ALMACENADOS

EL TEDIO DE LA SIN RAZÓN
Por Mireya Flores Marín (@MireyaFloresM)

Poster 4 Cartas Couche

Nos ubica en un espacio grande, una bodega donde mucho podría entrar, mucho podría almacenarse, sin embargo, sólo encontramos el vacío, el vacío de un hombre que atrapado en una pasiva rutina de trabajo, ha tenido que construirse una historia, una función para estar ahí y una razón que le permita sentirse útil en ese gran ensamble que es SALVALEON S.A., empresa constructora de astas y mástiles. No es para menos este afán por sentirse útil y sobretodo eficiente, en una época consumista donde la utilidad de los objetos y las personas se ha sobrevalorado, incluso en el ámbito laboral: si no sirve se desecha, por ello a éste viejo hombre: El señor Lino (Héctor Bonilla), le ha llegado el momento de jubilarse tras 29 años de servicio.

Es entonces cuando alguien nuevo debe llegar, algún joven, no importa que sea inexperto, ni si tiene la energía suficiente para hacerse cargo del almacén; este joven es Nin (Sergio Bonilla), quien tendrá que asumir en 5 días un puesto que llevó al señor Lino 11 años obtener. Nin tiene que someterse al pie de la letra a un orden y un control establecidos que no permiten el equívoco ni el retraso, pues sólo vale el cumplimiento de un deber: “¿estamos o no estamos?”.

En “Almacenados” la juventud y la vejez confrontan el tedio de la sin razón, ponen en escena el tema del trabajo y su naturaleza esclavizante y enajenante, esto contra lo difícil que resulta para un joven incorporarse al ámbito laboral; donde al final, lo que se supone dignificaría la vida del hombre, se vuelve en lo único que da sentido a su vida y del cual depende. La fila de hormigas, en una parte del almacén, es la perfecta metáfora de todo esto.

En el aprendizaje del oficio, Nin descubre que ahí no pasa nada, que nunca pasó y mucho menos ocurrirá algo. Nin se pregunta ¿qué esperamos? y con ello parase aludir a la espera de Estragon y Vladimir en “Esperando a Godot” de Samuel Becket, pues, también aquí la espera se vuelve un absurdo.

El vacío es escenificado por la ausencia, que no es únicamente la falta de una motivación en la vida de los personajes, sino también, por lo material y los mínimos elementos escenográficos: más allá de un altar a la Guadalupana, un escritorio viejo, donde se colocan tres carpetas en perfecto orden, un lapicero, la maquina para checar entradas y salidas y un dispensador de agua, el espacio se vuelve grande, monótono y aburrido; donde solamente vale el paso del tiempo que ha de ser preciso, para checar en el tarjetón las entradas y salidas, para saber la hora del almuerzo, la hora de salida y para darse cuenta que los días han transcurrido y que en 29 años no ha pasado nada y así seguirá siendo. La tan repetida frase “vamos a lo que vinimos” es una más de las paradojas; ¿pero a dónde?, valdría preguntarse.

Con un texto de David Desola y la dirección de Fernando Bonilla, el trabajo actoral es respaldado por la experiencia de Héctor Bonilla quien se desenvuelve feroz y excepcionalmente en escena, y a quien Sergio Bonilla logra seguir y dar replica, al grado de parodiar acertadamente al personaje del otro, recordándonos que se trata de padre e hijo, lo cual sale sobrando en ésta bien lograda puesta en escena.

