LOS EXODITAS O LA MARCA DEL CAOS

Reflexión del trabajo de Diego Álvarez Robledo
Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

“LOS EXODITAS O LA MARCA DEL CAOS” es una obra de Diego Álvarez Robledo (DAR) que nos invita a pensar, no sólo en nuestra política actual, sino también a cuestionar nuestro teatro y el proceso de montaje, así como a sus actores.

Es es una ficción documental sobre el fenómeno de la migración. Hace un recorrido desde el nacimiento del universo hasta ver cómo las sociedades se dividieron y crearon fronteras. Incluso existe una escena que rinde tributo a “Odisea del Espacio” de Stanley Kubrick, la cual es conocida como ‘The down of man’ dentro de la película.

Para quienes hemos seguido el teatro de Diego hemos visto una notoria evolución en sus puestas en escena, y en su desapego ocasional con la palabra, cargado de connotaciones históricas que son propias de nuestra generación. Esto ha sido provocado después de la posguerra al tener que examinar de nuevo la naturaleza del lenguaje, que ya no podía narrar el dolor y crueldad del hombre contra el hombre y la naturaleza.

Sin duda, Diego Álvarez es uno de los jóvenes directores que tratan de desapegarse de sus maestros para comenzar a generar un lenguaje propio. Merece reflexiones propias de su teatro y por ello, el análisis de su trabajo requiere tiempo ya que su evolución es notoria en cada trabajo.

En “LOS EXODITAS O LA MARCA DEL CAOS”, existe un ingrediente extra, David Atencio Herrera en una dirección conjunta con DAR. Este lazo, al menos en la dirección, funciona de manera orgánica permitiendo que no sean dos visiones las que se reproducen en escena. Empero, en el diseño sonoro, existe un caos. Y aunque esto último pareciera trágico, en realidad es una abertura a reflexiones en la escena. Como espacios improvisados en “Casa del Lago” que no son adecuados para musicales, ni obras teatrales. La iluminación neón provoca revotes en las blancas paredes y pisos de duela del salón. La música es eclipsada por los ecos del lugar, siendo muy difícil escuchar de manera clara.

Por otro lado, quienes conocemos el trabajo de DAR, sabemos que requiere de los actores con un entrenamiento físico arduo para que los cuerpos en escena sean capaces de reproducir la poética de este director. He visto su trajo en “Animalia” y sé de lo que es capaz DAR cuando tiene un equipo bien entrenado. Los integrantes de la compañía “Los Conjurados Teatro” se quedan muy por debajo del rigor que requiere este director. No quiero demeritar el corazón y alma que este equipo ha puesto en la obra, es mucho y notorio. Sólo que cuando vemos a una mujer “bailando” tango y no conmueve al espectador, existe una problemática; porque no es por falta de sentimiento, sino de técnica que no permite que la escena sea excelente.

Diego Álvarez Robledo es un director que tiene clara su visión, su juventud le permite hacer trabajos con exploraciones que mantienen un rigor que llevan a sus espectadores y público al extremo. “LOS EXODITAS O LA MARCA EL CAOS” es una obra en donde el espectador sale conmovido por su temática dolorosa, por sus actuaciones honestas, por su manera innovadora de presentarse en estos espacios alternativos y ante espectador. Si me atrevo hacer una reflexión más profunda y poco cómoda para este director, es por el deseo de generar un diálogo en donde el único triunfador sea el teatro.

Dramaturgia: Diego Álvarez Robledo
Temporada: Se presentó en Sala 2 Rosario Castellanos de la Casa del Lago.
Sinopsis: En Los Exoditas, nueve actores emplean técnicas de danza, canto, combate escénico, ejecutan instrumentos musicales en escena, y utilizan distintas técnicas clásicas de actuación que van del realismo a la farsa entre una y otra escena; el texto salta ágilmente entre la ficción, el dato duro y la poesía; incorporamos un sistema ágil de video proyección que no sólo genera ambientes sino que interactúa con los artistas en la escena, así como un diseño sonoro que apoya con música y ambientes el trabajo coral de los actores. Este proyecto investiga lenguajes escénicos para provocar una experiencia
hermosa y
confrontadora.

