LA MUJER JUSTA

PARA LOS AMANTES DEL ARTE

“Para la creación, hace falta algo más… Una fuerza especial, una disciplina; o las dos cosas juntas. Creo que es a esto a lo que se suele llamar carácter…”
Sándor Márai

Por Viridiana Nárud* (@viridianaeunice)

mujerJusta

La última puesta en escena de Enrique Singer, “La Mujer Justa”, muestra la disciplina y fuerza que los años de experiencia han dado a éste director. Un inicio donde los personajes parecen espectros deambulando por el escenario, necesitados de cobrar vida para contar la historia de Sándor Márai, rinde homenaje al pintor Rembrandt; donde los claroscuros son los protagonistas de una historia.

En esta obra la música, la iluminación, la escenografía, las actuaciones, el vestuario, la dramaturgia y la dirección, forman parte de una maquinaria donde cada una de las piezas funciona de manera puntual. En ocasiones, como espectadores, nos puede llegar a parecer algo natural el acompañamiento de estos elementos en la puesta en escena, sin embargo, esta “naturalidad” se encuentra hasta cierto grado injustificada ya que cada uno de estos siete elementos implica un lenguaje por separado. En el caso de “La mujer justa” Enrique Singer maneja estos elementos hacia un discurso claro dentro de la puesta en escena, creando un equilibrio escénico; donde –cito a Guillermo Quintanilla— la antinaturalidad se vuelve un hecho natural.

“La mujer justa” es una obra escrita, en los años 40, por Sándor Márai. Narra, con una evocadora mirada, la historia de pasión y traición empleando tres monólogos que nos trasladan hacia un triángulo amoroso desde distintas perspectivas, con tres personajes: Marika, Peter y Judith. No es necesario haber leído la novela de éste escritor para quedar sorprendido por la adaptación a manos de Hugo Urquijo y Graciela Dufau. Márai, es conocido por sus frases contundentes que mueven algo dentro del espectador. En esta obra, el discurso es doloroso, de desamor, crítico de una sociedad pequeño burguesa, no sólo de los años cuarenta, sino también actual. Ésa es la belleza de las grandes obras, su atemporalidad y permanencia en la memoria de los individuos.

Las actuaciones de Verónica Langer, Juan Carlos Colombo, Tina French, Héctor Holten y Marina de Tavira son justas en una medida perfecta. No hay demasiado drama ni seriedad. Existen las encarnaciones de los actores hacia los personajes, mostrando no sólo técnica y dominio en el escenario, sino también corazón.

Enrique Singer con esta obra hace notar su carácter como director, e cual no es un recuerdo de sus grandes obras, por el contrario, su dirección se supera a sí misma y se vuelve más contundente. “La mujer justa” es una obra obligada para todos los amantes del arte y del ser humano, a través de imágenes teatrales y un discurso claro deja ver lo revelador que puede ser el teatro en la psique del ser humano, cuando existe una reflexión por parte de los creativos y sale de la comodidad del lugar común.

La Mujer Justa
De: Sándor Márai.
Dirección: Enrique Singer
Con: Verónica Langer, Juan Carlos Colombo, Mariana de Tavira, Tina Frenche y Héctor Holten.
Versión Teatral: Hugo Urquijo y Graciela Dufau
Diseños y escenografía: Víctor Zapatero
Música original: Antonio Hernández
Diseño de vestuario: Carlo Demichelis
Foto: Mariel Cortès
Sala Xavier Villaurrutia, Centro Cultural del Bosque. Paseo de la Reforma y Campo Marte.
Miércoles, jueves y viernes, 20 hrs. Sábados 19 hrs. y Domingos 18 hrs.
Hasta el 13 de diciembre

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

ILUMINACIÓN

¿ESTÁS LIBRE DE TODA CULPA?