Almacenados
Autor: David Desola
Dir. Fernando Bonilla
Elenco: Héctor Bonilla / Fernando Bonilla
Cía. Puño de Tierra
Viernes 8:30 pm, sábado 7:30 pm y domingo 6:00 pm
Teatro Arlequin
Villalongin 22, Cuauhtémoc.
Hasta el 28 de junio

LO QUE QUEDA DE CIELO

LA VIDA HECHA JIRONES

Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

loquequedacielo

Una fiesta de quince años sorpresa, una madre emocionada que lo prepara todo, un enamorado devoto que compra a plazos el vestido perfecto y un padrino pudiente y espléndido se enfrentan cara a cara en medio de una noche eterna: la quinceañera no llega. En el centro del escenario, una muñeca rota de tamaño real a la que todos cargan, abrazan y besan; es a ella a quien van dirigidas sus miradas, sus discursos, sus acciones: Cielo, enfundada en raso y tul, tan inocente y cursi, es la protagonista de un drama en el que no puede hacer ni decir nada: Cielo no es una persona, Cielo es una cosa.

Lo que queda de Cielo, una puesta en escena que aborda el tema de la trata de mujeres y esclavitud sexual desde la perspectiva de quienes la hacen posible: seres de carne y hueso temerosos, ignorantes, equivocados que son a su vez victimarios y víctimas en un mundo complejo e injusto.

A pesar de lo doloroso del tema, a la obra no le falta buen gusto ni sentido del humor; los hechos se suceden dentro de una cotidianidad trágica en la que todo gesto típico del género quedaría fuera de lugar: simplemente así pasa cuando se nace en el norte, cuando se es pobre, cuando se es mujer…

Hay risa en medio de todo esto, hay risa, hay miedo, hay indignación, hay una mirada inteligente y comprometida, la de su autora Camila Villegas y una historia que apunta a las miles de desaparecidas a las que sus madres, parejas, hijos están buscando y a las otras, las que nadie busca, porque saben por lo menos cómo y dónde las perdieron.

Bajo la dirección de Aída Andrade, María del Carmen Félix (Cirila), Mauricio Montes Amorós (Tony) y Raúl Andrade-Lee (Don V.) ponen ante nuestros ojos los hilos ocultos tras uno de tantos “negocios familiares” y una de tantas familias; su mensaje llega directo, indiscutible: ¿es que, en medio de una realidad como esta, todavía puede quedar alguien inocente?

Hasta el 29 de junio
Lunes, 20:45 hrs.
Foro Shakespeare
Adolescentes y adultos
$180

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NEGACIÓN

ENTRE LA IMPOSIBILIDAD Y LA INOCENCIA

Y el público creerá en los sueños del teatro, si los acepta realmente como sueños y no como copia servil de la realidad, si le permiten liberar en él mismo la libertad mágica del sueño, que sólo puede reconocer impregnada de crueldad y terror.
Antonin Artaud.

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

negacion

‘Negación’, es una obra que trata la imposibilidad de una mujer por entender que detrás de la desaparición de su esposo e hijo en el mar está la muerte. Tras el encierro de días, la conciencia de esta mujer cobra vida y comienza a dialogar con ella para ayudarla a entender su realidad. Las actuaciones están a cargo de Guadalupe Damián y Diana Lein, quienes hacen un buen trabajo.

La dirección se encuentra a cargo de José Juan Meráz, quien trata de generar cuadros plásticos en escena. Sin embargo existen distintos factores que no permiten que su trabajo sea consumado. Uno de ellos es la reiteración del texto en escena. Lo cual provoca que el acto sea aburrido y poco propositivo. Es importante entender que para generar contrastes existen distintos tipos de montajes los cuales el director debe vincular. P. ej.: 1) Movimientos, los cuales crean ritmo y apoyados de calidades y cualidades de los intérpretes pueden generar un tiempo supuesto al real. 2) Combinaciones, los cuales se encuentran vinculados con la iluminación, escenografía y composición y 3) Intelectual, el cual apoyado de conceptos y metáforas pueden interpelar a la emoción e imaginación del espectador. Ninguno de estos conceptos se encuentran unidos en escena.

