I LOVE NY

DEJEMOS ATRÁS LAS ETIQUETAS
Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

Parte de la capacidad de un escritor es poder ver, escudriñar en su interior para enunciar el exterior. Si éste sólo mira hacia fuera, su expresión resulta superflua ya que no tiene raíz. Por esta razón, si el escritor sólo expresa la inmediatez, la urgencia por ser montado o publicado, el espectador se sentirá entretenido o aburrido, sin algo que eleve su alma o conocimiento esa noche. Como diría Kafka: Si el libro (en este caso la obra) que leemos no nos despierta como un puño que nos golpeara el cráneo, ¿para qué lo vemos? ¿Para que nos haga felices? También seríamos felices sin ir al teatro.

El joven dramaturgo Rodolfo Cantú nos presenta I LOVE NY, una obra inocente llena de ocurrencias que carece de una estructura sólida. La obra narra el encuentro de dos extraños en el metro de Nueva York, un juego de miradas y una aventura que jamás existió. En realidad, uno se ríe de la falta de imaginación por parte del escritor, con trampas confunde al espectador. Primero, se nos muestra a una pareja enamorada que nos narra cómo fue su feliz encuentro, los obstáculos que tuvieron que superar, para al final decirnos, nada de lo que vieron es verdad, nunca pasó. Un recurso efectista, lo preocupante es lo truculento y mal hecho del recurso.

Por otra parte, tenemos un videoarte que nos acompaña durante toda la obra que no tiene justificación alguna, bien podría ser un espacio vacío. La iluminación es mala, rebota con la multimedia, provocando que su calidad baje. La producción de NUNA Teatro contemporáneo, pareciera que con poner la etiqueta “contemporáneo” exime al creador de reflexionar ante su obra. No, señores, por el contrario, los hace más responsables. Vivimos tiempos de guerra, de silencio y sólo el arte puede despertar un alma que sea capaz de salvarnos de la catástrofe humana. Así que señores, cuando ocupen esta etiqueta sean más responsables.

Por último, como dice Xavier Dolan, “las películas [obras] no deberían ser etiquetadas como LGTB, si queremos ser incluyentes y evolucionar, tenemos que dejar de nombrar las cosas y sólo vivirlas.” Si quieren ser una comedia romántica, dejen atrás etiquetas, evolucionen y que sea su trabajo el que hable.

Dónde: Teatro la Capilla, Madrid 13 col. Del Carmen Coyoacán.
Cuándo: Hasta ell 7 de marzo
Hora: 20:30 horas
Dramaturgia: Rodolfo Cantú
Dirección: Gustavo Beltrán
Costo de boletos: $250. Estudiantes, maestros, jubilados e INAPAM $150

LA ISLA

EN TIEMPOS EGOISTAS Y MEZQUINOS
Por Viridiana Tovar

Debo confesar que la principal razón por la que vi esta obra fue haber escuchado a uno de sus actores en una entrevista televisiva, donde decía que el ambiente artístico no tiene por qué estar aislado de la política y mucho menos de la inteligencia. Cuando lo oí, pensé enseguida en una obra panfletaria, llena de la tragedia y el sinsabor que como mexicanos vivimos a diario; pero al seguir viendo dicha entrevista, me sorprendió de manera grata que se hablara de un texto inteligente, que trata a su público de manera inteligente y al ver la obra, pude confirmarlo.

Otra confesión será decirles que cuando leo una reseña donde me cuentan la anécdota -o una parte de ella-, me queda la sensación de que me han dicho todo y nada. El tema es lo que en realidad me atrapa y esta obra aborda uno de los más grandes en la historia de nuestra humanidad: la libertad.

¿Dónde comienza y dónde termina nuestra libertad? ¿Qué pasa con ella cuando se ha coartado nuestro derecho de expresión? ¿Qué haría yo con ella si mi vida se consumiera en una celda? ¿Qué haremos, nosotros los mexicanos con los muros en las fronteras? ¿Nos podrán quitar también el derecho a pensar, a imaginar? ¿Lo están haciendo ya?

Todas estas preguntas zumbaron en mi cabeza mientras reía y miraba a dos grandísimos actores en escena, llenos de ternura y tragedia, de represión y hermandad -con una brutal actualidad-.

