EL HIJO DE MI PADRE

GENIALIDAD IMPERDIBLE
Artemisa Téllez*

el hijo padre

Maxi, un niño de seis años, se muda junto con su familia a un barrio marginal de Tijuana, ahí conocerá la amistad y la sangre, la fuerza de sus puños, lo malo que es “cogerse” a alguien y el odio que le tiene a su padre.

Este monólogo atrapa desde la primera frase, su ambiente, limítrofe y popular muestra sin concesiones ni adornos la crueldad del mundo infantil en medio de un mundo adulto sanguinario e indiferente. En él no hay una lágrima, un escondite seguro, una sola muestra de compasión; toda la solidaridad del mundo está destinada a las fechorías, a las agresiones que definen el carácter de los hombres machos del norte.

La crítica es voraz y sin cuartel: la identidad masculina se describe como una obligación con la violencia que destruye poco a poco la identidad del personaje para convertirlo en uno más dentro de una pandilla.

Adrián Vázquez, su dramaturgia impecable, su pasión en el escenario, su perfeccionismo febril, su cruel desenfado, hacen que cada estreno o reestreno se multiplique el deseo de irlo a ver. Es un hombre de teatro original y único que mueve pies, manos y corazones ansiosos de participar de esa vorágine que se desarrolla dentro y hacia fuera de él.

La elocuencia, el dinamismo, la oralidad de los distintos personajes representados por Vázquez hacen de esta puesta otra genialidad imperdible del joven clásico del teatro nacional.

El hijo de mi padre
Hasta el 15 de diciembre
Lunes 20 hrs.
Adolescentes y adultos
Sala Xavier Villaurrutia
$150. Estudiantes, maestros e INAPAM 50%. Tarjetas maestros a la cultura y Sépalo 50%. Gente de teatro $45 cada entrada en la compra de dos.

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

LOS EQUILIBRITAS

Por el alambre y sin red
Artemisa Téllez*

equilibristas

Un pueblo perdido en algún lugar de México es el escenario involuntario del encuentro entre el ejército zapatista y el porfirista. Trece personajes, gente representativa de la época, gente sencilla y diversa, cada una con sus creencias, problemática e ideología son a un tiempo protagonistas y observadores del enfrentamiento.

La paz que todos anhelan se verá nublada por una ráfaga de violencia que ocurre ante nuestros ojos atónitos como en cámara lenta: los sueños que se destruyen, los amores que se separan, el heroísmo, tan ridículo y pueril, tan gratuito…

Esta obra, escrita por David Gaitán y dirigida por Damián Cervantes es una revisión de la inútil revolución de 1910, pero sobre todo una mirada crítica e indispensable a la utopía de las revoluciones en general.

Los equilibristas es la oportunidad que muchos esperamos de repensar los yerros de nuestra propia historia antes de caer en ellos otra vez.

Los equilibristas
Hasta el 14 de diciembre
Domingos, 18 hrs.
Adolescentes y adultos
Teatro La Capilla
$150. Estudiantes, maestros e INAPAM $100

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

EXPERIMENTO

ESQUIZOFRENIA Y TERROR
Por: José Manuel Lira C.* (@jomalira)

Experimento

Una obra de terror perfecta, muy destacable, cuyos elementos conforman una totalidad bien definida: “Experimento”. Actuaciones precisas y verosímiles; una ambientación que resulta impactante para el espectador: luces, música, sonidos, escenografía, vestuarios.

La anécdota de este montaje -cuyo inicio, nudo y final están claramente definidos- es interesante y posee fuertes referencias al lenguaje cinematográfico. El doctor y la enfermera de una paciente esquizofrénica realizarán experimentos en ésta para conocer más sobre la enfermedad. Una propuesta de calidad, con final inesperado, para los amantes del terror.

“Experimento” cuenta con las actuaciones de Citlali Rodríguez, Irene Moreno, Tony Batres (“Y llegaron las brujas”), Agustín Ocegueda (“Si nos dejan”), Esther Saba, Beto Rodríguez, Bricia Orozco (“La encantadora de huevos”), Alejandro Gazque, Michelle Rodríguez, Daniela Neach, Jimena Cornejo, Luz Aldán, y María Silva (alternando funciones); todos bajo la dirección de Alecks Valdés, a su vez dramaturgo de esta terrorífica historia.

