermo mental que lleva las cosas al extremo durante la reunión.

Ignacio Riva Palacio es Beto, el loco. Su personaje es el eje sobre el que gira la obra y lo desempeña de forma sobresaliente. En ningún momento se olvida de mantener su expresión corporal: el movimiento de sus manos, los repentinos cambios en el tono de voz y el contraste al cambiar su punto de atención. Su mirada abstraída en algunos momentos hace recordar aquel gran personaje, Raymond Babbitt, interpretado por Dustin Hoffman en la película Rain Man. El resto del elenco complementa al protagonista con actuaciones a la altura para llegar en conjunto a un resultado de muy buen nivel.

Ignacio también se encarga de la adaptación que requiere la obra para situarla en el contexto de la Ciudad de México. La dirección corre a cargo de Sebastián Sánchez Amunátegui, quien encamina a los actores hacia una correcta interpretación de sus personajes. Por momentos la excesiva neurosis de Maripí resulta un tanto exagerada y contrasta con el acartonamiento de Mariano. De cualquier forma, no rompen con la coherencia de la puesta. La disposición del escenario debe adaptarse a las características del foro. Los diferentes ángulos de visión que tiene el público hacen inevitable que muchas veces los actores se tapen unos a otros. Como detalle en la dramaturgia, la aparición de un arma en el primer acto es una promesa no cumplida que se queda en el aire.

“El loco y la camisa” es una obra inteligente que, aparte de hacer reír, hace pensar al público. Un espejo de la sociedad donde a veces es incómodo reflejarse. Una exposición de esas desagradables verdades que cada familia prefiere esconder debajo de la alfombra para guardar las apariencias. No siempre lo lindo es interesante, pero muchas veces lo interesante no es el mejor tema para una conversación familiar.

El loco y la camisa
De: Nelson Valente
Dirección: Sebastián Sánchez Amunátegui
Con: Emilio Guerrero, Verónica Langer*, Ignacio Riva Palacio, Sonia Couoh, Manuel Balbi y Mercedes Olea*.
* Alternan funciones.

Foro Lucerna
Lucerna #64. Col. Juárez.
Viernes 21:00 hrs, sábado 19:00 hrs y domingo 18:00 hrs.
Sólo en enero.

*Xósem Amero es egresado del ITESM. En la actualidad toma el diplomado de creación literaria en la Sogem. Escribe novela, dramaturgia, guión y ensayo. En las mañanas suele correr por el bosque, en las tardes se transforma en escritor.

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UNA MIRADA ÁCIDA AL STAR SYSTEM

Por: Pablo Iván García (@garciapabloivan)*

La afortunada combinación entre un libreto inteligente, una dirección armoniosa y un elenco de gran talento, hace de “Rosa Mexicano” un montaje de visita obligada. Reiniciando su segunda temporada en el Teatro Helénico, este recinto resulta el escenario ideal para una aguda crítica a la fangosa estructura social de nuestro país y su complejo sistema de entretenimiento televisivo.

Luis Ayhllón (México, 1976) corrobora su capacidad como dramaturgo, al hilvanar una historia excepcional, repleta de diálogos precisos, pensados para la narración y la ejecución de la acción dramática, pero también empapados del más coloquial de los lenguajes de la ciudad de México. El público encontrará en voz de los personajes expresiones certeras, cargadas de un humor oscuro, muy fino, que embonan perfectamente con el tono general de la obra: una comedia/thriller de corte fantástico.

Flor (Gimena Gómez) es una chica que pasa todas las tardes de pie, afuera de la televisora más grande del país, esperando conocer a los intérpretes de sus programas favoritos. Inicia casualmente una furtiva relación con el renombrado actor de telenovelas Luis Vivanco (Rodrigo Virago). Esta unión dará pie a una exploración realmente impresionante de la ideología que permea nuestra cultura. ¿Qué es lo mexicano? ¿La confrontación permanente de clases?

Gimena Gómez encarna poderosamente a la jovencita ingenua, con sueños frívolos, representante de una clase social hundida en la comodidad del televisor, sin vía de acceso a ninguna aspiración intelectual. En el universo de “Rosa Mexicano” conviven orgánicamente la fantasía pueril (el reino donde existen las princesas, las hadas y los lobos feroces), con la religiosidad del mexicano (concretamente, nuestra devoción por la virgen de Guadalupe), así como el show biz televisivo, encumbrado en Lomas de San Ángel Inn.