*Cada Teatro tiene su encanto y casi siempre, el sitio donde se encuentre es parte clave; por eso ir al Teatro es una manera práctica de conocer y vivir una ciudad. El Teatro La Capilla no es una excepción, cuando lo visito es difícil resistir la tentación de un café del jarocho, una caminata o si el ánimo lo permite, un mezcal en el centro de su barrio, Coyoacán.

LA ISLA
Dramaturgia: Versión de Nancy Cárdenas. Original de Athol Fugard, John Kani y Winston Ntshona.
Dirección: Karla Cantú.
Elenco: Fidel Monroy y Miguel Ángel Barrera.
Teatro La Capilla
Del 14 de Enero al 26 de Febrero de 2017
Funciones: Sábados 19:00 horas y Domingos 18:00 horas
Boletos: Entrada general $250. Descuento $150

Viridiana Tovar @AlbusViridi
Actriz y creadora escénica.

DIVINO PASTOR GÓNGORA

LOS GRILLETES DE LA VERDAD
Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

Presentada en 2001 en el Festival Fringe de Edimburgo e interpretada por el fallecido Carlos Cobos, la obra relata los días de mazmorra de un actor del México colonial que es perseguido y condenado a muerte por ser considerado subversivo, luego que interpretara jocosos sainetes de conocidos autores del siglo XVIII.

Después de casi una década de estrenada y tras haberse presentado en Festival Internacional Cervantino, “Divino Pastor Góngora” escrita por Jaime Chabaud regresa a escena en el teatro el galeón del Centro Cultural del Bosque, pero ahora actuado por José Sefami y dirigido por Mauricio García Lozano.

La obra resulta ser un verdadero deleite de inicio a fin. García Lozano logra un montaje disfrutable, accesible y muy atractivo gracias a la complicidad de Mario Marín del Río – a quien le debemos la escenografía y el vestuario – elementos que, en definitiva, coadyuvan a que sea posible revivir la época en la que sitúa la acción. El diseño de iluminación – a cargo de Ingrid Sac – delimita y ambienta perfectamente la lóbrega mazmorra desde donde el actor colonial relata los atropellos y censura de las que ha sido víctima por parte del inquisidor Zeballos.

El trabajo de José Sefami es plausible. Logra un personaje entrañable que, con el desarrollo de la obra, va volviéndose cada más interesante. Consigue gracias a su indiscutible talento y dominio de la escena, propio del conocimiento de su oficio, conmover al espectador ante su inminente muerte. Aunque en algunos momentos, sus líneas eran apenas audibles, esto no significa, definitivamente, un problema para el espectador que complacido atendía y seguía la escena.

El regreso de esta puesta en escena es uno de los grandes aciertos de este año. Pocas son las veces que el público tiene la oportunidad de disfrutar de un monólogo tan atractivo como este, en voz de un actor como José Sefami. Chabaud nos recuerda con su texto, la posición que han ocupado los actores en la sociedad, y como han sido blanco de ataques, críticas, censura y represión. “Divino Pastor Gongora” logra desatar nuestra vehemencia en estos momentos en los que la libertad de expresión se ha vuelto oro.

“DIVINO PASTOR GÓNGORA”
De: Jaime Chabaud
Dirección: Mauricio García Lozano
Con: José Sefami
Teatro el galeón del Centro Cultural del Bosque
(Paseo de la reforma y campo marte S/N)
Del 12 de enero al 19 de Febrero
Jueves y viernes 20:00, Sábados 19:00 y Domingos 18:00Hrs.

oscar.fontana@distritoteatral.mx
*Actor / Dramaturgo / Teatrista

SPUTNIK

APOLOGÍA DE LO ELEMENTAL
Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

La anécdota de Laika, la perrita rusa que orbitó la tierra a bordo del Sputnik 2, ha sido inspiración para algunos dramaturgos y directores, primero fueron Hasam Díaz y Antonio Zuñiga con aquella obra que llevó el nombre de su protagonista, la cual fue estrenada en el teatro Julio Castillo, y ahora, es el actor y dramaturgo Álvaro Muñoz quien después de haber tenido una exitosa temporada en el Foro Shakespeare, decide revivir la anécdota para aterrizar en el foro “la gruta” del Centro Cultural Helénico.