 
EXPERIMENTO
Dramaturgia y Dirección: Alecks Valdés
MicroTeatro (Sala 10)
Calle Roble no. 3, col. Santa María La Ribera
Jueves y viernes a partir de las 9 pm, sábados desde las 8 pm y domingos comenzando a las 7 pm, con seis funciones al día.
Hasta el 14 de diciembre
$70.00 pesos, con descuento a estudiantes, maestros y personas de la tercera edad del -10%

* Licenciado en Comunicación Social (UAM-X), actualmente estudia el tercer año de la licenciatura en Actuación (ENAT/INBA). Escribe sobre teatro en su blog personal: Expectativa Teatral (http://expectativateatral.wordpress.com/).

ENTRÉGATE

SOSPECHAS Y VENGANZAS ENTRE VECINOS
Por: José Manuel Lira C.* (@jomalira)

Entrégate

Un matrimonio en el que el esposo ha sido víctima de secuestro. Ambos sospechan de sus vecinos como responsables. Un día, el marido llega a casa y descubre que su mujer ha secuestrado a los perros de los vecinos y los ha metido a una lavadora, que también ha robado, y en la que probablemente uno de los perros yacerá muerto.

Lo que viene a continuación son discusiones, planes para deslindar responsabilidades, hasta que llega la policía. La solución que propone el marido es sencilla: “Entrégate y ya luego a ver qué hacemos”.

“Entrégate” es una obra de enredos divertida, con las actuaciones de Daniela Luján, Ruth Rosales, Alessandra Pozzo, Eliud Gómez y Javier Olivan (alternando funciones), bajo la dirección y dramaturgia de Aída Andrade.

ENTRÉGATE
Dramaturgia y Dirección: Aída Andrade
MicroTeatro (Sala 8)
Calle Roble no. 3, col. Santa María La Ribera
Jueves y viernes a partir de las 8 pm, sábados desde las 7 pm y domingos comenzando a las 6 pm, con seis funciones al día.
Hasta el 14 de diciembre
$70.00 pesos, con descuento a estudiantes, maestros y personas de la tercera edad del -10%
* Licenciado en Comunicación Social (UAM-X), actualmente estudia el tercer año de la licenciatura en Actuación (ENAT/INBA). Escribe sobre teatro en su blog personal: Expectativa Teatral (http://expectativateatral.wordpress.com/).

EL CIELO DE LOS PRESOS

LA BARBARIE A ESCENA
Por: Pablo Iván García (@garciapabloivan)*

cileopresos

“El cielo de los presos” resulta una obra más que pertinente en nuestro contexto. Sintetiza en pocas escenas uno de los episodios más oscuros en la historia de México: libertad de expresión, lucha social y represión gubernamental son los temas que inundan su discurso, para poner de manifiesto lo peligroso que puede ser tomar las calles en son de protesta.

Cuatro hombres jóvenes son recluidos en una base militar, donde deben enfrentarse, sin mediación alguna por parte de la justicia, a sus temibles captores. Presos políticos cuyo único crimen ha sido hablarle de frente a un régimen intolerante y autoritario.

Chuy (Gilberto Alanís) es un joven de férreas convicciones que se ha unido al movimiento estudiantil, primero como forma de escape, aunque posteriormente por amor auténtico hacia los principios de lucha. Chuy enfrenta un conflicto mayúsculo durante su cautiverio, al encontrarse emparentado con sus propios victimarios.

Lo acompañan en el confinamiento Miguel (David Bernal), joven brigadista ligado a las movilizaciones por su relación con Marisela (Ximena Sastrías), también brigadista y estudiante de Economía. Simón (Amador Martínez) es miembro activo del Consejo Nacional de Huelga y principal objeto de la persecución. Complementan el elenco: Ramiro (Aarón Balderi), padre de familia perteneciente a la clase obrera, arrestado casualmente; Morales (Diego Cornejo) y Pastrana (José Luis Pérez) representan a los autores materiales de esta brutal represión.