El elenco es realmente destacable, porque la elección de algunos actores jóvenes egresados de las escuelas de Televisa (CEA) y TvAzteca (CEFAC), para los personajes inmiscuidos en la propia televisión -dentro de la historia-, refuerza la mirada irónica y ácida del experimentado director Martín Acosta hacia nuestro star system. Igualmente plausible la escenografía de Julia Reyes Retama, que deslumbra, es vistosa, pero también resulta funcional en todas las escenas.

Fundamental el trabajo de iluminación del siempre fiable Matías Gorlero, así como el diseño de vestuario de Fernanda García y el planteamiento sonoro de Xico Reyes, para lograr atmósferas verdaderamente siniestras. Complementan el reparto Aida López y Francisco Cardoso, quienes ejecutan secuencias memorables, como aquella donde un par de zorros hambrientos, padres de familia, están en pleno ataque contra una chica indefensa.

ROSA MEXICANO
Escrita por: Luis Ayhllón
Dirección: Martín Acosta
Elenco: Gimena Gómez, Aida López, Rodrigo Virago y Francisco Cardoso.
Teatro Helénico
Av. Revolución 1500, Col. Guadalupe Inn
Del 9 de enero al 15 febrero de 2015
Viernes 20:30, sábados 18:00 y 20:30, domingos 18:00 hrs.

* Dramaturgo. Conduce el programa Mucha Mierda en www.puentes.me

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MURO DE LOS LAMENTOS
Artemisa Téllez*

¿Que es un muro? ¿Para qué sirve si no construye, si no da sombra, si no resguarda del frío?

La construcción de una inmensa pared de roca cambia completamente el ambiente, la vida, el paisaje y la historia de seis niños que estudian juntos en una escuela en la frontera entre México y Estados Unidos. Sus voces y las de sus madres construyen un retrato genuino y poético de la situación de nuestro país frente a la flagrante xenofobia de nuestro vecino del norte.

Escrito in situ por la dramaturga francesa Suzanne Lebeau y dirigida con gran sensibilidad por Sandra Rosales, Frontera norte agrada por su sencillez y enamora por su ternura.

Frontera norte es un canto coral que da voz a los niños, a su visión diáfana y esperanzadora; a su prematura decepción… Es una invitación a hablarles con la verdad de este mundo en el que viven y una herramienta de fortalecimiento y empatía para públicos de todas las edades.

Frontera norte
Hasta el 14 de diciembre
Sábados y domingos, 13 hrs.
Centro Cultural Carretera 45 Teatro
Foto: Héctor Ortega

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

CUANDO EL FUTURO NOS DESTRUYA

Por Xósem Amero (@xosemamero)

Imagina que tu vida rutinaria está por cambiar. Un día cualquiera, podría ser hoy, te avisan que el fin del mundo está por llegar. Un gran terremoto se aproxima y amenaza con destruir la civilización tal cual la conoces. Qué hacer. A dónde ir. Cómo piensas pasar las últimas horas de tu vida. Miras a tu alrededor la gran ciudad que hormiguea con sus millones de habitantes. Todos similares en estilo de vida, con prisas, preocupaciones cotidianas. Nadie se detiene un momento a pensar en cuan pequeña es la existencia del humano en tiempo y dimensión si se compara con la grandeza del mundo o la inmensidad del universo. Te sientes minúsculo en un mar de gente y te preguntas: cómo no estar solo.

Dos personajes deciden irse al bosque, alejarse a cien kilómetros de la civilización. Quieren ver de lejos el fin de la humanidad. Aprovechar los últimos días para escribir un libro que tal vez nunca nadie vaya a leer. Una historia que cuente la vida de una pareja en ese mundo que está condenado a la destrucción. Dos historias, una real y otra ficticia, que poco a poco se empiezan a entremezclar. La línea que separa a la realidad de la ficción se difumina. Todo parece indicar que lo único cierto es el cataclismo por venir.

Juan Carlos Franco escribe una obra que invita al público a hacer su propia interpretación de lo que sucede en el escenario. Todo gira en torno a la pregunta ¿qué hay después? Qué tan consciente está el espectador de la fragilidad de todo cuanto lo rodea. La rutina, el futuro, el mundo, la vida misma. ¿Acaso es necesario hacer sonar la alarma sísmica para despertar al ciudadano del letargo en que vive? Tal vez ni eso alcance.