Comenzaré por decir que, una de las grandes virtudes del montaje, es el espacio vacío en cámara negra que acertadamente propone su director, Edgar Uscanga. Y es que esto provoca que el peso del montaje recaiga completamente en el trabajo de los actores (Álvaro Muñoz y Hugo Rocha). Es también necesario mencionar que, el magistral dominio del tempo y ritmo de la obra, hacen que la atención del público infantil esté siempre en la escena, además de provocar la transición por varias emociones. Y no quisiera que lo que expresaré a continuación se entendiera como una glorificación a la narraturgia – de la cual, definitivamente, no soy adepto – pero el texto de Muñoz está tan bien estructurado que, definitivamente cautiva al espectador, y afortunadamente, no se queda en un soporífero intento.

En el terreno de la actuación, la ejecución de ambos es muy valiosa, sin embargo, se agradecería mucho más el cuidado en la representación de los niños. Por otro lado, es muy común que, en los montajes infantiles, la dirección de actores apunte hacia una grandilocuencia patética y ridícula con el único fin de “ganar” la atención de su público, sobornándolo con gags o chistes francamente vergonzosos. Afortunadamente este no es el caso, pero la histérica interacción con el público entre llamada y llamada – con el claro propósito de inducirlo emotivamente – puede hacer que se sature y se aísle, amén de parecer un recurso sumamente tramposo del cual no hay necesidad de echar mano. En dado caso, las escenas están muy bien entonadas con la música diseñada por el mismo Hugo Rocha.

En definitiva, es un montaje con grandes valores artísticos, en donde, entre otras muchas cosas, cabe la mención del bello títere que da vida a Laika. Y aunque quizá, el discurso ya se ha vuelto un caballito de batalla ahora que el maltrato y protección a los animales está en el ojo del huracán, siempre generará indignación en el espectador, y en este tenor: ¿qué es el teatro sino catarsis?

“SPUTNIK”
De: Álvaro Muñoz
Dirección: Edgar Uscanga
Con: Álvaro Muñuz y Hugo Rocha.
En: Foro la gruta del centro cultural helénico (Av. Revolución 1500, Col Guadalupe Inn)
Del 15 de enero al 02 de abril
Domingos 13:00 Hrs.

oscar.fontana@distritoteatral.mx
*Actor / Dramaturgo / Teatrista

LOS GEMELOS EN BUSCA DEL SOL El origen y la belleza

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

Los navajos son una comunidad indígena situada al norte de nuestro país y al suroeste de Estados Unidos, distribuidos principalmente por los estados de Arizona, Utah, Nuevo México y Colorado, más otros que habitan en Chihuahua y Sonora. Este pueblo se identificó como enemigo de las tribus sedentarias, los españoles y angloestadunidenses. Además de haberse unido a las fuerzas armadas de los Estados Unidos durante la segunda guerra mundial, país que, finalmente los sometió en el siglo XIX.

La sociedad de las liebres, es una compañía de teatro que decide escribir un texto a partir de uno de los mitos de esta comunidad, para finalmente llevarlo a escena. Todo esto, bajo la dirección de Gerardo Daniel Martínez.

La adaptación del mito para teatro, nos presenta a un par de gemelos – hijos del sol – que van en su búsqueda con el propósito de solicitarle las armas para hacerle frente a un ejército de feroces criaturas que viven atemorizando a su pueblo. Para lograr su cometido, los hermanos tendrán que lanzarse a una odisea que implica, entre otras cosas, el enfrentamiento con sus propios temores y demás escollos.

La propuesta escénica de Daniel Martínez es realmente bella. Nos presenta un escenario donde destacan principalmente dos paneles blancos abatibles que, en un juego de luces, nos permite contemplar la proyección de las sombras de los personajes, consiguiendo de inmediato un atractivo efecto en varias dimensiones.