“El cielo de los presos” es una obra cruda, que apela a emociones inmediatas en el espectador: compasión por los oprimidos, terror hacia la crueldad, desesperanza hacia un sistema político aberrante. Si algo se le puede reprochar al montaje es precisamente lo explícito de su puesta en escena. Al retratar un hecho histórico, resulta burdo reiterar constantemente la barbarie sobre el escenario, ya que lo verosímil no necesariamente guarda relación directa con lo explícito.

EL CIELO DE LOS PRESOS
Dramaturgia y dirección: Mauricio Bañuelos
Elenco: Gilberto Alanís, David Bernal, Ximena Sastrías, Amador Martínez, Aarón Balderi, Diego Cornejo y José Luis Pérez.
Teatro La Capilla
Madrid No. 13, Col. Del Carmen Coyoacán
Jueves, 20:00 hrs.
(Hasta el 11 de diciembre)

* Dramaturgo

EX. El pasado ya no es lo que era

El pasado explica el presente.
Por Xósem Amero (@xosemamero)*

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Te han dicho que el tiempo lo cura todo. Sin embargo, a veces te detienes a reflexionar y encuentras lagunas en tu propia historia que quisieras llenar con la verdad. La verdad que te diga quién eres, por qué eres así. Esa que habita en otro tiempo, en el pasado. El mismo que ha quedado enterrado. Tú no quieres seguir el camino sin conocerlo. Te envenena la ruta y te sientas cansado en tu dolor. Buscas ahí el sentido de la vida. Hay tantas personas como historias, pero el sufrimiento es tuyo y de nadie más. Entonces decides arriesgarte. Por más loca que parezca la idea, vas a tomarla. Que venga el pasado a explicarte el presente. Lo que es, lo es por lo que fue y será ahora cuando vuelva a ser; aunque a lo mejor ya no pueda ser lo que fue: Ex

Aparece Pedro de Tavira en escena. Viste elegante, muy elegante. Es un distinguido presentador que sorprende al solicitar un voluntario para la escena de apertura. La gente en su mayoría duda. Nunca falta un valiente que acepta la invitación. Sube, recibe unas pocas indicaciones y acción. Así arranca la obra. Un brillante recurso con el cual capta por completo la atención del público

Gabriel Calderón, joven escritor uruguayo, multipremiado, propone una obra con múltiples saltos en el tiempo. Es como una montaña rusa. Se sube al presente, se baja al pasado inmediato, de vuelta arriba para después afrontar una larga pendiente de bajada a un lejano tiempo ya enterrado. Los brincos temporales de la obra terminan por ensamblar, de forma exitosa, una historia cuyo origen se encuentra veinte años atrás. Una mezcla de tragedia, realidad cotidiana y fantasía con toques de farsa, ironía y humor negro. El dramaturgo, a pesar de que apenas supera los treinta años, ya tiene un extenso catálogo de obras que han sido traducidas a varios idiomas y puestas en escena en muchos países de Latinoamérica y Europa. Su estilo es fresco, valiente.

La obra gira alrededor de una desmembrada familia. Valentina Sierra es Ana, una joven que busca la verdad para entender el porqué de la desintegración de su familia. Gabriela Murray es Graciela, la madre de Ana. Su personaje es el más potente y causa hilaridad en el público. Es una mujer neurótica y mal hablada a más no poder. Por momentos raya en lo grotesco, lo cual amplifica su efecto. Es imposible no conectar con ella y relacionarla con alguien conocido. Si bien es cierto que el personaje es un tanto cliché, estereotipo, se pasa por alto por la valiosa aportación al tono fársico de la obra.

