Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

Me pregunto si el crítico aún mantiene una voz de autoridad dentro del mundo de la escena teatral en México. También me pregunto si lo importante es ejercer una crítica honesta en lugar de levantar premios que sean otorgados por ellos y de ésta manera tener la aprobación de los creadores. Porque muchas veces, pareciera, que se pierde mucho del ejercicio crítico al tratar de agradar. Creo que si quisiéramos agradar tendríamos que ejercer otra cosa y no la crítica.

Pareciera necesario que es momento de rehabilitar la dimensión crítica. Lo que significa actualizar la luz de las transformaciones teatrales de la segunda década del siglo XXI. Sería comprender cuáles son los intereses e ideales de esta época. Lo cual no es sencillo ya que la intención lo pareciera, tiene más aristas de las que podríamos imaginar y las cuales no abordaremos ahora. Sin embargo, existe una constante en las nuevas y no tan nuevas dramaturgias de mitad del siglo XX e inicios de XXI: la ruptura de la estructuras. Lo que culminó en una creación de una teoría postdramática, la cual, algunos han olvidado, que se creó a partir de la necesidad de explicar lo que acontecía en la escena teatral de mitad del siglo XX y no como una guía para hacer teatro.

La fractura de las estructuras y su falta de entendimiento han degenerado en una vorágine teatral en donde la historia y su entendimientos son nulificados. Se ha olvidado que para el hombre la historia (la trama) ha servido para explicar su realidad ante el mundo, incluso con el rompimiento de las estructuras. Por ello resulta grave la falta del entendimiento de estas nuevas estructuras por parte de algunos creadores al presentar su obra, ya que pareciera una mezcla de meras ocurrencias. Para ejemplicar la necesidad del hombre occidental por contar historias y así aprender de ellas nos podríamos remontar a tres clásicos El poema de Gilgamesh, La Iliada y la Biblia, La Odisea y otros. Incluso si deseamos romper la estructura clásica de los tres actos, podríamos recurrir a las palabras de Godard quien dice que una historia siempre debe tener un inicio, un intermedio y un final, sin importar su orden.

El redefinir nuevas estructuras no ayuda a entender una época poco definida. En donde el hombre no sólo se ve afectado por la industria, también por una tensión constante de una destrucción de la especie humana en manos de humanos. La guerra armamentista, las bombas atómicas y bacteriológicas nos han sumergido en un terror constante. Se ha dicho que nos encontramos en una era marcada por la destrucción y que ésta sería en nuestro planeta. Podríamos entender un poco más de esto a través del concepto Antropoceno de Paul Cruzer (Premio Nobel de química 2000), el cual trata de explicar la época geológica actual la cual debería de reflejar el imparto del hombre sobre la Tierra.

El mundo ha cambiado, y no a la usanza de los abuelos. Lo que ha provocado que el espíritu de los hombres también lo haga, lo que se ve reflejado en el arte. La crítica debe transformarse para seguir comunicándose no sólo con los creadores escénicos, también con los lectores. Porque su tarea no es invitar a la gente al teatro, es hacerlo pensar y que ese pensamiento acompañado de sensaciones lo impulse a ir al teatro. Porque es lamentable leer una crítica que ensalce atributos que no existen en una obra.

El crítico tendría que entender que el mayor compromiso, no sólo es con él sino con el lector espectador; también cuestionar cuáles son las condiciones políticas, sociales y geográficas que nos envuelven.

Las verdades, históricamente podríamos comprobarlo, nunca agradan. La crítica también es sensible y cuando es honesta arroja una verdad. Quien la ejerce se ve afectado por múltiples factores que determinan su carácter y estilo, no tendría que ser tomada de forma personal para ejercer un juicio moral sobre otros. Tampoco tendría que ser tomada de forma personal por parte de los artistas escénicos.

Pensar el teatro no sólo tiene que ser desde la escena, también desde la crítica, como espectadores. Porque el cuestionarse el por qué, para qué, él cómo y dónde nos podría dirigir a una utopía (palabras ahora tan desgastada) de un mejor quehacer teatral.

* Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

En DISTRITO TEATRAL creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Vamosalteatro para descubrir qué #valelapena ir a ver y conversar. Da click aquí si quieres conocer más de nosotros.