ÓSCAR FONTANA Y “LA MÁS FUERTE”

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)

Óscar Fontana es actor, dramaturgo, director y amante del teatro desde siempre con excesivo gusto por el análisis (propio de su trabajo como actor)

¿Cómo te modifica el silencio? Y si te encontraras con un acontecimiento fortuito donde sentir te genere algo ¿irías? Ahí sucede el teatro, al menos para el director Oscar Fontana quien está por estrenar “LA MÁS FUERTE” de Strinberg junto a las actrices Adriana Focke y Carla Souza.

“LA MÁS FUERTE” es un monólogo, en un solo acto, donde una mujer platica con otra que nunca habla, pero que en cuyo silencio se puede reconocer la verdad: una a decidido seguir adelante a pesar de la infidelidad y otra ser amante escondiendo la relación con alguien. Un texto con un título provocador, que sigue sucediendo y, muestra que no eres importante por lo que eres sino por quien estás casada. ¿Te harías de la vista gorda ante la infidelidad de tu marido?

La idea de montar este texto surgió porque Óscar quería trabajar con Adriana. Comenzaron a buscar un texto que montar juntos y después de unas semanas vino a su mente ese texto de August Strindberg.
—Surgió de pronto, mientras estaba haciendo ejercicio, supongo que por asociación de ideas. Luego, la respuesta de Adriana fue un “sí” inmediato, cosa que me resultó muy lógica, nadie le hace gestos a Strindberg, o si existe alguien, no lo he conocido. —me comenta.

La dirección es un gran hallazgo en su vida en el teatro.

—Dirijo porque me seduce el hecho de construir en escena lo que el dramaturgo escribió. Me llama la atención el estudio, análisis y exploración del texto con los actores. El descubrimiento de sus posibilidades. Me fascina el hecho de verlos dispuestos, atentos, poniendo y disponiendo su cuerpo/mente para la ficción. Me encanta el hecho de ser partícipe y testigo de ese enfrentamiento de los actores con sus herramientas y la manera en que las ponen al servicio de la escena. Me conmueve la confianza con la que permiten que el director conduzca su energía. A final, resulta ser un ejercicio para mí que me obliga a escuchar de varias maneras. Es la conducción de la energía.

Para mí ir al teatro es una forma de pensar, reflexionar o sentir algo. Esto me hace creer que cuando alguien decide montar algo quiere provocar algo en los espectadores, que se sientan de alguna manera tras ver la propuesta. Sin enargo, Óscar piensa distinto a mí.

—Sentir ya es un movimiento, lo que genere ese movimiento ya no depende de mí, tampoco de las actrices, es hasta invasivo, supongo. Me sentiré agradecido por lo que surja, porque decidieron ir a compartir un momento, porque aceptaron esa ficción como verdad.

“LA MÁS FUERTE” es un montaje versatil que puedes conocer en el 1900 Café ubicado en Medellín #33 en la Roma Norte, por la fuente de las Cibeles. Tomas un café mientras descubres la historia escrita por uno de los escritores más importantes de Suecia. Estará todos los jueves y viernes a las 8:00 pm del 1 al 16 de diciembre.

EL LÍQUIDO TÁCTIL

LO MÁS HUMANO DEL HOMBRE

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)*

“En el arte hay que partir de lo irracional para producir lo real.” André Breton

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En un mundo donde la realidad se encuentra fuera de la palabra, es difícil para un escritor mantener su oficio vivo y más cuando el uso del lenguaje en las artes y vida se encuentra casi extinto. Para que el lenguaje cobre vida y haga eco nuevamente en el hombre, debe alejarlo de todo artificio y retórica. ¿Cómo lograrlo en un espacio que se ha abierto a la máxima decadencia del habla a través de teorías posdramáticas? ¿Cómo mostrar la realidad humana en un arte que se encuentra invadido por el realismo o las fantasías?

“Líquido táctil” habla del reencuentro entre dos hermanos que fueron separados desde muy pequeños. Uno de ellos es un hombre poderoso que se ha casado con una bella actriz que tiene una fascinación un tanto extraña por los perros. Conforme la noche y las cervezas pasan, el ambiente se vuelve cada vez más hostil pues existe una necesidad de revelar un secreto que mantiene a la pareja en terapia y desquiciada.

