Reseña: RED BLACK AND SILVER

Un digno homenaje a Jackson Pollock

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

Existen genios en el arte que abren brechas en su historia que jamás podrán ser superadas por nadie. Uno de esos casos es Jackson Pollock, quien llevó el action painting a límite de la historia del arte moderno. Su furia, su falta de tacto ante el lienzo fueron característicos de este personaje. Fue esta misma furia que lo acompañó hasta el día de su muerte en un accidente automovilístico provocado por él.

“Red Black and Silver” habla del último segundo antes de la muerte de Pollock en el accidente. El tiempo suspendido se abre no sólo para ilustrar la muerte del pintor como el máximo performance de su vida, viseras, ojos reventados, sangre…También para dejarnos conocer un poco más la obra del pintor a través de un lenguaje, en ocasiones, poético. Y no sólo es eso, también es la historia de un amor atormentado protagonizado por el pintor de 44 años y su amante de 26.

La estructura dramática de Alejandro Román en definitiva tiene una primera complejidad, el tiempo. Después, el lenguaje, que al aspirar a la poesía llegaría a perder sentido si no es apoyado por una buena dirección, podría correr el riesgo de que el hecho teatral desapareciera y parecer una declamación. Algo que logra Arnaud Charpentier apoyándose en la interpretación de Alain Kerriou.

Sumando a estos dos componentes la música, la iluminación, los visuales, los circuitos cerrados hacen del monólogo una experiencia audiovisual. El performance es gran protagonista de este monólogo. Un homenaje digno para este pintor.

“Red black and silver” no sólo es una obra dirigida a todos los fans del pintor, también para los espectadores que gustan de ver en riesgo no sólo a los creativos, sino a todo el equipo. Como los productores que han hecho de este monólogo un espectáculo que crece cada vez más. Hay que recordar sus inicios y cómo se representaba dentro de una burbuja de plástico. El crecimiento de esta obra, se debe mucho a la compañía Teatro Entre 2 que no han quitado el dedo del renglón y han aportado un crecimiento dentro de la obra y exposición. Que es la tarea de todo buen productor.

*La obra estará en temporada en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico a partir del 5 de octubre.

Reseña: No soy lo que soy

Por Viridiana Nárud

No soy lo que soy, escrita y dirigida por Roberto Eslava, es una obra que nace de fragmentos de Shakespeare, John Milton y Lord Byron, sin duda algo ambicioso, lo cual puede resultar peligroso si no se maneja con maestría.

El qué somos y el tratar de definirlo pareciera que es un cuestionamiento constante en el teatro actual, y no sólo eso, de la especie humana en general. Así que al tratar de brindar una respuesta, o incluso, abrir una nueva interrogante debe ser tratado con mucha inteligencia, sobre todo cuando uno se pone sobre los hombros de los escritores más grandes de la historia.

Desafortunadamente, la curaduría del texto quedó muy por debajo de lo esperado ya que se plantearon demasiadas interrogantes y no se pudo discriminar ninguna en favor de la poética de la obra y su discurso. ¿Qué es la envídia? ¿Qué es el teatro? ¿Qué es ser mujer? ¿Quién es Dios? ¿Quién soy yo? Son interrogantes que necesitan tener la oportunidad de ser resueltas con tiempo. Lo que sucede en “No soy lo que soy” es que las ideas son interrumpidas en medio de la resolución o, peor, cuando apenas comenzaban a cuestionarse.

Los elementos en escena son demasiados, tantos, que a veces uno se distrae de lo importante que no termina de ser planteado. Me parece bien que el director desee explorar las coreografías, la música, los espacios alternos del teatro al presentarlo en el sótano del Julio Castillo, sin embargo, tantos elementos nos distraen. Sí, es cierto, logra la etiqueta de experiencia, pero no consigue la emotividad.