Fredo Godínez (@AlfiePingtajo)

iliminacion

¿Cuáles son los lazos que nos unen con nuestras amistades? ¿Cómo elegimos qué personas son las que queremos como amigos y cuáles no? ¿Existe alguna premeditación en la elección de nuestras amistades o realmente es algo que se da con naturalidad? ¿Las amistades tienen fecha de caducidad o deben durar hasta que la muerte nos separe?; éstas son algunas de las preguntas-reflexivas (¿acaso existen preguntas que no busquen la reflexión?) que se han adueñado de mi cabeza -desde el pasado sábado-, a raíz de mi asistencia a la puesta en escena: “Iluminación”.

Un día -de pronto- te encuentras en medio de una catástrofe que devora todo aquello que conocías por vida; incluso tu vida pende de un hilo, sin embargo la diosa fortuna ha decidido que salgas ileso. ¿Cómo se reacciona cuando te das cuenta que tus únicas pertenencias son las cosas que llevas puesto? Probablemente muchos de nosotros recurriríamos a la familia o a los amigos buscando consuelo, apoyo y comprensión. Otros, quizá, como lo hacen algunos de los personajes de la obra; optarían por el aislamiento en espera de entender y aprovechar los vacíos para reencontrarse, para renacer. Pero ¿qué se hace con lo bueno y lo malo que se halla en la búsqueda: se ignora o se tiene presente para no cometer el mismo error?, y ¿qué pasa si lo malo que te rodea se encuentra en las personas que más quieres?, ¿cualquier ser humano, sin importar la circunstancia, tiene la consciencia limpia para juzgar al otro?

Los que saben de arte aseguran que el ser humano al acercarse a una novela, un poema, una obra de teatro o una pintura busca encontrar respuestas a las preguntas más vitales y que al terminar su encuentro o diálogo con tales, acabas con más preguntas que respuestas; ahí radica la grandeza del ente artístico y más si pretende reflexionar acerca de la condición humana. Unos más afirman que si el arte no transmite o no te provoca alguna sensación o modificación en tus sentimientos y pensamientos, no puede considerarse arte. No sé qué tan cierto sea eso, pero sí puedo afirmarles que “Iluminación” te cuestiona y te invita a la reflexión sobre quién eres y el papel que para ti representan los otros en tu vida.

Otro aspecto interesante de la obra es que en algún momento de la obra uno siente que tiene la capacidad de juzgar a los protagonistas de la misma e invariablemente nos invade la ganas de tomar partido, de cambiarse al lado correcto, pero ¿en verdad existen buenos y malos en esto que llamamos vida?

“Iluminación” es una metáfora sobre dos procesos importantes en la vida: aprender a cerrar ciclos y atreverse a caminar por las nuevas puertas que se nos abren.

“Iluminación” somete a los actores a un “tour de force” que a cualquiera dejará con un buen sabor de boca y -sobre todo- saldrán con la misma sensación que recorre nuestra mente y cuerpo al salir de una terapia psicológica.

“Iluminación” es una obra que no deben dejar pasar, o se arrepentirán; el año pasado fue parte de la cartelera que conformó el DramaFest 2014; nuevamente la compañía productora: Teatro de Babel, decidió ofrecerle al público otra oportunidad para verla.

“Iluminación”
Dramaturgia: Joanna Murray-Smith.
Dirección: Aurora Cano.
Reparto: Juan Carlos Vives, Lumi Cavazos, Pedro Mira, Mónica Dionne, Daniel Martínez Gould y Claudia Ríos.
Teatro El Granero
Centro Cultural del Bosque.
Paseo de la Reforma y Campo Marte S/N. Metro Auditorio.
Jueves y viernes 8 pm, sábado 7pm y domingo 6pm.
Hasta el 13 de diciembre.

Foto: Fredo Godínez.

*Fredo Godínez es aprendiz de poeta, fotógrafo frustrado, adicto a la Coca-Cola y futbolista en FIFA para Xbox. Ha reseñado libros para periódicos poblanos y portales electrónicos como Sexenio-Puebla y Revista 360°, instrucciones para vivir en Puebla. Gestor cultural desde el 2007. Actualmente trabaja un texto dramatúrgico con la esperanza de algún publicarlo y montarlo. Habitante de la región más transparente, desde octubre de 2014 y desde entonces se ha vuelto un asiduo asistente al Teatro. En sus tiempos libres intenta conciliar el sueño.