Daniel Veronose nos muestra una comedia ácida fársica, en donde nos revela el vacío de la existencia humana y cómo genera necesidades artificiales para no sentirse tan solo, como las adicciones al tabaco o una extraña fascinación por los animales. Si bien es cierto que es un texto lleno de humor negro, un halo melancólico lo invade, como la muerte de Chéjov debido a los hermanos Lumiére.

La dirección de Boris Schoemann como siempre se encuentra fuera de artificios y es justa en su medida, nada sobra. Los actores entienden el complejo texto de Veronose comprendiendo el absurdo de la existencia de sus personajes, sin mostrarse ridículos, incluso Naomy Romo, que interpreta a una actriz desquiciada. La iluminación y sus cambios crean una atmósfera bizarra, irreal. Sin embargo, el vestuario se encuentra descuidado, las arrugas en éste no permiten que los personajes se muestren como lo que en realidad representen, a esa clase poderosa.

“Líquido táctil” es una obra divertida, inteligente que muestra lo más humano del hombre, la soledad, los celos, su deshumanización y lo absurdo de su existencia. Veronese lo hace con la maestría que sólo el oficio les otorga a los escritores con el tiempo. Necesaria en estos días en donde los animales se han convertido en extraños acompañantes y artífices del hombre, mostrando no sólo un vacío, sino un extraño y oscuro secreto.

 

EL LÍQUIDO TÁCTIL

Autor: Daniel Veronese
Dirección escénica: Boris Schoemann
Elenco: Naomy Romo, Jorge Chávez Caballero y Daniel Bretón.
Duración: 60 minutos.

Dónde: Teatro La Capilla. Madrid 13, Coyoacan.

Domingos 6 p.m. hasta el 18 de diciembre.

Entrada general $200.

 

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

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#DistritoTeatralEntrevista a Hugo Arrevillaga

Para Hugo Arrevillaga pareciera impertinente hacer teatro hoy en día cuando le puede dar la vuelta al mundo en un celular

Video and Film

LÁGRIMAS DE EDIPO

Dramaturgia: Wajdi Mouawad.

Dirección: Hugo Arrevillaga Serrano.

Con: Vicky Araico, Mitzi Mabel y Ulises Martínez.

¿En qué teatro? Foro Sor Juana Inés de la Cruz (Av. Insurgentes Sur 3000, Ciudad Universitaria)

¿Qué días está? Jueves y viernes 20:00 horas, sábados 19:00 horas y domingos 18:00 horas. Domingo 13 de noviembre 12:00 y 18:00 horas

¿Cuánto cuesta? Jueves de Teatrounam  $30.00 (Sin ningún tipo de credencial). Viernes, sábado y domingo $150.00 general / $75.00 con descuento. El descuento aplica a estudiantes de cualquier institución, con credencial vigente maestros de la UNAM, afiliados al INAPAM, jubilados ISSSTE e IMSS.

Hasta el 11 de diciembre

 

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TRAINSPOTTING, LA VIDA EN EL ABISMO…

SEXO, DROGAS Y… ¡MIERDA!

Por Ariel Escalante (@YosoyAriel)

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Las anécdotas en torno a estos temas resaltan en el montaje teatral Trainspotting, la vida en el abismo, que dirige Gabriel Retes, basada en la novela de Irvine Welsh, a partir de la adaptación al teatro de Harry Gibson…

La obra, que reestrenó temporada el pasado viernes 4 de noviembre, retoma la historia de Marco, un joven adicto a la heroína, y su grupo de amigos, quienes viven el presente entre futbol, borracheras y drogas, y evitan tomar decisiones importantes para su futuro…

En la version teatral de Retes se respeta la historia de la novela, que fue conocida a nivel mundial cuando Danny Boyle la llevó a la pantalla grande, pero incluye diálogos y referencias nuevos que intentan acercarla a la realidad social y política del México actual.