Es la cena de Navidad. Tadeo, el novio de Ana, un muchacho genio que piensa que amar es decir, tiene preparado un plan, un experimento. Reunirá a la familia de su novia para que ella pueda hablar con todos: con su madre, con su padre, con sus abuelos. Que le expliquen el pasado para que pueda conocer el porqué de tantas cosas que nunca ha entendido. Sergio Bonilla es Jorge, el papá, un personaje donde pasado y presente colisionan al intentar hablar. Junto con los abuelos, alejados por una desconexión forzada, la cena se convierte en una gritería, un caos.

Falta aún la cereza del pastel. El tío José, el prisionero anhelo de libertad que por fin encuentra una rendija por donde escapar, el giro final de la obra. Telón. Hora y media de función que se va como agua entre las manos. Aplausos, aplausos. La risa deja lugar a la reflexión. Tres temas para comentar y meditar más tarde, en la soledad del descanso: el pasado, la familia y la libertad.

Fotos cortesía de: Lía Rueda

EX
Autor: Gabriel Calderón
Dirección: Fernando Bonilla
Elenco: Sergio Bonilla, Pedro de Tavira, Regina Flores Ribot, Mario Monroy, Gabriela Murray, José Carlos Rodríguez y Valentina Sierra.
Teatro Benito Juárez
Villalongín 15, Col. Juárez.
Del 21 de noviembre al 14 de diciembre
Viernes, 20:00 hrs. sábados, 19:00 hrs. y domingos 18:00 hrs.

*Xósem Amero es egresado del ITESM. En la actualidad toma el diplomado de creación literaria en la Sogem. Escribe novela, dramaturgia, guión y ensayo. En las mañanas suele correr por el bosque, en las tardes se transforma en escritor.

ESCOCIA

HUIR DE QUIEN SOMOS
Por: Mireya Flores Marín* (@MireyaFloresM)

escocia

La memoria funciona de manera selectiva. Nuestro cerebro filtra aquellos recuerdos que nos permitirán lidiar con las consecuencias de nuestros actos y sobrellevar la vida, pero también es capaz de imaginar y proyectar lo que deseamos.

“Escocia”, del dramaturgo mexicano Gibrán Portela, representa de manera compleja este estado. Un personaje femenino (Esmeralda Pimentel) llega a lo que parecen ser los sanitarios de un edificio abandonado. Al mirarse al espejo no consigue reconocerse y mucho menos explicarse por qué tiene sangre en las manos: se resulta extraña así misma. Después interviene en escena un hombre (Eduardo Castañeda), quien, confiamos, dará sentido a los hechos.

Pimentel destaca por un desenvolvimiento certero y lúdico en el escenario. Entre ambos personajes comienza un juego dramático donde cada uno representa roles distintos: la prostituta y el guardaespaldas; la actriz y el productor; la niña y el padre; dos adolescentes en pleno despertar al amor, etcétera. Todo ello para presentar ese constante deseo humano de escapar de quienes somos, renunciar a la carga que implica asumir las consecuencias de nuestros actos y la dificultad de entender que “el hubiera no existe”.

“Escocia” plantea situaciones donde el tiempo y el espacio burlan todo orden lógico. Las experiencias de los personajes son narradas como acción en tiempo presente, como recuerdo, o como una proyección de sus vidas a futuro. Historias de amor falibles, que traen un desenlace pesimista aunque cabal, pues los personajes han perdido el tiempo en recuerdos, en imaginar e idealizar, mientras su realidad los absorbe.

La extrañeza consigue permear toda la obra: la confusión de no saber quiénes son estos personajes, qué hacen ahí y qué está pasando. Las expectativas son bien construidas por el director Adrián Darío Rosales, sin embargo no consiguen sostenerse debido a los constantes saltos temporales, espaciales y cambios de roles, que no resultan totalmente efectivos: en lugar de aclarar la situación, la vuelven enredada, provocando cansancio en el espectador.

El tono irónico, que sobresale en las escenas que buscan remontarnos a momentos clichés del cine, se desgasta por su repetición. La escenografía se reduce a mostrar la estructura de un sanitario, no invita a recrear los diversos espacios propuestos por las voces de los personajes; incluso llega a percibirse como un obstáculo para el movimiento de estos.