En este punto, debo señalar, que las interpretaciones de Luis Ernesto Verdín, Irene Repeto, Medín Villatoro y Jaklyn Michelle Bejarano Castro ocasionaron que la obra alcanzara momentos de diversión, de introspección, de absurdo. Fueron los actores quienes mantuvieron la atención del público estando siempre atentos de esa comunión que, en teoría, debería existir en cada representación. Sin duda, esta compañía de actores se encuentra comprometida con su labor teatral. Fue para mí una bocanada de aire nuevo al ver sus interpretaciones.

Escrita y dirigida por Roberto Eslava, a partir de textos de William Shakespeare, John Milton y Lord Byron
El elenco: Luis Ernesto Verdín, Irene Repeto, Medín Villatoro y Jaklyn Michelle Bejarano Castro.
Teatro Julio Castillo de Centro Cultural del Bosque (Paseo de la Reforma y Campo Marte s/n)
Funciones: lunes y martes, 20:00 h. Hasta el martes 10 de julio.
Boletos: $150

Reseña: SOBRE LA FELICIDAD

UN INTENTO DE ENSAYO ESCÉNICO
Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

Hasta hace no muchos años en la URSS los escritores eran considerados maestros, incluso Stalin dijo que los escritores eran ingenieros del alma. Lo que significaba que los conocimientos se ponían a disposición de la invención, claro, la técnica es parte vital para sostener las estructuras. Sin embargo, hoy en día tenemos la idea que cualquiera puede tomar una pluma, su computadora y escribir cualquier cosa. Aunque parcialmente esto es verdad, no todos pueden llevar a cabo una obra en donde la ficción y las palabras cobren sentido.

Cuando uno asiste a obras en donde el concepto o el discurso es lo importante, uno debe comprender que los sentimientos pasan a segundo plano y que las ideas serán las protagonistas. Sólo algo que tener muy claro: para que el discurso tenga fuerza tiene que ser inteligente y no retórico. Por lo tanto lo que se exige del escritor es un gran universo amplio y basto para que no quede mal posicionado.

“Sobre la felicidad” es un intento de ensayo escénico en donde, en teoría, la interrogante es ¿Qué es ser feliz? Empero, también se encuentra en el vilo los cuestionamientos a la maternidad y la paternidad, dando un giro Deus ex machina, en donde el padre se debate entre dar muerte a su familia. Algo que nadie esperaba, incluso sospecho que el escritor tampoco, porque parece una mera ocurrencia. Es por eso que la técnica es importante, y aquí regreso con lo dicho antes acerca de Stalin, sí, lo escritores, los buenos, son ingenieros del alma porque la construyen a partir de la técnica y el conocimiento; si nos ponemos fenomenológicos, podríamos agregar que también un espíritu.

“Sobre la felicidad” es un listado de palabras que intentan dar sentido de manera artificial en la escena. No basta con la intensidad de las actuaciones, ni los cambios de luces sin sentido, ni el vestuario que no se entiende por qué es así. Godard un famoso director de cine dice: Una historia debe tener un principio, un intermedio y un final. No importa el orden. Lo que aquí no hay. Nuevamente, hago una invitación a respetar el tiempo del espectador. Vivimos en una ciudad caótica que nos toma mucho tiempo el desplazarnos de un lugar a otro. Así que si invierto una hora, si bien me va, en el tráfico quiero verme recompensada con una buena obra de teatro sin importar si su discurso apela a las emociones o al intelecto.