El también cineasta considera importante que sean, principalmente, los jóvenes quienes se atrevan a ver la obra. “La intención del montaje surge de la necesidad por mostrar ese otro lado que poco conocemos de las drogas; no los narcotraficantes ni los grandes cargamentos confiscados que orgullosamente el gobierno presume en televisión sino el 80 por ciento que no logran recuperar y llega a manos del consumidor, el adicto, el enfermo”, menciona Retes.

Trainspotting fue adaptada al teatro antes que al cine y en México la estrenó por primera vez el propio Gabriel Retes en 1998. Esta nueva version fue vista por Irvine Welsh el año pasado en Guadalajara, en el marco de la Feria Internacional del Libro a la que fue invitado.

Si bien carece de las escenas brillantes que logró Danny Boyle con el lenguaje cinematográfico, la apuesta de este proyecto es conectar con el publico a través de las anécdotas que reflejan cómo se enfrenta una vida de adicciones, violencia y machismo y a través del trabajo de los actores que constantemente rompen la cuarta pared.

Trainspotting se presenta los viernes y sábados a las 6: 30 y 8:30 pm en el Teatro Rodolfo Usigli, en Coyoacán, hasta el próximo 31 de diciembre.

 

 

Trainspotting

Dramaturgia: Harry Gibson, a partir del original de Irvine Welsh

Dirección: Gabriel Retes

Elenco: Vicente Flores, Meritxell González, Raúl Andrade, Sofía Sojo

Viernes y sábados 18:30 y 20:30 horas

Teatro Rodolfo Usigli; Eleuterio Méndez 11, colonia San Mateo, delegación Coyoacán, Ciudad de México.

Entrada general $350. Estudiantes e INAPAM $250.

STOP KISS

¿CÓMO EXPLICAS LO QUE NO PUEDES EXPLICARTE TÚ?

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)*

Un día la actriz Claudia Nin comparte en Facebook un cartel de la próxima obra de teatro en la que participa. La imagen que usaron para promover Stop Kiss logró captar mi atención. Primero porque quién lo compartía la conozco, sin embargo, el contenido logró mi interés, específicamente dos frases:

 

“La obra Off-Broadway que movió a Nueva York ahora en México.”

“¿Cómo le explicas al mundo lo que no puedes explicarte tú misma?”

 

Al pasar los días volví a ver otro post con la sinopsis:

 

“Callie, una neoyorquina experta en evadir conflicto, conoce a Sara, una provinciana soñadora, y comienza una amistad que cambiará sus vidas para siempre.”

 

Después volví a olvidar el próximo estreno de Clau, con quien tuve oportunidad de colaborar en un proyecto hace un par de años, hasta que un post en Facebook donde ella estaba etiquetada me recordó, otra vez, Stop Kiss. Ese post del 16 de octubre de 2016 volvía a mostrar el cartel promocional de la obra con un mensaje largo, yo sólo leí los primeros 147 caracteres (con espacios):

 

“El amor es amor, y no reconoce nada referente a estratos sociales, condiciones económicas, edades, religiones ni mucho menos preferencias sexuales.

Bajo esta valiente y muy actual premisa, la puesta en escena  #StopKissMx llegará a nuestro país el próximo 8 de noviembre, lugar en el que se presentará en uno de los recintos teatrales más importantes de la capital mexicana: el Teatro Milán.”

 

En este momento no recuerdo en que publicación sobre la obra lo vi: un beso lo cambia todo. Algo así decía el mensaje. Con eso y el título de la obra supe de qué iba. E imaginé. Imaginé que si iba podría saber qué vivía una mujer cuando se sabe lesbiana pero no puede explicarlo al mundo porque ni ella se lo puede explicar. Eso era mi recuerdo de algún otro post que leí cuando el Frente Nacional por la Familia convocó a una marcha, entre otras cosas, en contra de que se legalicen los matrimonios igualitarios. Dicha problemática interna me resultaba interesante, un tema del que no había escuchado hablar.

 

Así, el 3 de noviembre me aparece en mi timeline de Facebook una publicidad de la Fanpage de Stop Kiss y de nuevo esa frase me llama la atención:

 

“¿Cómo le explicas al mundo lo que no puedes explicarte tú misma?”

 

Esa frase me habla, no por que me atraiga una mujer sino porque hay cosas de mí que no puedo explicarle a los demás por eso.