POR JOHANA TRUJILLO (@jOtrujilloA)

La escritora, dramaturga, dramaturgista, directora teatral e investigadora va al encuentro con artistas que le potencien, le inspiren, le den ganas de seguir haciendo lo que hace. La única decisión que ha tomado es ser escritora.

Fernanda puede aguantar mucha presión. Es muy organizada y estructurada lo que ayuda a evitar el estrés. Deja que las cosas pasen. “Si se cayó, se cayó. Si no se da, no se da. También he aprendido que no depende de mí, y cuando no me funciona sé que es temporal y que no es por mí, sino que es porque algo del contexto o las circunstancias no está funcionando. Lo que estresa mucho es que cuando algo no está funcionando: uno, no quieres aceptarlo; dos, no quieres contárselo al otro y tres, no quieres exponerlo. Eso es lo que estresa: no sacarlo.”

Ella no se dedica al teatro para cumplir un sueño. Su sueño es tener salud y ser feliz, estar contenta con la vida. “Quizá porque también soy trágica, veo todo de manera trágica. El teatro me trae conocimiento, aprendizaje, reflexión, profundidad. Eso me encanta. Me extasía la profundidad de las cosas. Cuando yo escribo y me gusta lo que estoy haciendo me siento feliz, es un estado. Cuando monto una obra me produce un estado también, y esa experiencia de ese estado me lleva a querer volver a hacerlo.” me aclara.

La relación que tiene con el teatro no es la misma que tiene con la literatura, ese lugar donde quiere estar. “Lo que hago en mi vida es leer y escribir. Y la escritura sí es parte de mi vida cotidiana, nunca pensé en publicar ni ser escritora. Yo escribía en mi diario desde los 13 años.”

En la prepa tomó un taller de teatro que le encantó con un profesor que no recuerda ya quién es. Quería estudiar teatro o hacer política. “Me fui a vivir a Estados Unidos un año y cuando volví estudié ciencias políticas. En la carrera lo único que me interesaba era la literatura y la filosofía, que esa es otra de mis pasiones: leer filosofía. Aprendí a leer teoría como si fuera literatura y quizá por eso me es muy fácil hacer investigación. Para mi un texto teórico no es un texto teórico, es un texto.”

EL GUSTO POR ESCRIBIR, DIRIGIR, INVESTIGAR

Lo que le gusta de escribir, dirigir, investigar es que “se me ha hecho la vida, se me ha hecho cotidianidad y es fantástico. Lo único que decidí fue volverme escritora. Publiqué mi primer cuento en 2001 en una revista política. Y cuando trabajaba en el IMER como politóloga, en 2001, conocí a Eduardo Langagne que leyó unos cuentos míos y me dijo “no están mal”. Entonces, empecé a tallerear con él. Empezamos a leer nuestros cuentos después del trabajo. Él me aconsejó enviarlos a la Fundación para las Letras Mexicanas y me dio la oportunidad de tomar un taller de relato con Orlando Ortiz por un año, en 2003. Y me dije “yo tengo que dedicarme a esto”. Por eso decidí estudiar creación literaria y me fui a estudiar a Madrid. Me formé en la Editorial Fuentetaja en narrativa.

Ahí me encontré con la impro. Se me hizo un tipo de escritura interesante. Terminé improvisando y lo que me llamaba la atención era la forma creativa de crear historias. Después encontré el clow. Y también hacía danza contemporánea como hobbie, haciéndolo muy apasionadamente pero sin pensar en dedicarme a ello. Yo no sé si hago investigación, escribo ensayos. Yo no soy filósofa soy dramaturga y cuentista. A mi me interesa escribir sobre mis procesos creativos de forma teórica, y si ese ensayo le sirve a alguien chido.”

Se fue a estudiar teatro y creación literaria a España en 2004. En 2005 regresó a la Ciudad de México para hacer teatro profesional, después de tener mucho tiempo mirando arte en Europa. Trabajaba de guionista en Canal Once cuando en las elecciones de 2006 los despiden. “Váyanse y vuelvan en noviembre”, les pagaron la última quincena y ante la pregunta “¿qué hago?” su respuesta fue: “Me voy a San Cristóbal de las Casas tres meses”.

