Un digno homenaje a Jackson Pollock

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

Existen genios en el arte que abren brechas en su historia que jamás podrán ser superadas por nadie. Uno de esos casos es Jackson Pollock, quien llevó el action painting a límite de la historia del arte moderno. Su furia, su falta de tacto ante el lienzo fueron característicos de este personaje. Fue esta misma furia que lo acompañó hasta el día de su muerte en un accidente automovilístico provocado por él.

“Red Black and Silver” habla del último segundo antes de la muerte de Pollock en el accidente. El tiempo suspendido se abre no sólo para ilustrar la muerte del pintor como el máximo performance de su vida, viseras, ojos reventados, sangre…También para dejarnos conocer un poco más la obra del pintor a través de un lenguaje, en ocasiones, poético. Y no sólo es eso, también es la historia de un amor atormentado protagonizado por el pintor de 44 años y su amante de 26.

La estructura dramática de Alejandro Román en definitiva tiene una primera complejidad, el tiempo. Después, el lenguaje, que al aspirar a la poesía llegaría a perder sentido si no es apoyado por una buena dirección, podría correr el riesgo de que el hecho teatral desapareciera y parecer una declamación. Algo que logra Arnaud Charpentier apoyándose en la interpretación de Alain Kerriou.

Sumando a estos dos componentes la música, la iluminación, los visuales, los circuitos cerrados hacen del monólogo una experiencia audiovisual. El performance es gran protagonista de este monólogo. Un homenaje digno para este pintor.

“Red black and silver” no sólo es una obra dirigida a todos los fans del pintor, también para los espectadores que gustan de ver en riesgo no sólo a los creativos, sino a todo el equipo. Como los productores que han hecho de este monólogo un espectáculo que crece cada vez más. Hay que recordar sus inicios y cómo se representaba dentro de una burbuja de plástico. El crecimiento de esta obra, se debe mucho a la compañía Teatro Entre 2 que no han quitado el dedo del renglón y han aportado un crecimiento dentro de la obra y exposición. Que es la tarea de todo buen productor.

*La obra estará en temporada en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico a partir del 5 de octubre.

Por Viridiana Nárud

No soy lo que soy, escrita y dirigida por Roberto Eslava, es una obra que nace de fragmentos de Shakespeare, John Milton y Lord Byron, sin duda algo ambicioso, lo cual puede resultar peligroso si no se maneja con maestría.

El qué somos y el tratar de definirlo pareciera que es un cuestionamiento constante en el teatro actual, y no sólo eso, de la especie humana en general. Así que al tratar de brindar una respuesta, o incluso, abrir una nueva interrogante debe ser tratado con mucha inteligencia, sobre todo cuando uno se pone sobre los hombros de los escritores más grandes de la historia.

Desafortunadamente, la curaduría del texto quedó muy por debajo de lo esperado ya que se plantearon demasiadas interrogantes y no se pudo discriminar ninguna en favor de la poética de la obra y su discurso. ¿Qué es la envídia? ¿Qué es el teatro? ¿Qué es ser mujer? ¿Quién es Dios? ¿Quién soy yo? Son interrogantes que necesitan tener la oportunidad de ser resueltas con tiempo. Lo que sucede en “No soy lo que soy” es que las ideas son interrumpidas en medio de la resolución o, peor, cuando apenas comenzaban a cuestionarse.

Los elementos en escena son demasiados, tantos, que a veces uno se distrae de lo importante que no termina de ser planteado. Me parece bien que el director desee explorar las coreografías, la música, los espacios alternos del teatro al presentarlo en el sótano del Julio Castillo, sin embargo, tantos elementos nos distraen. Sí, es cierto, logra la etiqueta de experiencia, pero no consigue la emotividad.

En este punto, debo señalar, que las interpretaciones de Luis Ernesto Verdín, Irene Repeto, Medín Villatoro y Jaklyn Michelle Bejarano Castro ocasionaron que la obra alcanzara momentos de diversión, de introspección, de absurdo. Fueron los actores quienes mantuvieron la atención del público estando siempre atentos de esa comunión que, en teoría, debería existir en cada representación. Sin duda, esta compañía de actores se encuentra comprometida con su labor teatral. Fue para mí una bocanada de aire nuevo al ver sus interpretaciones.