También es necesario considerar que el texto creado por Daniel de la O es reiterativo y que la hora y media que vemos en escena bien podría ser resumida en los últimos cinco minutos. La obra termina con una imagen, un tanto pretenciosa, de la protagonista viendo al mar y con música que sólo pretende reafirmar el sentimiento que no fue creado a través de la acciones de las intérpretes, del dramaturgo y del director. Para entender esto último voy a citar a Federico Fernández Díez: El poder evocador de la música, la concreción de la palabra que marca el sentido exacto del discurso, el realismo que aportan los ruidos de ambiente, el dramatismo del silencio, constituyen recursos expresivos que, como convenciones, deben ser usadas con eficacia y profesionalidad por los constructores de los mensajes audiovisuales.

‘Negación’, solamente reafirma la inocencia de muchos creadores. Hace falta rigor intelectual para llevar a las últimas consecuencias el quehacer teatral. El arte puede ser todo menos inocente.

Hasta el 16 de junio
Martes 20:30 hrs.
Teatro Helénico
Av. Revolución 1500. Metro Barranca del Muerto
Adolescentes y adultos
$150 general

EL ÙLTIMO ENCUENTRO

Un último desencuentro
Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

ultimoEncuentro

Ser uno en el otro: ser el espejo doble y nítido de la amistad. Crecer cara a cara, enfrentados, creyendo que lo que se tiene es valioso, incorruptible, eterno…

El último encuentro es una obra acerca del desgarramiento causado por una amistad traidora y la necesidad de venganza mediante el uso del arma más punzante posible: la verdad.

Basada en la novela homónima del escritor húngaro Sándor Márai y adaptada para la escena por Cristopher Hampton, esta puesta explora en la frustración, decepción y recelo que genera la pérdida de una amistad y en el enfrentamiento, cuarenta años después, de sus protagonistas.

La historia, construida en una tensión casi insoportable, no deja espacio para respirar: cada nuevo diálogo constituye una revelación más obscura del lazo que une a los personajes de una manera tan estrecha que no les permite separarse aunque se odien. Miedos, mentiras y secretos aparecen como pinceladas ante nuestros ojos y nos presentan un paisaje desolador: dos soledades que teniéndose sólo una a la otra, se repelen.

Bajo la dirección de Raúl Quintanilla, Sergio Klainer (Henrik) impresiona, conmueve y deja sin palabras a los espectadores que lo ovacionaron de pie.

El último encuentro es una obra para todos aquellos que perdieron a alguien que consideraban fundamental y que sin embargo, viven…

Hasta el 31 de mayo
Miércoles a viernes 20 hrs. Sábados 19 hrs. Domingos 18 hrs.
Teatro Juan Ruiz de Alarcón
Centro Cultural Universario
Adolescentes y adultos
$150. 50% Maestros, estudiantes e INAPAM. Jueves de teatro $30

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SOMOS BEAT

BELLOS NIÑOS ÁCIDOS

Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

somosbeat

¿Cómo fue la vida de los beat en México? ¿Cómo y por qué hicieron el insólito viaje al sur? ¿Qué buscaban? ¿Qué encontraron? ¿Qué los encontró?

Somos beat se enfoca principalmente en tres de los poetas de la generación: Gingsberg, Kerouak y Burroughs, en su relación con nuestro país, con la droga, la poesía y la amistad epistolar entre los dos primeros.

Podemos conocer la vida y obra de estos tres jóvenes beatnicks y su búsqueda creativa a través de imágenes, metáforas visuales, baile, cartas, canciones, fragmentos de poemas (algunos en su lengua original) y mucho, mucho jazz.

La musicalización hecha con un trío que toca en vivo da al espectáculo una calidez y honestidad totalmente envolventes.

Más que una obra, una experiencia, Somos beat es una aventura a la que hay que adentrarse sin expectativas ni juicios previos.