ESPASMOS

LA NECESIDAD DE SER SINCERO.
Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)

espasmos

“¿Te molesta que te digan la verdad?” Espasmos

Esta vez me atrajo la fotografía de una de las escenas de la obra. Me cautivaron las tonalidades de las distintas plantas que rodeaban a Viridiana Nárud, sentada en una silla. Me imaginé cómo aprovechó el espacio la directora.

“Espasmos” de Viridiana Nárud, tiene un personaje central, el secreto, que lleva a los reproches y los recuerdos de un amor que se perdió en el camino. Riad es oficial del régimen, el gobierno está matando gente inocente, incluso a músicos, y él es parte de eso. La nación de Vianela muere tras sus ideales.

Es la historia de amor entre Riad y Vianela. Es la historia de una mujer a la que se le acusa de espionaje. Es la historia de un hombre que amenaza de acusarla de traición. Es la historia de dos seres humanos que se distanciaron por las circunstancias políticas del país que habitan.

El montaje apuesta por la sencillez. La directora Idalí Osnaya se apoya de un escritorio de metal, dos sillas, una lámpara de escritorio y una serie de plantas y flores que rodean a los personajes. Todo lo anterior explota al máximo el pequeño espacio del Espacio Urgente 2 de Foro Shakespeare para lograr que toda la atención la tengan los actores Viridiana Nárud y Luis Ernesto Verdín. Cada acción que realizan los personajes está mesurada en sus movimientos corporales, nunca salen del círculo que delimita el espacio de una sala de interrogación. Apoyada por la iluminación, dejan al espectador con la sensación asfixiante de quienes se provocan y reprochan, pero también con la desesperación de saber qué será capaz de hacer uno a la otra. Recorremos con ellos su pasado y su presente.

“Espasmos” es la confesión de dos amantes que dicen que nunca se han enamorado, que amaron pero ya no pueden amar más.  Es la oportunidad para descubrir otra cara de los secretos del amor.

 

ESPASMOS
De Viridiana Nárud
Dirección Idalí Osnaya
Con Viridiana Nárud y Luis Ernesto Verdín
Viernes 8:45pm
Hasta el 27 de noviembre
Foro Shakespeare
Zamora 7, Condesa

Foto: Úlises Ávila

* Diseñadora gráfica desde 2007, con inquietud por escribir. Desde 2009 adquirió el hábito de ver teatro cuando estuvo a cargo de la difusión del Teatro La Capilla, después por el placer de ver a actores en vivo hacer historias realidad. Has visto más de 85 obras de teatro de 2009 a la fecha. Le gusta escribir breve. Es fundadora y Community Manager de Distrito Teatral.

LO QUE QUEDA DE NOSOTROS

DE AMAR Y SER AMADO: SOBRE LA PÉRDIDA

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

LOQUEqueda.

A partir de la dolorosa muerte de su padre, Nata, decide abandonar a su perro Toto con la finalidad de no relacionarse afectivamente con nadie más. Sin embargo, una serie de circunstancias hacen que decida, poco después, ir en busca de él, aunque quizá sea demasiado tarde cuando se entere que Toto ha sido llevado a la perrera para ser asesinado.

Al ya conocido estilo narratúrgico de Alejandro Ricaño, se suma ahora en coautoría, la vasta selección de imágenes de la actriz Sara Pinet, a quien podemos recordar por su jocoso personaje de Lola en “El amor de las luciérnagas”, del mismo dramaturgo.

Como en cada montaje dirigido y escrito por Alejandro, el resultado siempre se percibe como un hecho que complementa de manera perfecta su trabajo de dirección, aspecto que mantiene al público cautivo. Se distingue en él, un flagrante dominio de la técnica, tanto literaria, como de dirección, obteniendo así del público el resultado que se augura. También, se acredita una vez más como un habilidoso creador que tiene muy claro lo que pretende del público, hacia dónde quiere ir y el camino que debe trazar para guiar a sus espectadores hasta su objetivo. Una de las propuestas que coadyuvan a que su pretensión se vea consumada, es el conmovedor guiño musical – compuesto por David Ortíz y Ricardo Estrada – que mantiene de inicio a fin y que logra entonar la escena desde que la gente ocupa las butacas.