En su estancia ahí, un productor tuxtleño quería invertir en una obra de teatro sobre los mayas, histórica, turística. Y al no encontrar a nadie que se dedicara al teatro, la invitó a montarla. Es la única vez en su vida que le pagaron un sueldo mensual durante un año por montar la obra “Palenque Rojo” junto al coreógrafo Ricardo Franco, en 2007.

APRENDER MÁS SOBRE EL ARTE Y EL TEATRO

“En ese mismo año conocí a una argentina, María Lombardini, nos hicimos roomies, y nos propusimos hacer una obra a partir del guión que yo ya tenía: “Santo Domingo”, la primera obra que escribí con una actriz que no recuerdo quién es. Se llama así por la iglesia de Santo Domingo y por ser en domingo. Una obra cabaretera que hablaba sobre la gente de San Cristóbal.” De esta obra parte “Palabras Escurridas”, obra que ganó en 2013 el Premio Internacional de Teatro Latinoamericano Airel, otorgado por la Universidad de York, en Toronto, Canadá, y que llega a México a través de la publicación impresa en Paso de Gato.

Después de probar lo que había estudiando, de San Cristóbal de las Casas se fue a Buenos Aires, con una sensación de “hay mucho más que saber. El arte no puede ser sólo esto, tiene que haber mucho más.” En 2010 estudia una maestría en Dramaturgia por la Universidad de las Artes en esa ciudad argentina. Buenos Aires fue una revolución para ella porque se dio cuenta que “no estaba loca en pensar que yo todavía no hacía arte teatral, que yo todavía no tenía un lenguaje estético, que todavía no tenía una poética, que yo todavía no era artista. Yo sabía un oficio, pero de un oficio a un arte hay un paso teórico, conceptual, intelectual, de rigor.”

En ese periodo se tomó mucho más en serio el volverse artista, el volverse escritora, el intentar tener un lenguaje, un estilo. El arte es “cómo vas a montar tú, cómo vas a escenografiar tú, cómo vas a actuar tú, cómo vas a escribir. ¿Cuál es tu característica? Como dirían los académicos ¿tú qué le aportas al campo?

Entender eso dentro del teatro es más difícil que en la artes plásticas. Quizá es mucho más fácil en la dramaturgia porque es el área del teatro mucho más intelectualizada, y más estudiada porque es un género literario. Eso hace que tenga mucho más bagaje teórico, de investigación, de técnica, tienes más herramientas desde la dramaturgia para formarte. Tienes más referentes pues a los dramaturgos los puedes conocer más a partir de sus publicaciones y traducciones. “

Berlín, Nueva York y Buenos Aires son las ciudades del teatro. “Si quieres ver buen teatro, encontrar buenas escuelas, saber qué es el arte teatral… ahí tienes que ir. ¿Cómo aprendes un lenguaje teatral si no tienes un referente presente? Te vas a Alemania, como hizo David Hevia, y aprendes. Y lo que pasa en Berlín, Nueva York y Buenos Aires es que hacen que tu veas teatro, aprendas teatro, haya escuelas con lenguajes poéticos distintos con una metodología e idea del arte teatral distinta. Hay una especialización en cómo escribir. Aquí en México todavía se enseña sólo realismo y sólo diálogo. No hay una escuela que te enseñe a escribir dramaturgia contemporánea, o que te ayude a explorarlo.”

SU INTERÉS EN EL TEATRO

Fernanda considera que el teatro es un espacio vacío donde se puede experimentar con todas las artes. Le encanta pensar en vestuarios, iluminación, imagen, momentos. Pensar en la composición. Aunque no lo pueda lograr porque no le interesa la producción, eso no quiere decir que no lo haga en la dramaturgia.

“Me interesa el teatro, por la posibilidad de la creación y también la posibilidad de lo primitivo: no tengo esos acrílicos pero tengo quince mil pesos y un estacionamiento abandonado y con eso hago un vestuario y algo parecido, se puede. Es una posibilidad del arte en pequeño. Se puede hacer lo máximo de lo mínimo y eso en otras artes no se puede. Yo sé que no tengo dinero para hacer un perro holográfico pero ¿cómo puedo hacer un perro holográfico con dos proyectores? Como creadora me interesa la posibilidad de la escena. Como investigadora qué pasa con esos textos, qué te dicen de ese creador, qué te dicen de lo que está imaginando.”