Hasta el 27 de abril
Lunes, 20:30 hrs.
Foro El Bicho
Colima 268, Roma Norte.
Adolescentes y adultos

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

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MENELAO RAPSODIA

ENTRE EL DOLOR Y LA VENGANZA
Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

menelao

Menelao, rey de Esparta, estadista, guerrero y noble, hombre poderoso, superhumano, se encuentra ebrio, perdido y frágil: su corazón de hierro parece no resistir el abandono de su esposa Helena, la mujer que al elegirlo lo elevó primero al trono de un reino y a la cima de la pasión y la dicha y luego lo hundió la insospechada miseria del desamor y la humillación ¿Por qué huyó Helena? ¿En verdad se enamoró de Paris? ¿Nunca quiso a Menelao? ¿Fue su lujuria insaciable, la ineficiencia de él como amante, el deseo de aventura lo que la empujó a tierras troyanas?

A lo largo de su delirante discurso, Menelao regresará a todos los momentos significativos de su relación con Helena, nos llevará consigo a los pasajes que marcaron su historia, a la intimidad de su vida en común en la que no repara ninguna mitología ni ningún texto anterior. Menelao rapsodia es un monólogo que teje en el vacío que dejan La Odisea, Las troyanas y Helena, no desde la visión del bardo, sino desde el protagonista: un Menelao destrozado que se debate entre el dolor insostenible de la pérdida y la sed de venganza de un rey.

El texto, original del actor y dramaturgo francoarmenio Simón Abkarian, es de elevada poesía y juega además con el elemento rapsódico (fragmentos de una canción o poema ensamblados o insertos en una obra mayor), ya que la “obra mayor” se obvia y se convierte en el telón de fondo para presentar este drama emocional tan esplendorosamente matizado.

Dirigida y actuada magistralmente por Nicolás Sotnikoff, Menelao rapsodia es una alegoría de la omnipotencia del amor y de la rebelión de un hombre ante la injustificada violencia de la despedida que hace que la audiencia toda suspire, se emocione y rompa en lágrimas, en una verdadera kátharsis trágica.

Hasta el 13 de abril
Lunes, 20:30 hrs.
Foro Shakespeare
Adolescentes y adultos
$180

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EN EL OMBLIGO DE LA LUNA

DESPIERTEN A UN EJERCITO DE MUERTO

ombligo

Hombres, os he amado. ¡Estad alerta!
Julius Fucik

Por Viridiana Nárud* (@viridianaeunice)

En el año 2005 Lydia Cacho publica ‘Los demonios del Edén’, en este libro se da conocer una red que opera la pornografía y prostitución infantil. A partir de su publicación comienza una serie de acosos y censura en contra de la periodista. En ese mismo año, Cacho, fue acusada ante las autoridades del estado de Puebla por el empresario mexico-líbanes Kamel Nacif Borge por los delitos de difamación. Años después, en el 2012, Lydia Cacho, sale de México a causa de amenazas de muerte directas.

En su libro escribe sobre el abuso y comercio de menores, dando a conocer nombres de empresarios como Jean Succar Kuri quien, en la actualidad, puede llegar a ser liberado debido a la omisión de una firma de un magistrado. Es importante recordar cómo este empresario vivó en Cancún y tenía un hotel el cual era destino turístico para pederastas. Hay al menos 200 víctimas según evidencia judicial; él aparece junto con su mujer violando a niñas, grabando esa pornografía y compartiéndola con clientes y amigos suyos, incluso compartía a estas niñas con políticos y empresarios reconocidos.1

Todo esto es para introducirnos muy brevemente al tema del comercio y explotación sexual infantil. Tema, que trata de abordar la obra ‘En el ombligo de la luna’ con poco éxito. Inicia con un video de una mujer, que parece más una niña, invitando de manera sensual, al cibernauta a que ponga más crédito para verla desnuda. Con el propósito de comprarse unas nuevas botas de marca. Al notar que deja de tener éxito, invita a una de sus compañeras de escuela a bailar frente a la cámara. Con el fin de tener más dinero y comprar cosas. La trama se vuelve confusa, el escritor con ingenuidad nos muestra a diferentes personajes para tratar de hilar una historia llena de intrigas y juegos de poder. Lo cual no se logra ya que muestra a personajes muy endebles y poco complejos. Como la madama drogadicta, que inhala cocaína en el cuello de una extranjera y se la pasa bebiendo. Otro ejemplo es la periodista que se infiltra de manera muy sencilla al mundo de la mafia de la trata de personas y quien a ser descubierta no hace nada para negarlo. También están las “niñas” que se prostituyen sólo por ambición. En general es una obra que no hila bien su tejido y queda toda hecha nudos, lo que impide al espectador ver qué es lo que en realidad se quiere decir.