A pesar de los elementos que dificultan su apreciación, “Escocia” destaca por el tema planteado: porque propone vivir en el presente, atrevernos a construirnos en el aquí y ahora, en lugar de recrear un pasado que suponemos mejor, o imaginar un futuro que promete un final feliz.

ESCOCIA
Dramaturgia: Gibrán Portela
Dirección: Adrián Darío Rosales
Actúan: Esmeralda Pimentel y Eduardo Castañeda
Foro Lucerna
Calle Lucerna no. 64 esquina Milán, col. Juárez
Lunes 20:30 hrs.
(Hasta el 22 de diciembre)

*Mireya Flores cuenta con un máster en Artes Escénicas (Universidad de Vigo, España); tiene un posgrado en Políticas y Gestión Cultural con especialidad en Producción y Difusión de Espectáculos Escénicos (OEI/ UAM); es licenciada en Ciencias de la Cultura (UCSJ). Además, tiene formación en danza y teatro.

LA VOZ HUMANA

¿Qué tan patéticos podemos ser?

Por Agnés Mèrat*

lavozhumana

Ir a ver monólogos es una de mis aficiones. Lo que me atraía aquí, además del monólogo, era la presencia de Karina Gidi. Me daba mucha curiosidad ver cómo podría debatirse con este texto pasado para un público del 2013.( No les aconsejo tanto la lectura de la obra de Cocteau como la escucha de la opera que compuso Poulenc en 1958. Una experiencia intensa). Quería observar el reto de esta actriz tan contemporánea en sus elecciones, en su presencia escénica, frente a un texto algo anticuado.

Una mujer enamorada es abandonada por su amante después de cinco años de pasión, de una manera cobarde y por teléfono. La situación es completamente banal, aunque cobre hoy nuevos sentidos: las mujeres ya no somos las creaturas sumisas de 1930 (pero de verdad, ¿sufrimos ya menos porque ocupamos otro lugar en la sociedad?) y el teléfono omnipresente ha modificado profundamente nuestra manera de relacionarnos y vivir la soledad. ¿El aparato no ocupa ya un lugar en la mesa?, ¿al lado de la almohada? ¿No es ya legítima su presencia, indiscutible, en medio de nuestras conversaciones? Escribía Cocteau: “el teléfono es un arma temible de la vida moderna”. ¿Hubiera podido imaginar el poder casi chamanico que le hemos investido?

La obra dirigida por Antonio Castro presenta una adaptación del texto de Cocteau. Esta versión, una mirada crítica sobre los papeles que se juegan en una pareja, resulta, ante todo, completamente divertida. La puesta en escena libera una ironía salvadora, tanto para el público como para la actriz. Sus lágrimas nos conmueven, aunque no por mucho tiempo. Karina Gidi aparece melodramática vestida con una bata de seda roja, en su cuarto romántico de burguesa del siglo XXI, y es a la vez francamente cómica, abrazada de su Smartphone, retomando las mismas mentiras que hemos proferido, comportándose como un trapo con tal de seguir escuchando a su amante-verdugo. Karina logra el ejercicio de salirse de su personaje desesperado, pasar de las lágrimas al sarcasmo para burlarse de la mujer que encarna. Se ríe de nosotros, de nuestras mentiras, de nuestra cobardía, nuestro feminismo y nuestros hábitos ridículos: ¿el mensaje de texto?: “una tecnología extraordinaria dedicada a la mutilación del lenguaje“. LOL.

Karina Gidi juega tanto con el texto como con su personaje y nos embarca en el terreno de nuestros recuerdos amorosos dolorosos a la vez que nos muestra qué tan patéticos podemos ser. Salimos divertidos, nostálgicos, con sólo una mirada de reojo a la mini pantalla, por si alguien dejó un mensaje, mientras estábamos en el teatro.