La pericia con la que están resueltas la mayor parte de las escenas, confiere al montaje de un gran atributo, ya que, a partir de esto, logran captar la atención del espectador y lo conducen por los épicos escenarios propuestos en el texto. Y en este tenor, uno de los aspectos que hace notable y valioso el trabajo del director, es precisamente, el dominio que tiene sobre la escena, la firmeza de su discurso y la certeza de lo que pretende lograr en su espectador.

Otro de los elementos a destacar, es la riqueza que la música confiere a la escena. Música compuesta y ejecutada en vivo por Oscar Kogsni que no sólo logra entonar, sino que se vuelve parte del montaje como un personaje más. De este modo, resulta casi imposible pensar la obra sin la beldad de su música, generada, por una variedad de instrumentos musicales milenarios.

El trabajo actoral de toda la compañía es laudable. Sin embargo, se espera que la aparición del sol sea un momento apabullante – por la dimensión que se le da en relación con sus hijos y su importancia dentro del mito – desgraciadamente esto no sucede porque su voz está desprovista de fuerza, potencia y sonoridad. Se esperaría que el vigor de su voz resonara en las paredes del teatro y asumiera, en efecto, el rol de dimensión que promete la naturaleza del mito. Aunque esto, honestamente, resulta ser peccata minuta. Finalmente, el montaje logra sostenerse y generar un sentimiento de satisfacción en los espectadores que, fascinados, se dejan sorprender con el despliegue de máscaras, títeres y demás recursos ciertamente bellos.

“Los gemelos en busca del sol” es un montaje francamente inteligente, que apela al análisis arquetípico del padre y su relación con el hijo. Resulta ser un trabajo sumamente generoso con su público que lo exhorta a voltear al pasado para buscar en él la respuesta de cómo enfrentar el futuro. Es también, la perfecta “primera vez al teatro” de cualquier niño o adulto que desee sorprenderse con la magia del teatro.

“LOS GEMELOS EN BUSCA DEL SOL”
De: La sociedad de las liebres.
Dirigida por: Gerardo Daniel Martínez.
Se presenta en casa del teatro (Vallarta 31- A plaza de la conchita, Col del Carmen, Coyoacán)
Los días: sábados y domingos a las 13:00Hrs, del 14 de enero al 12 de febrero.
Elenco: Abraham Baños, Fernanda Benítez, Pablo Iván Viveros, Elena Gore/Ditmara Náder y Andrés Torres Orozco.
Costo: $200.- (entrada general)

oscar.fontana@distritoteatral.mx
*Actor / Dramaturgo / Teatrista

LOS EXODITAS O LA MARCA DEL CAOS

Reflexión del trabajo de Diego Álvarez Robledo
Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

“LOS EXODITAS O LA MARCA DEL CAOS” es una obra de Diego Álvarez Robledo (DAR) que nos invita a pensar, no sólo en nuestra política actual, sino también a cuestionar nuestro teatro y el proceso de montaje, así como a sus actores.

Es es una ficción documental sobre el fenómeno de la migración. Hace un recorrido desde el nacimiento del universo hasta ver cómo las sociedades se dividieron y crearon fronteras. Incluso existe una escena que rinde tributo a “Odisea del Espacio” de Stanley Kubrick, la cual es conocida como ‘The down of man’ dentro de la película.

Para quienes hemos seguido el teatro de Diego hemos visto una notoria evolución en sus puestas en escena, y en su desapego ocasional con la palabra, cargado de connotaciones históricas que son propias de nuestra generación. Esto ha sido provocado después de la posguerra al tener que examinar de nuevo la naturaleza del lenguaje, que ya no podía narrar el dolor y crueldad del hombre contra el hombre y la naturaleza.

Sin duda, Diego Álvarez es uno de los jóvenes directores que tratan de desapegarse de sus maestros para comenzar a generar un lenguaje propio. Merece reflexiones propias de su teatro y por ello, el análisis de su trabajo requiere tiempo ya que su evolución es notoria en cada trabajo.