Cada función tiene su matiz diferente, pues la pareja de actores que la representa es variable. Los participantes se la juegan a la suerte de piedra, papel o tijera. La compañía Sí o sí teatro, bajo la dirección de Martha Rodríguez, redondea una propuesta teatral diferente y que invita a ver la realidad desde otro punto de vista. El uso de iluminación y sencillos recursos en producción dan por resultado algunas buenas imágenes que logran transmitir sensaciones y emociones a los espectadores.

Cómo no estar solo es una puesta en escena digna del teatro independiente mexicano que camina con paso firme en un entorno de país cada vez más complicado. Una opción para la juventud que busca alternativas y necesita entender su lugar en medio del caos.

Cómo no estar solo
De: Juan Carlos Franco
Dirección: Martha Rodríguez Mega
Con: Laura Loredo / José Pescina y Citlalli Jiménez / Zabdi Blanco
Foro A poco no
República de Cuba #49. Centro.
Del 5 al 21 de diciembre.
Viernes, 20:30 hrs; sábado, 19:00 hrs y domingo, 18:00 hrs.
Fotografía: Lía Rueda

*Xósem Amero es egresado del ITESM. En la actualidad toma el diplomado de creación literaria en la Sogem. Escribe novela, dramaturgia, guión y ensayo. En las mañanas suele correr por el bosque, en las tardes se transforma en escritor.

EXPERIMENTO FALLIDO
Por: Pablo Iván García (@garciapabloivan)

Con el pretexto de mostrar los resultados de un reporte de tendencia de hábito para 2050, la boutique de Trendhunting Leonardo 1452 se embarcó en la temeraria labor de montar una “obra de teatro”. El producto final es lamentable, sobre todo porque el Foro 37 promete mucho como centro cultural.

“Teté, la mamá del futuro”, más que una obra de teatro, resulta un experimento soso, sin estructura; una especie de sketch sin apuesta, que peca de autocomplaciente. Para colmo, la historia pretende ubicarse en un futuro cercano, en el México del año 2050.

La brevísima anécdota presenta a Teté, de 35 años de edad, durante un día de visita en casa de sus padres. Carente del más mínimo interés en términos dramáticos, esta larguísima escena de 45 minutos ayuda, según sus creadores, a mostrar las tendencias de consumo de las madres, tanto en el presente, como en una perspectiva a corto y mediano plazo.

La obra no está sino plagada de lugares comunes sobre las mujeres “modernas” (comida orgánica, intensa vida laboral), chistes burdos sobre temas de política trasladados a un futuro improbable (Belinda y Gael García convertidos en funcionarios públicos), así como la intolerancia del padre de Teté, Jorge, hacia los cambios de estereotipos.

Las actuaciones -sobre todo la de Jorge Salinas Miller- son frívolas, adolecen de cualquier rasgo de dirección escénica. Los tópicos por los cuales discurren los personajes van de Facebook a la serie televisiva Breaking Bad, pasando por dispositivos portables para realizar biometrías hemáticas, haciendo parecer que el libreto de este montaje es en realidad un texto improvisado por los actores, minutos antes de la función.

La puesta en escena es tan pobre que, a la nulidad dramática del texto, se agrega la tediosa reiteración de los mismos trazos, una y otra vez, por parte del elenco. Si usted desea ver un espectáculo con los mínimos criterios de profesionalismo, debe dejar a “Teté, la mamá del futuro” para otra ocasión.

TETÉ, LA MAMÁ DEL FUTURO
Escrita y dirigida por: Leopoldo Silberman
Elenco: Dánae Bonavides, Jorge Salinas Miller, Xuna Primus y Montserrat Chico
Foro 37, Casa de Cultura
Londres 37, Col. Juárez
Miércoles 10 diciembre, 20:00 hrs.
$200.00 (150.00 estudiantes e INAPAM)