“Tu como espectador potencias la cosa que no está ahí. Y ahí está el arte. Pero para que se potencie en el espectador, tú como creador necesitas tener el mundo enorme, plasmarlo en un texto y después de eso materializarlo en algo menor a eso pero que contenga esa posibilidad para que después el espectador conecte con eso de forma abstracta, no de forma concreta. Y creo que eso es algo que mucha gente de teatro no entiende. Cree que tiene que poner el barco, no tienes que poner el barco, se trata de otra cosa: la potencia del barco, de qué otras maneras puedes hacer el barco.“

Considera que el teatro no cambia al mundo; “no enseña, pedagógicamente no muestra nada. No creo en nada de eso. Murakami o El Marqués de Sade ¿qué le aportan al mundo? Nada. ¿Qué me aporta Darío Fo? No sé, me gusta, lo disfruto, me provoca. El teatro o el arte como arma ideológica claro que la tiene pero a mí me da mucho miedo, no me parece ético. ¿Quién soy yo para enseñarle algo a alguien? ¿Quién soy yo, Fernanda, para decirte cómo tienes que pensar?

IR A COSAS QUE TENGAN POTENCIA

El teatro es una experiencia. Si esa experiencia a ti te deja algo, yo no estoy tan segura que lo que te deje sea un aprendizaje. Porque esa palabra para mí lleva a otro lugar. Muchas veces el arte no te deja un aprendizaje sino que te pone en un lugar, en un estado. Es como el sentimiento: no es algo que se aprende o se conoce. Tú no conoces el amor, tú experimentas amor. Y lo sientes y luego se va. Esa parte de la vida es a donde va el arte, a ese momento que no existe en realidad pero que sí estás segura que lo viviste pero que es difícil transmitir, comentar, hacer pero ahí está. Eso es lo que se me hace rico del arte: son experiencias en la vida. Dedicarse al arte para mí no es tanto si produce o no sino si te llena la vida.”

Como espectadora le interesa encontrar artistas, no le interesa ir al teatro como actividad de ocio. Va a aprender, a ver qué se está haciendo. Por eso le gusta el arte contemporáneo, ir a museos, a exposiciones para hacer conexiones poéticas entre artistas plásticos, escenógrafos, escritores… se nutre de las artes. “Intento ir a cosas que tengan potencia y me estén diciendo cosas que me interesen. Eso pasa con muy pocas obras y en todas las artes. No todos son Picasso.

Si yo no hubiera entrado a la maestría quizá yo no veo buen teatro en Buenos Aires. Hay tanto que cómo sabes escoger. Si no hay una formación antes que te forme un ojo crítico y te enseñe a escoger a quiénes te gusta seguir, qué tipo de teatro te gusta… “

LA ESCRITURA Y SU PROCESO

¿Cómo es su proceso creativo para escribir sus textos? Tiene dos tipos de procesos. Un proceso de escritura poética y de relato, puramente imaginativo. Se sienta y escribe sin pensar qué va salir. “Con eso me surge una persona, la sigo, me voy enterando quién es, qué hace conforme la escribo. A partir de ahí comienzo a meterme con la trama y manipular sus acciones. Así tengo mi primera versión de un relato. Siempre he escrito así desde los veinte años. Así encuentro personas, espacios, historias.

A partir de la maestría y la investigación, cansada de sólo contar historias, descubrí una parte más abstracta de la escritura que tiene que ver con las estructuras. Las historias son también estructuras mentales. Un texto es un objeto con el que puedes jugar con su estructura, misma que tiene relación con un concepto. Antes de tener un contenido textual, tienes un concepto. Eso en la literatura se vuelve tiempo y espacio. A partir de eso busco un tema. La estructura se vuelve la plástica del texto.”

“Como escribes es como piensas. Si tu quieres pensar diferente, o pensar diversamente, o encontrar otra formas de vivir, de pensar, de hacer porque no te gustan las cosas que hay aquí, la única manera es no repitiendo el oficio, tienes que buscar otra forma de estructuración. Y eso te lleva a una poética. Y es ahí donde el artista tiene un lenguaje. Y a la vez una postura política. Todo te constituye: se vuelve pensamiento, se vuelve lenguaje, crítica; se vuelve forma de vida; y se vuelve sistema, y es ahí donde se vuelve método y empieza la pedagogía. Porque uno es consciente de esa forma de hacer. Vas analizando tu propio trabajo para irlo mejorando.