En “LOS EXODITAS O LA MARCA DEL CAOS”, existe un ingrediente extra, David Atencio Herrera en una dirección conjunta con DAR. Este lazo, al menos en la dirección, funciona de manera orgánica permitiendo que no sean dos visiones las que se reproducen en escena. Empero, en el diseño sonoro, existe un caos. Y aunque esto último pareciera trágico, en realidad es una abertura a reflexiones en la escena. Como espacios improvisados en “Casa del Lago” que no son adecuados para musicales, ni obras teatrales. La iluminación neón provoca revotes en las blancas paredes y pisos de duela del salón. La música es eclipsada por los ecos del lugar, siendo muy difícil escuchar de manera clara.

Por otro lado, quienes conocemos el trabajo de DAR, sabemos que requiere de los actores con un entrenamiento físico arduo para que los cuerpos en escena sean capaces de reproducir la poética de este director. He visto su trajo en “Animalia” y sé de lo que es capaz DAR cuando tiene un equipo bien entrenado. Los integrantes de la compañía “Los Conjurados Teatro” se quedan muy por debajo del rigor que requiere este director. No quiero demeritar el corazón y alma que este equipo ha puesto en la obra, es mucho y notorio. Sólo que cuando vemos a una mujer “bailando” tango y no conmueve al espectador, existe una problemática; porque no es por falta de sentimiento, sino de técnica que no permite que la escena sea excelente.

Diego Álvarez Robledo es un director que tiene clara su visión, su juventud le permite hacer trabajos con exploraciones que mantienen un rigor que llevan a sus espectadores y público al extremo. “LOS EXODITAS O LA MARCA EL CAOS” es una obra en donde el espectador sale conmovido por su temática dolorosa, por sus actuaciones honestas, por su manera innovadora de presentarse en estos espacios alternativos y ante espectador. Si me atrevo hacer una reflexión más profunda y poco cómoda para este director, es por el deseo de generar un diálogo en donde el único triunfador sea el teatro.

Dramaturgia: Diego Álvarez Robledo
Temporada: Se presentó en Sala 2 Rosario Castellanos de la Casa del Lago.
Sinopsis: En Los Exoditas, nueve actores emplean técnicas de danza, canto, combate escénico, ejecutan instrumentos musicales en escena, y utilizan distintas técnicas clásicas de actuación que van del realismo a la farsa entre una y otra escena; el texto salta ágilmente entre la ficción, el dato duro y la poesía; incorporamos un sistema ágil de video proyección que no sólo genera ambientes sino que interactúa con los artistas en la escena, así como un diseño sonoro que apoya con música y ambientes el trabajo coral de los actores. Este proyecto investiga lenguajes escénicos para provocar una experiencia
hermosa y
confrontadora.

ÓSCAR FONTANA Y “LA MÁS FUERTE”

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)

Óscar Fontana es actor, dramaturgo, director y amante del teatro desde siempre con excesivo gusto por el análisis (propio de su trabajo como actor)

¿Cómo te modifica el silencio? Y si te encontraras con un acontecimiento fortuito donde sentir te genere algo ¿irías? Ahí sucede el teatro, al menos para el director Oscar Fontana quien está por estrenar “LA MÁS FUERTE” de Strinberg junto a las actrices Adriana Focke y Carla Souza.

“LA MÁS FUERTE” es un monólogo, en un solo acto, donde una mujer platica con otra que nunca habla, pero que en cuyo silencio se puede reconocer la verdad: una a decidido seguir adelante a pesar de la infidelidad y otra ser amante escondiendo la relación con alguien. Un texto con un título provocador, que sigue sucediendo y, muestra que no eres importante por lo que eres sino por quien estás casada. ¿Te harías de la vista gorda ante la infidelidad de tu marido?

La idea de montar este texto surgió porque Óscar quería trabajar con Adriana. Comenzaron a buscar un texto que montar juntos y después de unas semanas vino a su mente ese texto de August Strindberg.
—Surgió de pronto, mientras estaba haciendo ejercicio, supongo que por asociación de ideas. Luego, la respuesta de Adriana fue un “sí” inmediato, cosa que me resultó muy lógica, nadie le hace gestos a Strindberg, o si existe alguien, no lo he conocido. —me comenta.

La dirección es un gran hallazgo en su vida en el teatro.