 

Seguí leyendo hasta “¡Aprovecha la preventa del 50% hasta el 8 de Noviembre!”, no vi más. Entré directo al enlace a Ticketmaster, averigüé el precio de la entrada: $175, ¾ una real promoción tomando en cuenta que en Teatro Milán los boletos generalmente superan los $300 ¾ y se lo compartí a mi novio. Realmente quería ver la obra, sola o acompañada, pero yo quería descubrir lo que tenía que decirme Stop Kiss.

 

La campaña de Facebook que diseñaron para la obra es una muestra del poder de las redes sociales para informar, para darte a conocer y, sobretodo, del poder que tienen unos mensajes bien escritos para hacerte imaginar lo que un producto tiene que ofrecerte.

 

Cuando se unen elementos como conocer a alguien para interesarte en lo que hace, conectarte a una hora específica para informarte en redes sociales y tu interés por el teatro o las historias, todo indica que el trabajo de tu community manager va por buen camino, que el presupuesto que destinas a redes sociales está teniendo resultados medibles (con nombre y apellido). En la promoción, el diseño y el mensaje son la clave para comunicar el valor de lo que ofreces. Desafortunadamente, en el teatro independiente pocas compañías tienen el presupuesto o gente profesional a cargo de su comunicación.

 

Por si te lo preguntas, sí, fui a ver la obra. Aunque, la obra no va de lo que imaginé, sino de los prejuicios y la violencia hacia dos mujeres que una noche decidieron darse un beso, y cuya historia vas conociendo en flashbacks, recuerdo esta frase: “Si no te gusta tu trabajo deberías buscarte otro”.

Me gustaría que vayas a explorar una nueva historia, me compartas tu opinión y me digas qué fue lo que te llevó a ver Stop Kiss.

 

STOP KISS

De Diana Son

Dirección Sebastián Sánchez Amunátegui

Con Claudia Nin y Alodra Pavón

Teatro Milán (Lucerna 64, esq. Milán)

Funciones martes y miércoles 20:30 hrs.

Hasta el 15 de febrero.

 

*Diseñadora gráfica de profesión, mercadóloga y community manager por necesidad y experiencia. Curiosa, observadora y promotora por naturaleza. Puedes conocer su perfil profesional en LinkedIn

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

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ALAIN KERRIOU: EL MAGO DE LA ESCENA

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)* Foto: PQ México

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En estos tiempos de guerra la historia calla, los periódicos mienten y en las redes sociales se generan movimientos políticos y sociales virtuales que, en su mayoría, fracasan. No es de sorprenderse que los hombres se sumerjan en el hastío de la soledad. Si bien es cierto que la soledad puede ser causante de grandes reflexiones, encuentros con la otredad… en la actualidad es asfixiante porque está vacía, manteniendo una falsa apariencia de estar acompañado por puntitos verdes del chat.

Cuando las ciudades necesitan expresarse, cada determinado tiempo, nacen una serie de individuos que expresan las pasiones de la humanidad a través del arte. No es casualidad que en esta época de sumo individualismo un hombre solitario trabaje en un oculto estudio de la ciudad de México, trate de dar vida a todo un concepto que ha sido olvidado durante siglos y, retome fuerza cada determinado tiempo. Hablo de Guilio Camillo y su “Teatro de la memoria”. Entender a Camillo y su teatro necesita de un arduo esfuerzo que lleva una vida de estudio y compromiso.

Sin embargo, no escribo para hablar de Guilio Camillo, un filósofo de cinquecento italiano que tuvo que manejar su obra con inteligencia y hermetismo para no ser quemado por la Santa Inquisición. Me encuentro aquí sentada para escribir de un hombre que trata de sobrevivir a la ignorancia e insensibilidad de las artes, que con su obra se ha convertido en un maestro mago de nuestra generación y, que es un artista multidisciplinario porque una sola expresión artística no le basta.

Alain Kerriou es el encargado de traer la idea cinetísmo al teatro y la danza. Ha trabajado durante años con la intervención de super 8, 16 y 35 mm, también ha intervenido sus piezas instalativas relacionadas con la escultura. Para entender un poco la mente de este creador debemos acercarnos a la idea del concepto del espacio ya que le permite la invención de unos nuevos, por esa razón la escenografía ha sido uno de sus máximos exponentes.