¿Por qué seguir contando historias? ¿Qué necesidad hay de contar historias? Son esas preguntas que todo el tiempo están en tensión. Y eso es muy nutritivo para la creación, poniéndote en un autoconflicto.”, me comparte Fernanda.

Jimena Saltiel, bailarina y productora teatral habla sobre su contribución a que resurjan las emociones y la sensibilidad: Once Once Producciones.

POR JOHANA TRUJILLO (@jOtrujilloA)

Conocí a Jimena Saltiel por su ponencia en el Primer Coloquio de Teatro organizado por RECIO. Ella es la directora general de la productora teatral Once Once Producciones cuyo equipo de trabajo, además, está integrado sólo por mujeres.

Creció en el teatro y la danza gracias a que su madre, Arcelia De la Peña, era coreógrafa de los Timbiriche y tenía una escuela de ballet además de una empresa de producción para traer a México las mejores compañías de danza del mundo. Trajeron gran cantidad de danza internacional que los primeros años tuvieron localidades agotadas hasta que quebraron por una desvalorización de las artes escénicas.

Así, dejó la danza por el teatro, donde siempre había estado cerca, con la intención de seguir haciendo arte, seguir generando cultura pues “la cultura es importante para que resurjan las emociones y la sensibilidad porque lo que más buscamos es conectar con la otra persona, y no podemos conectar desde lo racional sino desde lo vulnerable, las emociones. Eso es lo importante y el arte nos lo puede recordar.” —dice Saltiel, licenciada en Historia del Arte, con una exitosa carrera interdisciplinaria, tanto sobre el escenario como en el ámbito de la producción, la enseñanza dancística, la creatividad escénica, la investigación académica, la coordinación editorial y la labor museística.

Su lema es: se hizo lo que se pudo con lo que había. Y en ese “había” puede estar el dinero, los egos artísticos, la falta de escucha, la falta de infraestructura en un teatro, etcétera. La paciencia, la perseverancia que aprendió de la danza, la necedad y la pasión en lo que hacen es lo que la ayudan a mantener a flote ese barco llamado Once Once Producciones: una productora que busca apoyar a nuevas generaciones de creativos así como a dramaturgos mexicanos. Considera que al público le gusta ir al teatro a reír o a ver una buena historia por lo que piensa en él en cada una de sus producciones. Intenta tener un compromiso fuerte con la calidad trabajando en teatros que sean agradables para quienes asisten.

Lidia con muchos egos y lo que llama “angustias creativas”, ese momento en que crear te genera angustia, “y muchas veces que la angustia de tener algo enfrente, en lugar de concentrarte en lo que te está angustiando se desplaza a otra cosa. Tenemos un actor preocupado por la utilería y en que si no tiene la cuchara con la que va a actuar no va a poder hacerlo. No, sí va a poder pero entiendo que se esté fijando en la cuchara porque le está dando su angustia creativa. Que en el fondo es: tengo terror de que estreno esto en tres semanas.”

También, trata de desconectarse después del trabajo para soltar el estrés, y de rodearse de un equipo en el que confíe, conformarlo de personas preparadas y apasionadas de su disciplina además de aportar a tener un gremio unido y colaborativo. Y en los momentos que siente que está perdiendo la esperanza se recuerda así misma: “Ya estuviste aquí, esto debe pasar y si no funciona vendrá otra producción de la que nos sentiremos más orgullosos”.

Once Once empezó con “Le Journal” con una temporada en el Foro Shakespeare gracias a un patrocinio que lograron conseguir para pagar la producción y al equipo, sin saber nada de producción teatral. Salieron tablas. Su siguiente proyecto fue “Wit” con el que ganaron un EFITEATRO que les aportó un millón cien de los un millón trescientos que habían solicitado. Una producción muy exitosa que les costó en total dos millones seiscientos, por lo que perdieron más de un millón de pesos generando una deuda que terminó de pagar dos años después.