—Dirijo porque me seduce el hecho de construir en escena lo que el dramaturgo escribió. Me llama la atención el estudio, análisis y exploración del texto con los actores. El descubrimiento de sus posibilidades. Me fascina el hecho de verlos dispuestos, atentos, poniendo y disponiendo su cuerpo/mente para la ficción. Me encanta el hecho de ser partícipe y testigo de ese enfrentamiento de los actores con sus herramientas y la manera en que las ponen al servicio de la escena. Me conmueve la confianza con la que permiten que el director conduzca su energía. A final, resulta ser un ejercicio para mí que me obliga a escuchar de varias maneras. Es la conducción de la energía.

Para mí ir al teatro es una forma de pensar, reflexionar o sentir algo. Esto me hace creer que cuando alguien decide montar algo quiere provocar algo en los espectadores, que se sientan de alguna manera tras ver la propuesta. Sin enargo, Óscar piensa distinto a mí.

—Sentir ya es un movimiento, lo que genere ese movimiento ya no depende de mí, tampoco de las actrices, es hasta invasivo, supongo. Me sentiré agradecido por lo que surja, porque decidieron ir a compartir un momento, porque aceptaron esa ficción como verdad.

“LA MÁS FUERTE” es un montaje versatil que puedes conocer en el 1900 Café ubicado en Medellín #33 en la Roma Norte, por la fuente de las Cibeles. Tomas un café mientras descubres la historia escrita por uno de los escritores más importantes de Suecia. Estará todos los jueves y viernes a las 8:00 pm del 1 al 16 de diciembre.

EL LÍQUIDO TÁCTIL

LO MÁS HUMANO DEL HOMBRE

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)*

“En el arte hay que partir de lo irracional para producir lo real.” André Breton

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En un mundo donde la realidad se encuentra fuera de la palabra, es difícil para un escritor mantener su oficio vivo y más cuando el uso del lenguaje en las artes y vida se encuentra casi extinto. Para que el lenguaje cobre vida y haga eco nuevamente en el hombre, debe alejarlo de todo artificio y retórica. ¿Cómo lograrlo en un espacio que se ha abierto a la máxima decadencia del habla a través de teorías posdramáticas? ¿Cómo mostrar la realidad humana en un arte que se encuentra invadido por el realismo o las fantasías?

“Líquido táctil” habla del reencuentro entre dos hermanos que fueron separados desde muy pequeños. Uno de ellos es un hombre poderoso que se ha casado con una bella actriz que tiene una fascinación un tanto extraña por los perros. Conforme la noche y las cervezas pasan, el ambiente se vuelve cada vez más hostil pues existe una necesidad de revelar un secreto que mantiene a la pareja en terapia y desquiciada.

Daniel Veronose nos muestra una comedia ácida fársica, en donde nos revela el vacío de la existencia humana y cómo genera necesidades artificiales para no sentirse tan solo, como las adicciones al tabaco o una extraña fascinación por los animales. Si bien es cierto que es un texto lleno de humor negro, un halo melancólico lo invade, como la muerte de Chéjov debido a los hermanos Lumiére.

La dirección de Boris Schoemann como siempre se encuentra fuera de artificios y es justa en su medida, nada sobra. Los actores entienden el complejo texto de Veronose comprendiendo el absurdo de la existencia de sus personajes, sin mostrarse ridículos, incluso Naomy Romo, que interpreta a una actriz desquiciada. La iluminación y sus cambios crean una atmósfera bizarra, irreal. Sin embargo, el vestuario se encuentra descuidado, las arrugas en éste no permiten que los personajes se muestren como lo que en realidad representen, a esa clase poderosa.

“Líquido táctil” es una obra divertida, inteligente que muestra lo más humano del hombre, la soledad, los celos, su deshumanización y lo absurdo de su existencia. Veronese lo hace con la maestría que sólo el oficio les otorga a los escritores con el tiempo. Necesaria en estos días en donde los animales se han convertido en extraños acompañantes y artífices del hombre, mostrando no sólo un vacío, sino un extraño y oscuro secreto.

 

EL LÍQUIDO TÁCTIL

Autor: Daniel Veronese
Dirección escénica: Boris Schoemann
Elenco: Naomy Romo, Jorge Chávez Caballero y Daniel Bretón.
Duración: 60 minutos.