Contemplando el resultado en su totalidad, me atrevo a decir que es un montaje que desdeña toda ociosidad y que se ocupa de trabajar intensamente en la construcción del discurso que desea comunicar. Ser claro, conciso, emotivo e inmediato son algunos de los atributos de “Lo que queda de nosotros”.

Otro de los temas que es indispensable mencionar, por la importancia que tiene, es la realidad que viven los animales de compañía que han sido botados a la calle y que en algunas ocasiones no tienen otro destino mejor que la perrera, donde miles de ellos terminan asesinados por electrocución. Tema que confluye indirectamente con el miedo a la soledad, la necesidad de ser querido y el apego que Nata siente en varios momentos de su vida.

Finalmente, el trabajo actoral está en total consonancia con las demás partes. Sara Pinet, logra un personaje entrañable y que cautiva desde la primera línea. Raúl Villegas trabaja con varios personajes, entre ellos, Toto, el perro de Nata. Es de aplaudirse la manera en la que les da vida a cada uno de ellos.

Muchos son los valores que destacan en “Lo que queda de nosotros” la posibilidad de reflexionar acerca de lo que esperamos de nosotros mismos, de la vida, de los demás. El real significado de la vida, de la muerte, del miedo, de la perdida, del vacío y de la inmensa necesidad de amar y ser amados.

LO QUE QUEDA DE NOSOTROS
De: Sara Pinet y Alejandro Ricaño
Dirección: Alejandro Ricaño
Con: Sara Pinet y Raúl Villegas
Funciones: Sábado y domingo 13:00Hrs.
Hasta el 13 de Diciembre
Sala Xavier Villaurrutia
(Paseo de la reforma y campo marte s/n)
Costo: $80.- general

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

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oscar.fontana@distritoteatral.mx

EL JUEGO DE LA SILLA

LA MÁS FUERTE

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

lasilla

Ana Katz (autora argentina), escribe El juego de la silla, obra que narra la historia de una singular familia liderada por una madre controladora y opresiva, quien recibe con todos los honores a su primogénito radicado en Canadá (Víctor). Conforme se va desarrollando la historia, podemos ver la atractiva dinámica en la cual se ven inmersos los integrantes de esta familia, y cómo comienzan a generarse conflictos en torno a la llegada del hijo mayor.

Con un fascinante realismo, la escenografía logra instalarnos al interior de una casa de clase media en la ciudad de México. Por su parte, la dirección de Angélica Rogel se vuelve sumamente efectista y logra que el espectador inmediatamente genere un vínculo emotivo con los sui géneris y entrañables personajes. Es necesario mencionar, que el trabajo de Rogel está siempre en consonancia con el tono de la obra, lo cual permite que el espectador cada vez se muestre más interesado en la historia de esta familia, y construya una estrecha relación con sus referentes personales.

El trabajo actoral no podía ser la excepción. De ante mano sabemos – por todo lo que hemos visto de ella – que el trabajo de Margarita Sanz sería maravilloso, así que en esta obra (como en muchas más) es gloriosa. En lo que respecta a Miguel Conde, no hay nada distinto que decir, solamente confirma lo que ya sabemos: la gran verdad con la que trabaja y la honestidad con la que siempre construye sus personajes; eso, para el público es demasiado, se convierte en todo. La participación de Ana Beatriz Martínez, es potente y la manera en la que ha construido el personaje resulta sumamente conmovedor. Nada distinto de Mahalat Sánchez quien también nos regala un personaje entrañable y de gran beldad. Por otro lado, la apatía e indolencia que imprime Alejandro Guerrero a “Andrés” confiere un importante contrapeso a las escenas, lo que lo hace todavía más encantador. Finalmente, el tratamiento que le dio Gabriela Guraieb a “Lucía” funciona en gran medida a que la obra adquiera buen ritmo; a pesar que para algunos, el planteamiento de la historia puede resultar un poco largo.