SOBRE LA FELICIDAD. Compañía: Todos los Nombres Teatro | Dramaturgia: Vera Rivas | Elenco: Ana Banderas, Ariana Candela, Sofía Gabriel Luna y Diego Martínez Villa | Género: Teatro contemporáneo | Duración: 80 min. | Función apta para adolescentes y adultos. | Sala Novo. Madrid 13, Del Carmen Coyoacán | Hasta el 26 de junio | Martes: 20:00 hrs. | Entrada general: $200

 

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Reseña: EL ZOOLÓGICO DE CRISTAL

GRAN HISTORIA Y GRANDES ACTUACIONES
Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)


Constantemente decimos que el teatro está muerto o que se encuentra dando sus últimos suspiros. Para quienes somos aficionados y amantes de éste sabemos que de no ser una superproducción, las salas se encuentran la mayor parte del tiempo casi vacías. Sin embargo, existe un público que insiste al igual que creadores escénicos en hacerlo. La pregunta para los espectadores es: ¿Por qué vamos al teatro? Ofertas tenemos muchas para mantenernos en casa, cómodos y sin la necesidad de subirnos a un coche y enfrentar una hora de tráfico. La respuesta es porque el teatro es algo vivo. Empero, aquí participo como crítica, no todas las puestas en escena parecen estarlo.

“El zoológico de cristal” un clásico escrito por Tennessee Williams en 1945, nos demuestra la importancia de una buena historia y cómo es que esta mantiene la atención y tensión en los espectadores. La obra semi biográfica del autor, nos cuenta la historia de Tom Wingfield (Pedro de Tavira), un contador fracasado que desea ser escritor para huir de la dominante figura materna, Amanda Wingfield (Blanca Guerra) y la enferma hermana Laura Wingfield (Adriana LLabres). El eje central de la trama gira en torno a Tom y cómo tiene que enfrentar la mayor condena del hombre, la libertad.

Los espectadores se mantuvieron tensos, la respiración contenida en la sala, las risas al unísono significaban que la tarea estaba cumplida. Sin embargo, el descuido de la escenografía y el peligro que corrieron los actores al estar a punto de caer del sofa durante toda la obra, nos distanciaba de lo que en realidad estaba sucediendo para hacernos recordar que era una ficción. Aquí la llamada de atención sería para el director Diego del Río que descuidó los destalles afectando a sus actores.
Zoológico de Cristal es una obra que vale toda la pena ver, no sólo por la gran historia sino también por las grandes actuaciones. Uno se queda pasmado en el final. El cual hubiera sido más emocionante si la iluminación hubiese sido mejor pensada. Si usted lector, tiene ganas de ir a ver una obra que jamás podrá olvidar, que pasará la prueba de la cena, vaya a verla.

De Tennesse Williams
Dirección: Diego Del Río
Elenco:
Blanca Guerra: Amanda
Adriana Llabrés: Laura
Pedro de Tavira Egurrola: Tom
David Gaitán: Jim
Mariano Palacios: Jim

Teatro Helénico (Av. Revolución 1500, Col. Guadalupe Inn).
$200 $350 $450
Jueves y viernes 20:30 h, sábados 18:00 y 20:30 h y domingos 17:00 y 19:30 h. Hasta el 24 de junio
Apta para: + 10
Duración: 110 min. Sin intermedio

 

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Reseña: NOCHE DE ESTRENO

UNA FALLIDA REALIDAD

Por Viridiana Nárud (@Viridianaeunice)

Me pregunto si el ser humano es capaz de entender la verdad y comunicarla de forma consciente todo el tiempo. Porque algunas obras de teatro hacen creer que el drama del hombre siempre es conscientemente inconsciente y verdadero. Como la obra NOCHE DE ESTRENO en donde la falta de entendimiento y caos de la obra recae sobre el director Antonio Castro. La obra aborda la historia de una reconocida actriz que cae en crisis después de su encuentro con una joven fan que muere después de conocerla. La vejez, tema central de la obra dentro de la obra, afecta a este personaje a tal manera que la realidad y la ficción se confunden.

Si bien es cierto que el drama escrito por John Cassavetes fue creado para generar confusión y decir de manera expuesta una serie de verdades acerca de la vejez, el amor y la actuación, a manos del director Antonio Castro, sólo es caos. Uno como espectador no entiende qué está sucediendo en escena. Y no por el drama escrito sino porque la visión del director se encuentra perdida. Queda claramente expuesto al intentar crear fallidas escenas de terror, luego cómicas, de drama… una escenografía e iluminación descuidas, actuaciones que no tienen matices y actores que gritan todo el tiempo.