Dónde: Teatro La Capilla. Madrid 13, Coyoacan.

Domingos 6 p.m. hasta el 18 de diciembre.

Entrada general $200.

 

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

En DISTRITO TEATRAL creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Vamosalteatro para descubrir qué #valelapena ir a ver y conversar. Da click aquí si quieres conocer más de nosotros.

#DistritoTeatralEntrevista a Hugo Arrevillaga

Para Hugo Arrevillaga pareciera impertinente hacer teatro hoy en día cuando le puede dar la vuelta al mundo en un celular

Video and Film

LÁGRIMAS DE EDIPO

Dramaturgia: Wajdi Mouawad.

Dirección: Hugo Arrevillaga Serrano.

Con: Vicky Araico, Mitzi Mabel y Ulises Martínez.

¿En qué teatro? Foro Sor Juana Inés de la Cruz (Av. Insurgentes Sur 3000, Ciudad Universitaria)

¿Qué días está? Jueves y viernes 20:00 horas, sábados 19:00 horas y domingos 18:00 horas. Domingo 13 de noviembre 12:00 y 18:00 horas

¿Cuánto cuesta? Jueves de Teatrounam  $30.00 (Sin ningún tipo de credencial). Viernes, sábado y domingo $150.00 general / $75.00 con descuento. El descuento aplica a estudiantes de cualquier institución, con credencial vigente maestros de la UNAM, afiliados al INAPAM, jubilados ISSSTE e IMSS.

Hasta el 11 de diciembre

 

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TRAINSPOTTING, LA VIDA EN EL ABISMO…

SEXO, DROGAS Y… ¡MIERDA!

Por Ariel Escalante (@YosoyAriel)

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Las anécdotas en torno a estos temas resaltan en el montaje teatral Trainspotting, la vida en el abismo, que dirige Gabriel Retes, basada en la novela de Irvine Welsh, a partir de la adaptación al teatro de Harry Gibson…

La obra, que reestrenó temporada el pasado viernes 4 de noviembre, retoma la historia de Marco, un joven adicto a la heroína, y su grupo de amigos, quienes viven el presente entre futbol, borracheras y drogas, y evitan tomar decisiones importantes para su futuro…

En la version teatral de Retes se respeta la historia de la novela, que fue conocida a nivel mundial cuando Danny Boyle la llevó a la pantalla grande, pero incluye diálogos y referencias nuevos que intentan acercarla a la realidad social y política del México actual.

El también cineasta considera importante que sean, principalmente, los jóvenes quienes se atrevan a ver la obra. “La intención del montaje surge de la necesidad por mostrar ese otro lado que poco conocemos de las drogas; no los narcotraficantes ni los grandes cargamentos confiscados que orgullosamente el gobierno presume en televisión sino el 80 por ciento que no logran recuperar y llega a manos del consumidor, el adicto, el enfermo”, menciona Retes.

Trainspotting fue adaptada al teatro antes que al cine y en México la estrenó por primera vez el propio Gabriel Retes en 1998. Esta nueva version fue vista por Irvine Welsh el año pasado en Guadalajara, en el marco de la Feria Internacional del Libro a la que fue invitado.

Si bien carece de las escenas brillantes que logró Danny Boyle con el lenguaje cinematográfico, la apuesta de este proyecto es conectar con el publico a través de las anécdotas que reflejan cómo se enfrenta una vida de adicciones, violencia y machismo y a través del trabajo de los actores que constantemente rompen la cuarta pared.

Trainspotting se presenta los viernes y sábados a las 6: 30 y 8:30 pm en el Teatro Rodolfo Usigli, en Coyoacán, hasta el próximo 31 de diciembre.

 

 

Trainspotting

Dramaturgia: Harry Gibson, a partir del original de Irvine Welsh

Dirección: Gabriel Retes

Elenco: Vicente Flores, Meritxell González, Raúl Andrade, Sofía Sojo

Viernes y sábados 18:30 y 20:30 horas

Teatro Rodolfo Usigli; Eleuterio Méndez 11, colonia San Mateo, delegación Coyoacán, Ciudad de México.

Entrada general $350. Estudiantes e INAPAM $250.