Escrita y dirigida por Roberto Eslava, a partir de textos de William Shakespeare, John Milton y Lord Byron
El elenco: Luis Ernesto Verdín, Irene Repeto, Medín Villatoro y Jaklyn Michelle Bejarano Castro.
Teatro Julio Castillo de Centro Cultural del Bosque (Paseo de la Reforma y Campo Marte s/n)
Funciones: lunes y martes, 20:00 h. Hasta el martes 10 de julio.
Boletos: $150

UN INTENTO DE ENSAYO ESCÉNICO
Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

Hasta hace no muchos años en la URSS los escritores eran considerados maestros, incluso Stalin dijo que los escritores eran ingenieros del alma. Lo que significaba que los conocimientos se ponían a disposición de la invención, claro, la técnica es parte vital para sostener las estructuras. Sin embargo, hoy en día tenemos la idea que cualquiera puede tomar una pluma, su computadora y escribir cualquier cosa. Aunque parcialmente esto es verdad, no todos pueden llevar a cabo una obra en donde la ficción y las palabras cobren sentido.

Cuando uno asiste a obras en donde el concepto o el discurso es lo importante, uno debe comprender que los sentimientos pasan a segundo plano y que las ideas serán las protagonistas. Sólo algo que tener muy claro: para que el discurso tenga fuerza tiene que ser inteligente y no retórico. Por lo tanto lo que se exige del escritor es un gran universo amplio y basto para que no quede mal posicionado.

“Sobre la felicidad” es un intento de ensayo escénico en donde, en teoría, la interrogante es ¿Qué es ser feliz? Empero, también se encuentra en el vilo los cuestionamientos a la maternidad y la paternidad, dando un giro Deus ex machina, en donde el padre se debate entre dar muerte a su familia. Algo que nadie esperaba, incluso sospecho que el escritor tampoco, porque parece una mera ocurrencia. Es por eso que la técnica es importante, y aquí regreso con lo dicho antes acerca de Stalin, sí, lo escritores, los buenos, son ingenieros del alma porque la construyen a partir de la técnica y el conocimiento; si nos ponemos fenomenológicos, podríamos agregar que también un espíritu.

“Sobre la felicidad” es un listado de palabras que intentan dar sentido de manera artificial en la escena. No basta con la intensidad de las actuaciones, ni los cambios de luces sin sentido, ni el vestuario que no se entiende por qué es así. Godard un famoso director de cine dice: Una historia debe tener un principio, un intermedio y un final. No importa el orden. Lo que aquí no hay. Nuevamente, hago una invitación a respetar el tiempo del espectador. Vivimos en una ciudad caótica que nos toma mucho tiempo el desplazarnos de un lugar a otro. Así que si invierto una hora, si bien me va, en el tráfico quiero verme recompensada con una buena obra de teatro sin importar si su discurso apela a las emociones o al intelecto.

SOBRE LA FELICIDAD. Compañía: Todos los Nombres Teatro | Dramaturgia: Vera Rivas | Elenco: Ana Banderas, Ariana Candela, Sofía Gabriel Luna y Diego Martínez Villa | Género: Teatro contemporáneo | Duración: 80 min. | Función apta para adolescentes y adultos. | Sala Novo. Madrid 13, Del Carmen Coyoacán | Hasta el 26 de junio | Martes: 20:00 hrs. | Entrada general: $200

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GRAN HISTORIA Y GRANDES ACTUACIONES
Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

Constantemente decimos que el teatro está muerto o que se encuentra dando sus últimos suspiros. Para quienes somos aficionados y amantes de éste sabemos que de no ser una superproducción, las salas se encuentran la mayor parte del tiempo casi vacías. Sin embargo, existe un público que insiste al igual que creadores escénicos en hacerlo. La pregunta para los espectadores es: ¿Por qué vamos al teatro? Ofertas tenemos muchas para mantenernos en casa, cómodos y sin la necesidad de subirnos a un coche y enfrentar una hora de tráfico. La respuesta es porque el teatro es algo vivo. Empero, aquí participo como crítica, no todas las puestas en escena parecen estarlo.

“El zoológico de cristal” un clásico escrito por Tennessee Williams en 1945, nos demuestra la importancia de una buena historia y cómo es que esta mantiene la atención y tensión en los espectadores. La obra semi biográfica del autor, nos cuenta la historia de Tom Wingfield (Pedro de Tavira), un contador fracasado que desea ser escritor para huir de la dominante figura materna, Amanda Wingfield (Blanca Guerra) y la enferma hermana Laura Wingfield (Adriana LLabres). El eje central de la trama gira en torno a Tom y cómo tiene que enfrentar la mayor condena del hombre, la libertad.