En conclusión, El juego de la silla destaca por su gran realismo, por su verdad, por todo lo que surge, por todo lo que no se dice. Un juego donde gana, el o la más fuerte, y quien resulte endeble abandona el campo de batalla. Es también, un gran regalo para el espectador, para quienes decidan confrontarse, quizá, con sus propias relaciones familiares, para quienes deseen reconciliarse con ese: su propio grupo.

EL JUEGO DE LA SILLA
De: Ana Katz
Dirección: Angélica Rogel
Elenco: Margarita Sanz, Miguel Conde, Mahalat Sánchez, Ana Beatriz Martínez, Gabriela Guraieb y Alejandro Guerrero.
Funciones: Lunes y martes 20:30Hrs
Hasta el 14 de Diciembre
Un teatro (Nuevo León 46, col Condesa)

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

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LA LLAMADA

LA ESPERANZA DE LO QUE PUDO SER

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

LaLlamada

Un par de adolescentes, comparten la cabaña en un campamento católico de verano – y como es de esperarse – pronto comienzan a sentir ganas de romper las reglas y aventurarse a vivir nuevas experiencias. Sin embargo, María vive un extraño fenómeno: es despertada todas las noches por el canto de Dios. Turbada por lo que le ocurre, decide contárselo a una de las madres, con la finalidad de que le digan lo que debe hacer. Así que decide alejarse de su mejor amiga, Susana, para poner en práctica los consejos de la madre y finalmente responder a “la llamada”.

Lo anterior, es la premisa de la obra escrita y dirigida por los españoles Javier Ambrossi y Javier Calvo. En lo concerniente al texto, es imprescindible mencionar que carece de toda estructura dramática: parte fundamental para que un texto teatral funcione. De tal manera que, con la progresión del tiempo, se espera que suceda algo con la propuesta o simbolismo de Dios, y que incluso comience a desarrollarse el conflicto; sin embargo, esto no sucede, después entonces, la esperanza se diluye en los últimos minutos de la obra. Al final estamos frente a un texto cuyo discurso no pudo dilucidarse, nos encontramos frente a un texto inconcluso y que no muestra un objetivo claro, un texto que se extravía en los enormes recursos estéticos del montaje. Es decir, todo lo que debería complementar el argumento (luces, música, músicos, canciones, escenografía) terminan devorándolo.

La propuesta de iluminación de Mauricio Ascencio, resulta bastante efectiva en cuanto a las atmósferas que quieren ser retratadas. Por otra parte, el diseño de escenografía de Ingrid SA, aporta de manera importante a la construcción de las convenciones y se vuelve práctica y atractiva.

El trabajo actoral está vinculado con la labor de dirección y la construcción de los personajes a nivel dramatúrgico. De tal manera que si el texto es carente, los personajes resultarán carentes también. Sin embargo, es plausible el trabajo interpretativo de Laura Zapata, Natasha Dupeyrón, Alexis de Anda y Tessa Ia, quienes logran construir a partir de lo que tienen, personajes jocosos y entretenidos. Salvo algunos momentos, su trabajo resulta en consonancia la mayor parte del tiempo.

“La llamada”, tiene la cualidad de ser divertida y entretenida para su público, que después de dos horas de euforia y de haber visto rostros de hombres y mujeres muy bien parecidos, hace que salgan emocionados, satisfechos y felices por lo que vieron y escucharon; sin embargo, como ya se mencionó, otros podrían ser los resultado, si el argumento no colapsara.

LA LLAMADA
Texto y dirección: Javier Ambrossi y Javier Calvo.
Con: Laura Zapata, Federico di Lorenzo, Natasha Dupeyrón, Alexis de Anda y Tessa Ia
Funciones: Viernes 20:30Hrs, Sábados 18:00 y 20:30 Hrs y Domingos 17:00 y 19:30Hrs.
Boletos: $500, $350, $200
Centro Cultural San Ángel
(Av. Revolución S/N Álvaro Obregón. San Ángel)

*Actor / Dramaturgo / Teatrista
Facebook.com/oscaralfontana
oscar.fontana @distritoteatral.mx

EL EXTRAÑO CASO DE TAI CHI Y TÉ CHAI

tachiTeChi

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice*

La risa ‘es la aberración de la sensación placentera que experimentamos cuando el esfuerzo de reprimirse se vuelve súbitamente innecesario’, palabras de Sigmund Freud, tratando de explicar un fenómeno que ha sido estudiado por Darwin hasta Jesusa Rodríguez.