El pasado explica el presente.
Por Xósem Amero (@xosemamero)*

Te han dicho que el tiempo lo cura todo. Sin embargo, a veces te detienes a reflexionar y encuentras lagunas en tu propia historia que quisieras llenar con la verdad. La verdad que te diga quién eres, por qué eres así. Esa que habita en otro tiempo, en el pasado. El mismo que ha quedado enterrado. Tú no quieres seguir el camino sin conocerlo. Te envenena la ruta y te sientas cansado en tu dolor. Buscas ahí el sentido de la vida. Hay tantas personas como historias, pero el sufrimiento es tuyo y de nadie más. Entonces decides arriesgarte. Por más loca que parezca la idea, vas a tomarla. Que venga el pasado a explicarte el presente. Lo que es, lo es por lo que fue y será ahora cuando vuelva a ser; aunque a lo mejor ya no pueda ser lo que fue: Ex

Aparece Pedro de Tavira en escena. Viste elegante, muy elegante. Es un distinguido presentador que sorprende al solicitar un voluntario para la escena de apertura. La gente en su mayoría duda. Nunca falta un valiente que acepta la invitación. Sube, recibe unas pocas indicaciones y acción. Así arranca la obra. Un brillante recurso con el cual capta por completo la atención del público

Gabriel Calderón, joven escritor uruguayo, multipremiado, propone una obra con múltiples saltos en el tiempo. Es como una montaña rusa. Se sube al presente, se baja al pasado inmediato, de vuelta arriba para después afrontar una larga pendiente de bajada a un lejano tiempo ya enterrado. Los brincos temporales de la obra terminan por ensamblar, de forma exitosa, una historia cuyo origen se encuentra veinte años atrás. Una mezcla de tragedia, realidad cotidiana y fantasía con toques de farsa, ironía y humor negro. El dramaturgo, a pesar de que apenas supera los treinta años, ya tiene un extenso catálogo de obras que han sido traducidas a varios idiomas y puestas en escena en muchos países de Latinoamérica y Europa. Su estilo es fresco, valiente.

La obra gira alrededor de una desmembrada familia. Valentina Sierra es Ana, una joven que busca la verdad para entender el porqué de la desintegración de su familia. Gabriela Murray es Graciela, la madre de Ana. Su personaje es el más potente y causa hilaridad en el público. Es una mujer neurótica y mal hablada a más no poder. Por momentos raya en lo grotesco, lo cual amplifica su efecto. Es imposible no conectar con ella y relacionarla con alguien conocido. Si bien es cierto que el personaje es un tanto cliché, estereotipo, se pasa por alto por la valiosa aportación al tono fársico de la obra.

Es la cena de Navidad. Tadeo, el novio de Ana, un muchacho genio que piensa que amar es decir, tiene preparado un plan, un experimento. Reunirá a la familia de su novia para que ella pueda hablar con todos: con su madre, con su padre, con sus abuelos. Que le expliquen el pasado para que pueda conocer el porqué de tantas cosas que nunca ha entendido. Sergio Bonilla es Jorge, el papá, un personaje donde pasado y presente colisionan al intentar hablar. Junto con los abuelos, alejados por una desconexión forzada, la cena se convierte en una gritería, un caos.

Falta aún la cereza del pastel. El tío José, el prisionero anhelo de libertad que por fin encuentra una rendija por donde escapar, el giro final de la obra. Telón. Hora y media de función que se va como agua entre las manos. Aplausos, aplausos. La risa deja lugar a la reflexión. Tres temas para comentar y meditar más tarde, en la soledad del descanso: el pasado, la familia y la libertad.

Fotos cortesía de: Lía Rueda

EX
Autor: Gabriel Calderón
Dirección: Fernando Bonilla
Elenco: Sergio Bonilla, Pedro de Tavira, Regina Flores Ribot, Mario Monroy, Gabriela Murray, José Carlos Rodríguez y Valentina Sierra.
Teatro Benito Juárez
Villalongín 15, Col. Juárez.
Del 21 de noviembre al 14 de diciembre
Viernes, 20:00 hrs. sábados, 19:00 hrs. y domingos 18:00 hrs.

*Xósem Amero es egresado del ITESM. En la actualidad toma el diplomado de creación literaria en la Sogem. Escribe novela, dramaturgia, guión y ensayo. En las mañanas suele correr por el bosque, en las tardes se transforma en escritor.

BANALIDADES Y TRASTORNOS
Por: José Manuel Lira C.* (@jomalira)

“Limítrofe” está compuesta por cinco monólogos donde, a través del humor, veremos algunos problemas de la sociedad actual, como son: el consumismo, la banalidad, la desinformación, la discriminación, la soledad, entre otros.