Jimena es defensora del EFITEATRO, un estímulo fiscal para los contribuyentes del impuesto sobre la renta que otorga el Artículo 226 Bis de la Ley del Impuesto sobre la Renta, con el fin de apoyar a los Proyectos de Inversión en la Producción Teatral Nacional. ¿Por qué? Porque “EFITEATRO te obliga a replantear la producción desde un lugar mucho más profesional e incluso la misma convocatoria te lleva a reflexionar.”

De esa experiencia con “Wit” aprendió que trabajar por proyecto no es redituable. Con su socio vieron que una vía de crecimiento era el volumen para hacer una infraestructura de empresa, con costos bases fijos que pudieran tener proyectos exitosos y otros fallidos cobijándose los unos a los otros. Fue gracias a que comenzaron a diversificar y aliarse con otros, que podían tener más proyectos y generar más taquilla. Aunque su primer EFITEATRO resultó en un fiasco económico, supieron aprovecharlo para crear una estructura de empresa, dar continuidad a su proyecto sin temor a perder ese u otros apoyos privados o gubernamentales. Y por eso considera que Once Once es un caso de éxito.

¿Cómo podemos tener más casos de éxito en México? Jimena tiene una hipótesis: generando estructura de empresa, que generen redes de empresas que a su vez generen una industria que a su vez generen recursos. “Yo creo que si pensáramos menos como artistas y más como empresarios creceríamos, sin dejar de ser artistas ni prostituir nuestro arte. Tenemos que dar el siguiente paso: crear empresas, micro pymes.”

Cuando le pregunto su opinión sobre las recientes noticias de abuso sexual en Hollywood y lo que sucede en México, me comparte que nunca ha visto ni le ha tocado vivir en la profesión un acoso sexual. “Me parece deplorable de cualquier forma de abuso de autoridad, hacia un hombre o hacia una mujer en el medio que sea. Creo que aunque ahora está el escándalo en el medio del espectáculo, esa no es la discusión real. Eso ha dejado ver el panorama mundial. No es un problema del gremio es un problema del mundo. Lo que está muy bien es usar la voz que tenemos desde el espectáculo, sobretodo desde las actrices que son las más visibles. Es importante que se usen esos micrófonos porque son más escuchadas, y si salen a hablarlo, tal vez a una niña que lo está viviendo en su casa o escuela, por lo menos está viendo decir a alguien “no te dejes””

Valeria Fabbri,  joven actriz y dramaturga, con su compañía Me dijo, le dijo, le dije, presenta su Ópera Prima en el Teatro Benito Juárez.

POR JOHANA TRUJILLO A. (@jOtrujilloA) / FOTO ISAEL ALMANZA COLUNGA

Conocí a Valeria cuando estaba por iniciar temporada de HOY SE MURIÓ MI TORTUGA en el Teatro La Capilla en 2016. El título de su obra me parece curioso y genuino, incluso la sinopsis me lleva a “La elegancia del erizo” de Muriel Barbery (que no he terminado de leer). Charlar con ella ya fuera durante uno de sus ensayos en el teatro, por mail o por whatsapp ha sido tan espontáneo y genuino que quiero que la conozcan.

Valeria intenta hacer lo que le gusta. Decir que es actriz, no la define, la acota a una condición laboral. Le encanta este oficio, todo el tiempo se descubre curiosa, encantada, ilusionada, decepcionada, en crecimiento, y contrariamente cada vez más ignorante, ante este universo del teatro. Su vida no gira sólo alrededor del teatro. Hay otros aspectos que son igual de importantes en su vida como ver a su familia, enamorarse o andar en bici.

Tiene varias motivaciones detrás del teatro: trabajar con la tranquilidad de saber que hace lo que le gusta. Esa es valiosa y es motivo de orgullo para ella.Otra motivación es la simple satisfacción que le trae el hacerlo. También, tiene que ver con contagiar a otras personas de cierto gusto y curiosidad por el teatro. No trata de cambiar al mundo pero sí de compartir con otras personas su mundo.Por último, uno de sus objetivos y motivación dentro de esta carrera es ser sobresaliente, sin que sobresalir signifique excluir a otras personas.