Por otra parte, la dirección se encuentra llena de lugares comunes. Niñas vestidas de colegialas; una madama vestida en lencería, violaciones con un palo, música “sensual” que pone a bailar a las actrices para desnudarse de manera injustificada en escena. Es necesario reflexionar acerca del dolor de todas las personas, ya sean niños/as, mujeres, hombres… que han sido abusados sexualmente. Jamás una puesta en escena podrá acercarse al dolor de estas víctimas. Con esto, no quiero decir que no deba de exponerse estos temas en el teatro, sin embargo, cuando se aborden deben ser meticulosamente estudiados y tratar de decir algo más allá del morbo.

En el ombligo en la luna, es un texto ingenuo que no muestra un punto de vista crítico ya sea a favor o en contra de los pederastas. Tampoco queda claro el papel de las víctimas y victimarios o si alguno de estos existe en realidad.

En momentos por los cuales pasa la política mexicana en donde periodistas son asesinados y despedidos por decir la verdad, y donde un expresidente pide resignación y olvido, no se puede dibujar a una periodista donde lo único que expone, y al parecer no vale nada, es la vida. Si es bueno o corrupto, no importa, pero que muestre algo.

El teatro sirve para denunciar todo aquello que en la realidad no se puede expresar por temor o pudor a la sociedad. Y, cuando se hace uso de la fuerza teatral se activan fuerzas que revelan en la psique del individuo –ya sea de manera consciente o inconsciente- una nueva manera de ver la vida. Por ello es importante y necesario que los directores, dramaturgos, escenógrafos, actores y todos los involucrados en el quehacer teatral, tomen conciencia que todo aquello pronunciado arriba de un escenario es un acto político y no meramente artístico. Sobre todo cuando se trata hacer un teatro de denuncia.

Señores, es necesario y urgente que todo aquello que se enuncie en un escenario tenga la fuerza para despertar a un ejército de muertos. Son las palabras las que crean el pensamiento. No seamos mediocres y nos quedemos a medias. Mucha gente ha dado y está dispuesta a dar la vida con tal de dar a conocer la verdad. Así que díganla.

Dirección: Guillermo Revilla.
Dramaturgia: Luis Santillán
Dónde: Foro el Bicho. Colima 268, col. Roma.
Cuándo: Viernes 8:30 pm
Breve temporada del 10 de marzo al 24 de abril.

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

MELVILLE EN MAZATLÁN

VOUYERISTA ENTRAÑABLE

Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

melville

El yo que fuimos frente al yo que seremos: el joven deseoso y deseante, el viejo melancólico y experto, ambos en los límites sinuosos de la impotencia creativa. Uno quiere escribir, tiene mucho que contar, pero no sabe cómo; el otro ya ha sufrido y la página en blanco le resulta cada vez un espacio más amargo que llenar. Tal vez sólo se solaza en los recuerdos quien muy pocos tiene.

Melville en Mazatlán es el diálogo imaginario que se da entre el Herman Melville de veintiocho años y el Herman Melville de sesenta en algún lugar de Nueva York, por supuesto con el mar de fondo. Ahí el célebre autor de Moby Dick rememorará sus expediciones y dará a conocer la relación -no siempre lineal y directa- entre su biografía y su producción literaria.

Sin más personajes que sí mismo, ni más recursos que la palabra y el paisaje, los espectadores somos llevados y traídos por las experiencias, emociones y motivaciones de este hombre de letras y mar.
La excelente escenografía y los efectos visuales y de sonido nos transportan a los siete mares, a los barcos, puertos e islas distantes donde transcurre esta aventura.