Los espectadores se mantuvieron tensos, la respiración contenida en la sala, las risas al unísono significaban que la tarea estaba cumplida. Sin embargo, el descuido de la escenografía y el peligro que corrieron los actores al estar a punto de caer del sofa durante toda la obra, nos distanciaba de lo que en realidad estaba sucediendo para hacernos recordar que era una ficción. Aquí la llamada de atención sería para el director Diego del Río que descuidó los destalles afectando a sus actores.
Zoológico de Cristal es una obra que vale toda la pena ver, no sólo por la gran historia sino también por las grandes actuaciones. Uno se queda pasmado en el final. El cual hubiera sido más emocionante si la iluminación hubiese sido mejor pensada. Si usted lector, tiene ganas de ir a ver una obra que jamás podrá olvidar, que pasará la prueba de la cena, vaya a verla.

De Tennesse Williams
Dirección: Diego Del Río
Elenco:
Blanca Guerra: Amanda
Adriana Llabrés: Laura
Pedro de Tavira Egurrola: Tom
David Gaitán: Jim
Mariano Palacios: Jim

Teatro Helénico (Av. Revolución 1500, Col. Guadalupe Inn).
$200 $350 $450
Jueves y viernes 20:30 h, sábados 18:00 y 20:30 h y domingos 17:00 y 19:30 h. Hasta el 24 de junio
Apta para: + 10
Duración: 110 min. Sin intermedio

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UNA FALLIDA REALIDAD

Por Viridiana Nárud (@Viridianaeunice)

Me pregunto si el ser humano es capaz de entender la verdad y comunicarla de forma consciente todo el tiempo. Porque algunas obras de teatro hacen creer que el drama del hombre siempre es conscientemente inconsciente y verdadero. Como la obra NOCHE DE ESTRENO en donde la falta de entendimiento y caos de la obra recae sobre el director Antonio Castro. La obra aborda la historia de una reconocida actriz que cae en crisis después de su encuentro con una joven fan que muere después de conocerla. La vejez, tema central de la obra dentro de la obra, afecta a este personaje a tal manera que la realidad y la ficción se confunden.

Si bien es cierto que el drama escrito por John Cassavetes fue creado para generar confusión y decir de manera expuesta una serie de verdades acerca de la vejez, el amor y la actuación, a manos del director Antonio Castro, sólo es caos. Uno como espectador no entiende qué está sucediendo en escena. Y no por el drama escrito sino porque la visión del director se encuentra perdida. Queda claramente expuesto al intentar crear fallidas escenas de terror, luego cómicas, de drama… una escenografía e iluminación descuidas, actuaciones que no tienen matices y actores que gritan todo el tiempo.

El arte, si bien es cierto, no es una expresión total de la verdad, sí arroja un poco de ella. Es por ello que su verosimilitud es importante. Incluso el teatro del absurdo nos hace decir: ¡Claro, esto es verdad! A pesar de los rinocerontes en medio del escenario. Pero aquí sólo muestra descuidos. Incluso el no arte nos revela su ausencia. Lo que molesta es la falta de carácter por parte de los expositores y la pretensión.

Como artistas escénicos es muy fácil apoyarnos en el concepto y decir que pocos son los elegidos para entendernos. Esta idea surge por nuestras estructuras económicas que han ido deformando el espíritu del hombre desde la Revolución Industrial. El hombre máquina es incapaz de cuestionarse quién es en realidad y sentarse a buscar una respuesta que probablemente nunca sea resuelta. Quizá por ello, cuando escuchamos dramas que nos guían a pensar lo que debemos saber, suponemos es interesante.

NOCHE DE ESTRENO es una obra descuidada, sin intención de decir nada. Aunque Cassavetes llega a cuestionar para qué está escrita, al parecer, para los actores y el director jamás fue una pregunta que debiera ser respondida. Sin embargo, la responsabilidad no recae sólo es los exponentes de esta obra, también en un público poco exigente que se reía de nada y que no se cuestionaba por qué estar sentados durante dos horas viendo a personas crear una fallida realidad.

Basada en la película Opening Night de John Cassavetes
Dirección escénica: Antonio Castro.
Elenco: Ariane Pellicer, David Hevia Arturo Ríos, Martín Altomaro, Tina French, Anillu Pardo y Pamela Ruz
Teatro Helénico (Centro Cultural Helénico, Avenida Revolución 1500. Col. Guadalupe Inn)
Funciones: Martes 20:30 horas. del 17 de abril al 26 junio
Boletos: $450, $350 y $250.

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