El arte, si bien es cierto, no es una expresión total de la verdad, sí arroja un poco de ella. Es por ello que su verosimilitud es importante. Incluso el teatro del absurdo nos hace decir: ¡Claro, esto es verdad! A pesar de los rinocerontes en medio del escenario. Pero aquí sólo muestra descuidos. Incluso el no arte nos revela su ausencia. Lo que molesta es la falta de carácter por parte de los expositores y la pretensión.

Como artistas escénicos es muy fácil apoyarnos en el concepto y decir que pocos son los elegidos para entendernos. Esta idea surge por nuestras estructuras económicas que han ido deformando el espíritu del hombre desde la Revolución Industrial. El hombre máquina es incapaz de cuestionarse quién es en realidad y sentarse a buscar una respuesta que probablemente nunca sea resuelta. Quizá por ello, cuando escuchamos dramas que nos guían a pensar lo que debemos saber, suponemos es interesante.

NOCHE DE ESTRENO es una obra descuidada, sin intención de decir nada. Aunque Cassavetes llega a cuestionar para qué está escrita, al parecer, para los actores y el director jamás fue una pregunta que debiera ser respondida. Sin embargo, la responsabilidad no recae sólo es los exponentes de esta obra, también en un público poco exigente que se reía de nada y que no se cuestionaba por qué estar sentados durante dos horas viendo a personas crear una fallida realidad.

Basada en la película Opening Night de John Cassavetes
Dirección escénica: Antonio Castro.
Elenco: Ariane Pellicer, David Hevia Arturo Ríos, Martín Altomaro, Tina French, Anillu Pardo y Pamela Ruz
Teatro Helénico (Centro Cultural Helénico, Avenida Revolución 1500. Col. Guadalupe Inn)
Funciones: Martes 20:30 horas. del 17 de abril al 26 junio
Boletos: $450, $350 y $250.

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Reseña: LAST MAN STANDING

EL DILEMA ESTÁ EN EL RING

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)

La Compañía TeatroSinParedes, al menos en dos de las tres obras que he visto de ellos, plantean dilemas éticos. Y estos planteamientos te permiten conocerte, conocer tus puntos débiles y salir “knockeada”del teatro hacia la vida.

Last Man Standing toma a una práctica deportiva, el box, como ficción y a la práctica actoral como realidad. La obra es un vaivén de alegorías desde el box hacia la vida misma, como también pasa en el teatro. Una historia en la que serán boxeadores aunque no sean boxeadores.

Trama, conflicto, acción, combate, contienda, enfrentamiento, espacio, ring. Aquí, no es la espectacularidad del boxeo lo que interesa sino las historias de Christian y Rubén y Carmen quienes no han tenido otra opción para salir adelante que boxear.

Sales del Teatro El Galeón, que está atrás de Auditorio Nacional. Al pasar por la puerta trasera del Auditorio vez a mucha gente formada porque va a salir quien acaba de dar un concierto. Preguntas “¿qué pasa?” Un papá te responde “va a salir Adexe y Nau”. “¿Quién? Mejor me muevo rápido de aquí”.

Mientras camino, me quedo meditando ¿cambiar al sistema aunque se te vaya la vida en ello o perpetuar el actual sistema, el del box, el del teatro, el de México?

Y tú, ¿eres espectador o voyeurista?

Reseña escrita el 8 de abril de 2018.

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Reseña: BREVE HISTORIA DE LA RABIA

Ser tu misma vs los estereotipos

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)

Hay una desnudez más complicada que un streaptease. La vida de Glenda es su cuadrilátero y ella nos narra momentos clave de su vida en tres rounds.