Cuando le pregunto sobre cómo surgió en ella el gusto y curiosidad por el teatro me cuenta que en realidad no empezó a conocer el teatro hasta que se quedó en la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) en el Centro Nacional de las Artes. La primera vez que fue al teatro estaba en el primer año de la carrera. La obra que vio fue “Los sueños de Paco”, que le hizo confirmar sus ganas de dedicarse a esto. La obra la dirigió Carlos Corona, con quien más ha trabajado desde que salió de la escuela y a quien le tiene mucho cariño.

Sin embargo, su gusto y curiosidad siempre estuvieron ahí, desde niña. Valeria Fabbri era de esas niñas “que le echaba un buen de ganas y se ponía bien intensa en las obritas de la primaria, actuaba, dirigía y toda la cosa”. Además, muchos en su familia son músicos lo que hizo que desde muy pequeña tuviera contacto con el escenario a través de la música y el canto.

La actuación siempre llamó su atención. “Me acuerdo que  cuando veía de pronto las novelas infantiles mexicanas me molestaba.  “Como que están muy falsos, los niños” Pensaba. Siempre me imaginé que eran los hijos de los mismos que estaban en la producción, o algo así, y eso me “ardía” ”, comenta.

Explorar la dramaturgia no fue por azar fue por decisión. Antes de escribir HOY SE MURIÓ MI TORTUGA, obra que presenta en el Teatro La Capilla los sábados a las 12:30pm hasta el 17 de diciembre, Valeria ya llevaba unos meses con la curiosidad y la intensión de escribir una obra, pero a la fuerza no le salía nada.

“Tampoco quiero decir que es sólo cosa de que te llegue la inspiración, creo que uno tiene que tener cierta determinación para llevar a cabo sus metas.Disfruté muchísimo el proceso de escribir, de probar mi texto con otras personas, de corregir, afinar y definir. Sé que es el primero de muchos.”, me comparte. La obra la empezó a escribir el día que realmente se le murió su tortuga. No tenía idea de qué iba a tratar, simplemente decidIó que se iba a llamar “Hoy se murió mi tortuga”.

Para Valeria, escribirla fue un proceso interesante. “Cada vez que avanzaba una tanto más, organizaba una lectura con los actores para escucharla y darme cuenta de cómo estaba pasando la información. También, una vez que terminé de escribirla, en tres reuniones distintas con amigos y familia, se las leí. Me emocioné de ver sus reacciones, notarlos contentos y recibir lindos comentarios. Fueron como una especie de sensor para detectar si la obra iba a funcionar o no.”

La obra la estrenaron en el Festival Internacional de Teatro Universitario organizados por la UNAM. Después de esa función que se dio la oportunidad de presentarla con una pequeña temporada en el Teatro La Capilla, “un espacio emblemático del teatro mexicano independiente y  contemporáneo.” en 2016.

Sobre sus planes para su compañía Me dijo, le dijo, le dije agrega: “Primero. queremos que HOY SE MURIÓ MI TORTUGA empiece a sonar un poco más dentro del círculo teatral. Honestamente estamos contentos con este primer proyecto. Nos  sentimos orgullosos y creemos que es algo que puede gustarle a muchos. Estamos enfocados ahorita en que esta obra tenga buena, bonita  y larga vida.

Los objetivos y planes que tenemos con  nuestra nueva compañía es generarnos proyectos propios desde la elaboración del texto hasta la tercera llamada. Sin jerarquías. Todo a nivel horizontal.

Ya está escrito el siguiente texto, por uno de mis compañeros. Texto que por cierto no he leído.

Actualmente estará en temporada en el Teatro Benito Juárez (Villalongín 15, Col. Cuauhtémoc), del 1 al 18 de febrero, los jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00 horas.

LO QUE ES PURAMENTE EL AMOR.
Una puesta en escena sobre el amor escenificando autores que lo han tomado como excusa para explorar la condición humana.

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)*

Nos recomendaría Ortega y Gasset que hablemos  de  amor,  pero  comencemos  por  no  hablar  de  “amores” porque son historias más  o  menos  accidentales entre  hombres  y mujeres, entre mujeres y mujeres, entre hombres y hombres donde intervienen factores innumerables que complican y enmarañan su proceso, habiendo en ellos de todo menos lo que merece llamarse amor. ¿Quisieras averiguar “lo que es propia y puramente el amor”?