Escrita por Vicente Quirarte y dirigida por Eduardo Ruiz Saviñon, Melville en Mazatlán es una puesta emotiva e interesante que nos deja con la refrescante sensación de que la vida puede ser un viaje épico.

Hasta el 31 de mayo
Miércoles a viernes a partir de 20, Sábados 19 y domingos 18 hrs.
Sor Juana Inés de la Cruz, CCU
Adolescentes y adultos
$150. 50% maestros, estudiantes e INAPAM
Jueves de teatro $30

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

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ENCORE

MEJOR PELEARSE QUE DESPEDIRSE

Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

Encore
¿Se puede mirar a la muerte de frente? ¿Se puede simplemente despedirse de los seres queridos cuando se van? ¿Se puede orar por sus almas mientras nos desprendemos su existencia terrenal de la retina que aún los ve como si no se hubieran ido?
Dos nietos, dos maneras de entender la pérdida de un abuelo en común se enfrentarán en Encore tocando con su conmoción y su ternura todos aquellos duelos por los que nosotros mismos hemos pasado.
Ante el dolor, somos sólo niños asustados…

Hasta el 19 de abril
Jueves y viernes a partir de 20, Sábados 19 y domingos 18 hrs.
Roble 3, Santa María la Ribera
Adolescentes y adultos
$60

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

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BANDA DE GUERRA

DE CIERTAS CORRUPTELAS

Por Perla Schwartz

bandaguerra

Una escuela secundaria- que quizás esté enclavada en un barrio populoso es el escenario elegido por el dramaturgo Luis Ayhllón para el desarrollo de “Banda de guerra”, una obra que plantea como surgen las corruptelas en un microcosmos, debido a la ambición de Matamoros, su director (un estupendo Alberto Estrella).

Él tiene muchos deseos de posesionarse con el puesto de líder sindical y hará hasta lo imposible para lograrlo, pese que apenas controla a los alumnos rebeldes, a quienes se dedica con mayor ahínco su amante Malena, profesora de la asignatura de historia (Irela de Villers).

A golpe de tamborazos y toquidos de trompeta es como se va desplegando un montaje- un tanto largo, dura aproximadamente 140 minutos) dirigido con habilidad por Mauricio Jiménez. El espacio escénico diseñado por Auda y Atenea, está a dos niveles, el más alto donde aparecen los integrantes de la banda de guerra, con gran poderío, a partir de la música que tocan y digamos una planta baja, donde la mayor parte del tiempo, aparecerán Matamoros y Malena; además de Emilio (Erick Israel Consuelo), uno de los alumnos que será víctima de un feroz bullying.

“Banda de guerra” es una propuesta interesante, pero que tiene el defecto que se alarga en demasía, y que en ocasiones repite el mismo discurso. Es la parábola del sueño enfermizo de acceder al poder, sin importar quien caiga en el camino.

Puesta en escena que está por finalizar temporada en el Teatro Julio Castillo, y que permite internarse al espectador al mundo de la podredumbre, el hastío y esos anhelos que se quedan truncos, porque no es tan sencillo vencer a un sistema, que parece sólido pero que se está cayendo a pedazos.

 

BANDA DE GUERRA
De Luis Ayhllón
Dirección: Mauricio Jiménez*
Con: Alberto Estrella, Irela de Villers, Erick Israel Consuelo
Banda de Guerra: Maestro: Ángel Lara
Cadetes: José Martno, Diego Thomé, Álvaro Sandoval, Adán Aguilar, Fabrizio Grajeda, César René Pérez y Francisco Medina
Teatro Julio Castillo
Centro Cultural del Bosque
Paseo de la Reforma Campo Marte, S/N
Atrás del Auditorio Nacional
Jueves y viernes 8pm, sábado 7pm y domingo 6pm