“Sólo puedo ser yo misma, ¿voy a quedarme sola?” dice Glenda mientras recuerda una parte de su vida. Dado que nos encanta lo que no somos, que somos humanos que nos atrae tanto lo que nos destroza, ella se pregunta también si hay una escala en la que se mida ser hombre o mujer porque a ella era poco femenina, según la norma.

Lo bueno es fácil de contar pero la parte oscura que llevas dentro, esa cuesta. Se requiere fuerza de voluntad para ser feliz y más permitirte amar.

¿Tú qué haces para dejar atrás todo lo que duele?

De: Lucía Leonor Enríquez.
Dirección escénica: Mahalat Sánchez.
Elenco: Glenda Tejeda.
Sala Novo (Madrid 13, Col. Del Carmen Coyoacán)
Funciones: Martes 20:00 hrs. Hasta el 24 de abril de 2018.
Boletos: $200, $100, $50. Tú eliges qué precio pagas, la obra es parte del programa Teatro Justo de Teatro La Capilla.

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Reseña: LAS DESPEDIDAS

UN VIAJE SOBRE LA BREVEDAD Y LA INTENSIDAD QUE CONLLEVA VIVIR

Por Fredo Godínez (@AlfiePingtajo)

I – Las preguntas

¿A los cuántos años puedo presumir que he cumplido con mis metas en la vida?
¿En verdad estoy parado en el lugar donde, siempre, quise estar?
¿Soy completamente feliz o lo soy a pesar de mí?
¿Estoy solo por gusto, por convicción o mi soledad es una consecuencia de no saber enfrentar mis miedos?
¿Y si fuera diagnosticado de cáncer, cómo lo afrontaría, cómo lo tomarían mis amigos y familia?
Esas son las preguntas que, pienso, se realizó Lucía Gómez-Robledo a la hora de escribir Las despedidas, su ópera prima.

II – La trama

Las despedidas cuenta la historia de Ana, una chica que a sus 32 años se siente satisfecha con su estilo de vida, el cual se verá alterado al enterarse que una enfermedad la podría arrebatar del mundo, antes de lo planeado. Una noticia que, sin duda, la cambiará tanto ella como a su entorno, y de paso la confrontará con uno de sus mayores miedos: la soledad.

Conforme avanza la obra, el espectador se adentrará al mundo de Ana y -guiados por ella- conocerán cada uno de los sentimientos a los que se fue enfrentando y la forma en la que aprendió a relacionarse con su familia, sus amigos y sobre todo con ella misma.

III – La interpretación y el texto

Lucía Gómez-Robledo escribió una obra que busca retratar la forma en que una mujer y su familia confrontan una enfermedad que podría terminar con lo que conoce por vida. Pero sobre todo busca confrontar las dos caras de la moneda: por un lado tenemos a una mujer que, ante la noticia de tener una grave enfermedad, busca sacar fuerzas de dónde sea; y por otro lado tenemos a la familia que quiere apoyarla y protegerla, a su modo, de algo que no está en sus manos. La primera recurre al humor negro como defensa ante la sensación de lástima que emerge, sin quererlo, de su familia.

Por otro lado, Bárbara Riquelme reinterpreta adecuadamente el texto dramatúrgico y logra que cada uno de los actores ponga la energía necesaria para ofrecerle al espectador una historia íntima que a través del humor negro ofrece al público una mejor forma de procesar y comprender un tema tan delicado como lo es el Cáncer de mama.

Las despedidas deja ver a una joven dramaturga con un futuro prometedor, pues en dicha obra se refleja que tiene una gran capacidad para contar y construir historias sencillas, cotidianas y universales. Tal y como lo que proponía Italo Calvino en sus “Seis propuestas para el próximo milenio”, que en México fueron retomadas por la Generación del Crack, a la que pertenece la narrativa de Ignacio Padilla; escritor que dejo el mundo de los mortales el pasado agosto de 2016. Por cierto, dicho escritor fue maestro de Lucía Gómez-Robledo y probablemente con él aprendió a crear este tipo de textos.