En entrevista con Distrito Teatral, Michelle Jurado, co-productora y actriz del elenco “Hablemos de amor”, habló sobre la puesta en escena adaptada y dirigida por Jorge Robles, y llevada a escena por un grupo de actores y actrices con prometedora trayectoria en televisión y teatro. El proyecto parte de la pregunta: ¿por qué estamos tan alejados del amor si todo el tiempo decimos que queremos amor en nuestras vidas?

“Todos estamos buscando el amor, pero la búsqueda debe empezar por uno mismo. La respuesta a tener una vida más libre y equilibrada es recordando que el amor tiene que ser un motor social e individual. Esta bien hablar de amor para generar más empatía como personas y como sociedad.”

Esta adaptación está basada en la recopilación “Del corazón y otras vísceras” de Alejandra Jurado, Juan Carlos Barreto y Mauricio Martínez, que contiene fragmentos de “Estudios sobre el amor” de Ortega y Gasset, “El arte de amar” de Erich Fromm y escenas del teatro de Ibargüengoitia, Lope de Vega, Jardiel Poncela, Shakespeare y otros autores. Cabe mencionar que la trayectoria de Robles incluye colaboraciones con José Solé, Miguel Sabido y Ludwik Margules, para la Compañía Nacional de Teatro, y en el ámbito televisivo como director de escena a lado de productores como Carlos Moreno, Giselle González y Salvador Mejía.

La propuesta de “Hablemos de amor” es escenificar fragmentos de autores reconocidos sin contar una historia lineal. Con las ganas de contar varias historias sobre el amor y que el público se sienta identificado con ellas, Alfredo Gatica, Michelle Jurado, Francisco Pizaña, Natalia Madera, Carlos Gatica, Lore Graniewizc y Fabrizio Grajeda, interpretan fragmentos de “Otelo” de William Shakespere, “Castigo sin venganza” de Lope de Vega, “Cyrano de Bergerac” de Edmond Rostand, o “Loco amor viene” de Jorge Ibargüengoitia para cuestionarse y reflexionar sobre el amor.

“El reto es sí hablar de amor pero no como la típica comedia a la que estamos acostumbrados sino hacerlo con diferentes escenas y tocando los clásicos del teatro como Shakespeare o Lope de Vega. Son escenas seleccionadas y es arriesgado porque no es E”l arte de amar” sino una reflexión del mismo.”

El proceso de trabajo ha sido un laboratorio donde el director les ha guiado a construir personajes distintos y de diferentes épocas teniendo oportunidad de trabajar por vez primera con textos clásicos. En éste, su primer montaje grupal, experimentan con técnicas provenientes de la danza, del clown, del combate escénico y del teatro físico, entre otras; con especial énfasis en el trabajo escrito sobre la voz y la palabra.

“Hablemos de amor” reivindica al amor en los tiempo actuales. Se propone seducir y confrontar con el enamoramiento, el deseo, la pasión, el odio, los celos y el hastío a través de autores que han tomado al amor como excusa para explorar la condición humana. Percibirán deseo, pasión, comicidad; un ambiente de cercanía con los actores.

Sus últimas funciones son este 12, 14 y 19 de diciembre en el Teatro Bellescene, ubicado en Zempoala 90 en la colonia Narvarte, a las 20:30 horas. Los boletos los puedes comprar en línea dando click aquí

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* Diseñadora gráfica, apasionada por mejorar el entorno conociendo y entendiendo lo que inquieta a los clientes. Con 9 años de experiencia en proyectos de identidad gráfica y editorial y 7 años en la comunicación y marketing de las artes. Entre lo logros que puede contar están fundar Distrito Teatral para ayudar a incrementar la demanda teatral y mostrar el teatro como una opción de entretenimiento. Hoy quiere crear nueva audiencia para los eventos culturales en www.salasllenas.mx

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.
DISTRITO TEATRAL es el amigo que te recomienda qué ir a ver de la cartelera teatral no comercial en la Ciudad de México. Creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Amamoslacultura y #vamosalteatro a descubrir qué vale la pena ir a ver, compartir, recomendar y conversar de elllo. También entrevistamos a figuras clave de la escena en la Ciudad de México.

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