También en el año 2013 Salman Rushdie, expresó que en tiempos modernos donde se exige a un escritor ser optimista, el humor toma más fuerza. Quizá, por ese motivo, las comedias tienen mayor éxito en cartelera y, comienzan a tener en su discurso que exige inteligencia y astucia por parte de los intérpretes.

La Piara teatro, es una compañía con años de experiencia. Combina el teatro, el clown, el circo y el bufón. El resultado de la suma de estos cuatro componentes es la revelación de una sociedad aberrante que trata de mantenerse dentro de los límites de la normalidad, tomando como escape la risa.

“El extraño caso de Tai Chi y Té Chai” narra la historia de dos empleados de la banca que han estafado a un panda y le han robado todos los ahorros de su vida. El Panda, en venganza, manipula la mente de Tai Chi y Té Chai para que tomen dinero “prestado” de la banca y le compren boletos de lotería, con la promesa de volverse millonarios y regresar lo que han tomado. Sin embargo, ¿cuáles son las posibilidades reales de ganarte el premio mayor en una ciudad con una población de más de 7.100.000 habitantes?

El resultado de esta obra es divertido y sumamente dinámico, además de mostrarnos el caso real de dos empleados chinos que robaron cinco millones de euros para gastarlos en la lotería. Es por ello que la risa revela súbitamente lo que ya no es necesario reprimir, como la estupidez del ser humano y su ambición.

Que esta obra se encuentre inspirada en hecho reales y nos revele la miseria humana no la vuelve grave ni pesada. Y es por ello que las palabras del escritor Salman Rushdie se vuelve tan vigentes. La oscuridad siempre hace mejor comedia.

EL EXTRAÑO CASO DE TAI CHI Y TÉ CHAI
Elenco: Artús Chávez, Fernando Córdova y Medeleine Sierra.
De Juanma Rodríguez
DirecciónElena Olivieri
Producción: La Piara Teatro.
Miércoles 20:30pm
$350 general
Foro Shakespeare.
Zamora 7, col. Condesa. Atrás de Metro Chapultepec.

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

21 HISTORIAS DE BAÚL

ODA A LA METAMORFÓSIS

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

historiasBaúl

Tomado de “Historias mínimas” del dramaturgo español Javier Tomeo, cuatro actores con la ayuda de un inmenso baúl que toma forma de todo, representan una veintena de jocosas y diversas historias que llevarán de viaje al público a distintos lugares.

Amanda Farah – directora del montaje- es la encargada de unificar esta serie de personajes e historias, para que finalmente se materialicen en escena. Y en este tenor, es plausible la estética que logra con los diversos escenarios que hace emerger del baúl. Es de destacar también, que el trazo de los actores – la mayor parte del tiempo en escena – resulta eficaz y dinámico: logra que aún quienes en algunas ocasiones no tienen el o los personaje(s) principal(es), adquieran sentido y no se vean en ejecución de alguna tarea escénica ociosa. Es necesario entonces, mencionar que el montaje es poseedor de una magia que cautiva a su público de manera inmediata; sin embargo, es menester que se ponga atención en algunos errores técnicos que puedan entorpecer el encanto.

21 historias de baúl es un montaje atractivo también, por la concienzuda construcción que sus actores hacen de sus personajes, y por la diversidad de sus propuestas, además de la creación de ambientes con la voz y demás efectos. Es esto que genera que el público se divierta y se vea inmerso en todas las situaciones que el texto propone.

Vale la pena salir de casa en domingo, para asistir a disfrutar de esta puesta en escena que promete que todo sucederá en cuanto el baúl se abra, y comience la oda a la metamorfosis.