La voz humana
Dirección Antonio Castro
Con: Karina Gidi
Teatro Helénico
Av. Revolución #1500 Col. Guadalupe Inn., Del. Alvaro Obregón,
Lunes 8:30pm
Hasta el 24 de noviembre

* Doctora en Filosofía por la UNAM, Maestra en Filosofía por la Universidad de la Sorbonne (Paris IV). Es francesa y mexicana por naturalización. Imparte seminarios de filosofía, da asesorías y talleres para acompañar la escritura, los procesos de pensamiento crítico ligados a la creación artística y a la experimentación del arte. Es tutora del Posgrado en Teoría Crítica de 17, Instituto de Estudios Críticos y dirige tesis de Doctorado y Maestría.

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LIMÍTROFE

BANALIDADES Y TRASTORNOS
Por: José Manuel Lira C.* (@jomalira)

Limítrofe

“Limítrofe” está compuesta por cinco monólogos donde, a través del humor, veremos algunos problemas de la sociedad actual, como son: el consumismo, la banalidad, la desinformación, la discriminación, la soledad, entre otros.

Se trata de cinco fragmentos llevados a escena por distintos actores, cuyos comentarios clasistas, sexistas y racistas identificarán al público con situaciones de la vida cotidiana. Como el título de la obra lo indica, los personajes sufren un trastorno límite de la personalidad, aunque en realidad se representan actitudes que todos llegamos a tener cuando el enojo, la desesperación y la frustración se apoderan de nosotros.

Destaca en este montaje el colorido vestuario, que cambia por completo cada escena. “Limítrofe” cuenta con las actuaciones de Francisco Rubio, Laura de Ita, Juan Ríos, Verónica Toussaint, José Carlos Femat y Daniela Zavala, dirigidos por Ignacio Flores de la Lama.

LIMÍTROFE
Dirección: Ignacio Flores de la Lama
Elenco: Francisco Rubio, Laura de Ita, Juan Ríos, Verónica Toussaint, José Carlos Femat y Daniela Zavala
Foro del Tejedor
Álvaro Obregón 86, Condesa
Domingo 18:00 hrs.
$200.00
Hasta el 7 de diciembre

* Licenciado en Comunicación Social (UAM-X), actualmente estudia la licenciatura en Actuación (ENAT/INBA). Blog personal: expectativateatral.wordpress.com

PÁJARO

EMPRENDER EL VIAJE Y VOLAR
Por: José Manuel Lira C.* (@jomalira)

Pajaro 03

Con la obra “Pájaro”, la compañía Idiotas Teatro obtuvo reconocimientos en el extranjero; entre ellos, el premio otorgado por la Asociación de Cronistas de Espectáculos (ACE) de Nueva York, en 2013. Ahora este montaje regresa a escena, después de exitosas temporadas en el Centro Nacional de las Artes y el Teatro La Capilla de la ciudad de México.

Se trata de una obra que otorga a los niños la categoría de seres humanos pensantes y merecedores de un teatro de calidad, que les hable sin pretensiones y sin banalidades, con actuaciones sobresalientes e historias interesantes. Un teatro apto, no sólo para los infantes, sino para todo público.

La anécdota, sencilla y original, muestra a dos hombres que deciden crear un invento, un artefacto con el que puedan elevarse y volar -uno de los sueños más antiguos del ser humano-. Ambos tienen una relación afectiva, la cual será puesta a prueba conforme avanza la trama.

Una obra sumamente divertida, con músicos en vivo, que muestra la importancia de los sueños para impulsarnos y lograr nuestras metas, de la mano del trabajo en equipo. “Pájaro” también se caracteriza por el sello distintivo de esta compañía: teatro clown, sin el empleo de una sola palabra, demostrando que el lenguaje oral no siempre es necesario.

PÁJARO
Dirección: Lucía Pardo Ríos y Karla Armendáriz
Elenco: Fernando Reyes y Cristian David
Teatro Orientación
Centro Cultural del Bosque
Paseo de la Reforma y Campo Marte, Polanco
Sábados y domingos, 12:30 hrs.
(Hasta el 14 de diciembre)
$80.00 (descuento a estudiantes, maestros e INAPAM del 50%)

* Licenciado en Comunicación Social (UAM-X), actualmente estudia la licenciatura en Actuación (ENAT/INBA). Blog personal: expectativateatral.wordpress.com