IV – Mi introspección

Ya lo he dicho en reseñas anteriores, cuando asisto a ver una obra de Teatro espero salir con una grata experiencia, pero sobre todo, deseo que dicha me genere la misma sensación que una buena novela, un buen cuento o un buen poema. Dicho de otra forma, anhelo ser confrontado y cuestionado.

A diferencia de la protagonista de la obra, no padezco una enfermedad tan grave, pero sí llevo conmigo, a todas partes, el estigma de haber sufrido un episodio de estrés-depresión que se somatizó a través de migraña y vértigo. Eso está ahí y en cualquier momento puede volver a ocurrir si no aprendo a controlarlo y a conocerme. Empero, para bien o para mal, gracias a eso he ido aprendiendo a romper algunos miedos y a tomar las oportunidades que la vida me da.

Sin embargo, día con día me invaden las preguntas con las que inicié este texto. Y casi nunca tengo la respuesta definitiva.

Y como la protagonista de esta obra, busco rodearme de gente que sepa estar cuando la necesite y no cuando les convenga. También quiero y necesito rodearme de las personas que logren aceptarme tal y como soy sin buscar corregirme o cambiarme ni en la cosa más insignificante.

Y sí, como la protagonista, sé que hay personas que han perdido más cosas que yo y han tenido la fuerza para levantarse de entre las ruinas como una Ave Fénix.

¿Y usted, querido lector, está donde quiere estar y rodeado de las personas que desea tener en su vida?

-o-o-o-o-

“Las despedidas”
Dramaturgia: Lucía Gómez-Robledo.
Dirección: Bárbara Riquelme.
Elenco: Sebastian Torres, Lucía Gómez-Robledo y Karla Bourde.
Sala CCB del Complejo Cultural del Bosque: Paseo de la Reforma y Campo Marte s/n.
Martes 8:00 PM, hasta el 27 de febrero de 2018.

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Reseña: LA PIEL DE VENUS

UNA PUESTA EN ESCENA QUE EMOCIONA

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice*

Pocas veces, admito con tristeza, una puesta en escena me emociona. Creo que el arte expresa sentimientos, a pesar del concepto. En mi experiencia suele pasar que una dirección puede ser opacada por la pretensión del director exigiendo de sus actores virtuosismo o, por el contrario, la emoción se encuentra alejada de una buena dirección. Es difícil encontrar el equilibrio. Así que como espectadora me paso mis jornadas teatrales con un sentimiento de carencia. Como si el teatro me debería algo. Cuando el teatro seduce, encanta y quiere un poco más de ello. Es un juego de seducción.

“La piel de Venus” es una obra escrita por David Ives y dirigida por Angélica Rogel. El texto está basado en la novela de Leopoldo von Sacher-Marsoch, “La Venus de las pieles” (1870), la cual causó polémica no sólo por su contenido erótico sino porque se presume que los pasajes en donde el personaje Severin le pide a Wanda ser vejado y maltratado, fueron autobiográficos. Gracias a este autor tenemos el termino masoquista.

La obra de Ives habla de un dramaturgista, interpretado por Gerado Trejoluna, quien toma el texto de Marsoch y, mientras se encuentra desgastado por no encontrar una actriz digna del personaje de Wanda, aparece una aparente actriz, interpretada Gabriela Zas, quien lo someterá a juegos de seducción y mentales. Los giros de tuerca en la dramaturgia son esenciales, uno no puede adivinar el siguiente paso del escritor, y se agradece ya que te mantiene en suspenso.

David Ives se encuentra alejado de condena acusatoria respecto a los roles de género, el masoquismo o perversines. La obra simplemente muestra y cuestiona a los personajes que, pareciera, se han mezclado con la vida de los actores. Este juego no sería posible si no fuera gracias a la dirección de Rogel, quien es capaz de entender el ritmo y atiende las necesidades del espectador, que no son más que el mantenerse al vilo de la butaca.