Se trata de cinco fragmentos llevados a escena por distintos actores, cuyos comentarios clasistas, sexistas y racistas identificarán al público con situaciones de la vida cotidiana. Como el título de la obra lo indica, los personajes sufren un trastorno límite de la personalidad, aunque en realidad se representan actitudes que todos llegamos a tener cuando el enojo, la desesperación y la frustración se apoderan de nosotros.

Destaca en este montaje el colorido vestuario, que cambia por completo cada escena. “Limítrofe” cuenta con las actuaciones de Francisco Rubio, Laura de Ita, Juan Ríos, Verónica Toussaint, José Carlos Femat y Daniela Zavala, dirigidos por Ignacio Flores de la Lama.

LIMÍTROFE
Dirección: Ignacio Flores de la Lama
Elenco: Francisco Rubio, Laura de Ita, Juan Ríos, Verónica Toussaint, José Carlos Femat y Daniela Zavala
Foro del Tejedor
Álvaro Obregón 86, Condesa
Domingo 18:00 hrs.
$200.00
Hasta el 7 de diciembre

* Licenciado en Comunicación Social (UAM-X), actualmente estudia la licenciatura en Actuación (ENAT/INBA). Blog personal: expectativateatral.wordpress.com

Retrato de una polémica

Artemisa Téllez*

¿Qué significa ganar el nobel de literatura? ¿Qué significó para Octavio Paz? ¿Cuáles fueron sus emociones, sus sentimientos, sus deseos, sus temores? ¿Creía que lo merecía? ¿Qué decía su discurso de agradecimiento? ¿Qué cenaron esa noche en la famosa gala de Estocolmo?

Una mirada emocional e intimista a la personalidad y figura de uno de los autores mexicanos más trascendentales y odiados; un hombre polémico cuyo destino estuvo inefablemente ligado al de nuestro país en la noche más importante de su carrera.

Un monólogo excitante en un escenario inusitado: Octavio Paz nos es presentado en toda su humana complejidad, en su pequeñez y grandeza por un narrador que a ratos usurpa su personalidad, pero que no lo representa.
Con la espléndida actuación de Waldo Facco bajo la dirección de Omar Quintana, este micromonólogo original de Ro Banda es un espectáculo gigantesco que será difícil de olvidar.

PAZ
Hasta el 1o de noviembre
Sala 13
Cada quince minutos a partir de las 21 hrs. los jueves y viernes, de las 20 los sábados y de las 19 los domingos
Adolescentes y adultos
Roble 3, Santa María la Ribers
$60

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

UN NIÑO, UN PERRO Y UN MONSTRUO HORRIPILANTE
Por: José Manuel Lira C.* (@jomalira)

Un niño llamado “Yo” desea tener un hermanito, por lo cual sus padres deciden regalarle… un perro. Exceptuando este detalle, Yo tiene una buena relación con sus progenitores: comunicación, afecto, respuestas a sus inquietudes infantiles. Los padres intentan resolver sus cuestionamientos, pero, por alguna razón, no siempre es posible aclarar las dudas que el niño va formulando, lo que trae consigo mayores dudas y miedos.

De repente a Yo se le aparece un monstruo debajo de la cama y tendrá que lidiar con ello a la hora de dormir. A esto sumemos la sorpresiva llegada de un nuevo integrante en la familia -un verdadero hermanito para Yo-, así como la aparición de una enfermedad que ni siquiera los adultos pueden explicar: el cáncer.

Con una escenografía sencilla, pero colorida e ingeniosa; un vestuario que si bien estereotipa un poco a los personajes, ayuda a su clara y rápida identificación, “Monstruo Feo” es una obra que logra captar los miedos y dudas de los niños, desde la perspectiva con la cual ellos observan y afrontan el mundo.

MONSTRUO FEO
Dramaturgia: Miguel Alejandro León
Dirección: Miguel Santa Rita
Elenco: Marcos Radosh, Aldo Escalante, Ana Lourdes Hernández, Miguel Alejandro León y Miguel Santa Rita.
Foro El Bicho
Colima 268, col. Roma
Domingos 13:00 hrs.
(Hasta el 26 de octubre)
Donativo sugerido: $150.00

* Licenciado en Comunicación Social (UAM-X), actualmente estudia la licenciatura en Actuación (ENAT/INBA). Escribe en su blog personal: Expectativa Teatral