21 HISTORIAS DE BAUL
De: Javier Tomeo
Dirección: Amanda Farah
Con: Llever Aíza, Daniel Breton, Johanna Larequi, Francisco Pita, Emilio Savinni.
Funciones: Domingos 12:30Hrs
Hasta el 11 de octubre.
Costo: $150.- general
Teatro la capilla (Madrid 13, Coyoacán)

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

Facebook.com/oscaralfontana

oscar.fontana@distritoteatral.mx

BASHIR LAZHAR

LA VOIX DE LA DOULER

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

BASHIR

Évelyne de la Cheneliére (dramaturga de origen canadiense), escribe acerca de un inmigrante argelino que huyendo de la violencia de su país, decide refugiarse en Canadá donde es contratado como suplente en una escuela primaria. Sin embargo, los métodos de enseñanza y las limitaciones del sistema escolar – producto de la diferencia cultural de aquel país- hacen que Bashir Lazhar entre en conflicto con su “nuevo” entorno.

Mahalat Sánchez (directora del montaje) propone un espacio casi vacío donde el minimalismo se convierte en la característica principal. Como consecuencia de esto, el montaje adquiere un carácter lacónico y bastante atractivo a nivel estético, haciendo que en consecuencia, el argumento cobre mayor importancia y capte totalmente la atención del espectador. Lo cual da sentido a un principio de dirección que propone que el director debe saber exactamente en qué o dónde pretende que el espectador vuelque su atención.

Boris Schoemann logra un Bashir Lazhar entrañable y conmovedor, lleno de imágenes y sensaciones que estremecen de inicio a fin. Su histrionismo resulta plausible y por demás potente. Cabe mencionar que el vestuario diseñado por Pilar Boliver contribuye en gran medida a que éste sea construido de manera excepcional.

“Bashir Lazhar” es la voix de la douleur , una voz que se pierde en un alarido sordo y doliente.

“BASHIR LAZHAR”
De Evelyne de la Cheneliére
Con: Boris Schoemann.
Hasta el 30 de septiembre
Miércoles 20:00hrs.
Boletos $150.- entrada general
Teatro la capilla
(Madrid 13, Coyoacán)

* Actor / Dramaturgo / Teatrista
Facebook.com/oscaralfontana

CASA MATRÍZ

¿MADRE SÓLO HAY UNA?

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

“Casa matriz” es una agencia encargada de alquilar madres sustitutas. Los clientes sedientos de desahogar sus penas acuden a ésta para poder desquitar o vivir todos sus traumas de infancia o no, ocasionados por sus madres.

La dirección de Ana Lorena Pérez Ríos, es sencilla y poco arriesgada, lo que provoca que en la segunda escena la obra caiga. Sin embargo, el texto de Diana Raznovich, es divertido y lleno de humor negro; lo que permite que Monica Dione (madre sustituta) y María Aura (Bárbara) puedan explotar sus técnicas como actrices y levantar la escena.

Conforme pasa el tiempo en escena vemos a una madre sustituta, la cual, en ocasiones, se asemeja al arquetipo de prostituta. Ya que su vulnerabilidad radica en su soledad; en el vacío que se vuelve más grande ante cada cliente y ese silencio lleno de misterio que nos hace desear qué es lo que pasa en la mente de esa mujer indescifrable.

Por otra parte, Bárbara, es agente liberador. Una mujer que trata de hacer catarsis ante sus traumas de infancia y liberarse de todo el peso sofocador de una madre. Porque el amor de ésta puede ser sofocante y pocas veces liberador.

Es una obra entretenida con buenas actuaciones. Para todos aquellos amantes del humor negro, una obra que les dejará una sonrisa y ganas de salir a cenar con su acompañante.

CASA MATRIZ
Dirección: Ana Lorena Pérez Ríos.
Dramaturgia: Diana Raznovich
Elenco: Mónica Dionne y María Aura
Producción: Anilú Pardo y Mario Mandujano.
La Teatrería. Tabasco 152, Col. Roma
Viernes 19:30 y 21:30 hrs, sábado 18:00 y 20:00 y doingo 17:30 y 19:30 hrs
Hasta el 23 de agosto