Las actuaciones de Gerardo Trejoluna y de Gabriela Zas emocionan. Fluyen permitiéndonos jugar con ellos. “La piel de Venus” es un juego en donde la realidad y la ficción se funden entre los personajes, los actores y los espectadores. Uno se pregunta: ¿quién está viviendo realmente esto?, ¿el actor?, ¿el personaje?, ¿me he encontrado en esa posición? ¿Quién soy?

LA PIEL DE VENUS
Autor: David Ives
Dirección: Angélica Rogel
Elenco: Gabriela Zas y Gerardo Trejoluna
Compañia: Petit Comité y Pispirispis producciones
Duración: 110 min.
Género: Drama
Función apta para mayores de 18 años.
Teatro Benito Juárez (Villalongín 15, colonia Cuauhtémoc, Metrobús Reforma)
Viernes martes y miércoles, 20:00 horas. del 6 de febrero al 14 de marzo
Costo: $141 entrada general. 50% de descuento, sujeto a disponibilidad y limitado a estudiantes de nivel básico, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno e INAPAM con credencial vigente. ***Aplican restricciones

* Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.
DISTRITO TEATRAL es el amigo que te recomienda qué ir a ver de la cartelera teatral no comercial en la Ciudad de México. Creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Amamoslacultura y #vamosalteatro a descubrir qué vale la pena ir a ver, compartir, recomendar y conversar de elllo. También entrevistamos a figuras clave de la escena en la Ciudad de México.

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Reseña BARATARIA: ESTADO DE MÉXICO

Gobernada por un hombre que en su vida ha leído un solo libro

Por Viridiana Tovar (@albusviridi)


Mientras me acomodaba en una butaca con mi acompañante, junto a los doscientos espectadores que recibió la noche de reestreno esta obra, alguien grita: “¿En cuánto está la canasta básica?”… silencio incómodo, murmullos, todos con cara de “claro que lo sé pero ni modo que me pare y lo diga” y finalmente una señora valiente entre las decenas de mexicanos que ignorábamos por completo la respuesta, grita: “34 pesos”; a lo que siguió una carcajada entre la multitud, más caras de desconcierto, el señor de al lado que entre dientes murmuraba -nunca supe a quién- algo como: “…por favor, si la libra está en treinta y el dólar todavía más caro…”. Yo quería hundirme cada vez más en mi asiento, primero por la pena de no tener la más =!/&/%$ idea y luego porque al parecer nadie a mi alrededor la tenía. No hubo mejor manera de retratar el panorama de México, 2018: ELECCIONES.

¡La isla Barataria está en barata, últimas rebajas, rebaja sobre rebaja! Gobernada por un hombre que nunca en su vida ha leído un solo libro, esta ínsula es trasladada al Estado de México entre los tintes de Miguel de Cervantes en el maravilloso mundo del gallardo hidalgo, Don Quijote de la Mancha; donde su acompañante Sancho Panza gobierna de manera ilusoria dicha tierra y aún siendo aconsejado por el Quijote, su gobierno fracasa al exceder los propios límites y no ofrecer amparo alguno a sus habitantes. Dolorosamente esta isla ficticia para Sancho es la inquebrantable realidad de ciento treinta millones de personas y sus gobernantes no han tenido la humanidad que este personaje tuvo, al reconocer su mal gobierno y retirarse con las manos vacías.

Foro Shakespeare
Zamora 7, Condesa
Miércoles 20:30 hrs.
Del 31 de Enero al 9 de Mayo
Dramaturgia y Dirección: Benjamín Cann
Elenco: Norma Angélica, Dalilah Polanco, Natalia Madera, Andrea Guerrero, Carmen Madrid, Arantxa Marchand, Alejandro Calva, Omar Medina, Jorge Zárate, Rodrigo Murray, Pablo Valentín y Benjamín Cann.
Duración aproximada: 90 minutos
Boletos: $370

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