Hablar de Kerriou es invitar a la especulación filosófica de una obra y vida. Nadie puede decir que el proyecto “Do Not Play” que se estrenó en el Museo del Eco en el año 2014, en el que sólo hubieron aproximadamente sesenta espectadores, no existió. Nadie puede decir que esas piezas instalativas que intervienen el espacio y tiempo durante ensayos y su exhibición final no existieron. Actualmente, Kerriou trabaja en su “Proyecto Camillo” en donde sus obsesiones se concentran. Ha comenzado la creación de un nuevo espacio que durante un corto periodo verá la luz del día, para después ocultarse nuevamente en el recuerdo de los espectadores y en la mente del creador.

Alain Kerriou muestra sus obras como una extensión de él mismo, con un velo que nos permite vislumbrarlo de manera más clara. Kerriou, sin querer, ha generado un misticismo que lo envuelve junto a su obra. Estar a su lado, muchas veces, significa no comprender lo que ha dicho. Empero, tiene un imán que no te permite alejarte. Al final, al ver un poco de la obra de Alain, aunque no se comprenda del todo, uno se emociona y algo se modifica de manera interna. Para nosotros, espectadores, es un misterio el por qué, pero no para el creador. Una vez más Alain Kerriou modifica el espacio y tiempo interno del hombre para desaparecer.

 

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

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PULMONES

ABRIRLE LOS BRAZOS AL AMOR

Por Johana Trujillo (@jOtrujilloA)*

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Disfruto del teatro que me hace reírme de mi misma. Disfruto del teatro con el que me identifico porque me deja pensando o al menos me muestra algo de mí que no me había detenido a conversar conmigo misma. Disfruto del teatro que me lleva a abrir conversaciones nuevas con las personas que están en mi vida. Por todo lo anterior disfruté de ir a ver PULMONES el jueves pasado. Después de un año de haberla visto en su temporada de estreno, me sigue haciendo reír y me sigue dejando preguntas a responder.

 

En PULMONES, una pareja joven está teniendo una conversación sobre si traer a un niño a este mundo o no. Eso es algo importante, porque ellos crecen y se hacen personas, porque dicen que si te importa el planeta lo ético sería no tener hijos… También, hay personas que no deberían tener hijos. Sin embargo, ¿qué pasa con nuestra capacidad para hablar de lo que necesitamos o de los temas que nos inquietan? ¿Y con nuestra capacidad para amar?

 

Estos personajes en sus veintitreintitantos sacan la risa de quienes los miran. Como en cualquier relación, viven dificultades y eventos que podrán a prueba su relación y el amor que sienten el uno por el otro porque enamorarse es fácil, amar no tanto. Su discusión o conversaciones como pareja es tan cotidiana que cualquier hombre o mujer se recordará en algún momento de su vida. Qué se acabará primero ¿el mundo o su relación?

 

El texto del inglés Duncan Macmillan explora la conversación sobre tener una familia a la vez que lo entrelaza con las preocupaciones sobre el planeta y el mundo. La propuesta de dirección de Alberto Lomnitz, uno de los directores más prolíficos en el teatro mexicano, deja en las actuaciones de Ana González Bello y Roberto Cavazos toda la responsabilidad de lograr meternos en la historia de esa pareja que conversa sus inquietudes y desarrolla su capacidad de amar a pesar de los miedos o dificultades que se tienen en el camino. Los únicos elementos en que se apoyan son la iluminación (también de Lomnitz) y dos bancos de plástico, el resto está en nuestra capacidad de imaginar y dejarnos llevar por las convenciones que nos plantean los actores.

 

Dime algo, ¿con quién compartes tus ansiedades? ¿A quién le agradeces que sea esa persona que te aguante cuando te pones sensible? ¿A quién amas y no se lo dices lo suficiente? ¿Con quién te reencontraste después de un tiempo y seguía siendo importante para ti? Vale la pena que vayas al Foro Lucerna, en la colonia Juárez, con esa persona porque se reirán, y quizás abran esa conversación pendiente.

 

 

PULMONES

Dramaturgia: Duncan Macmillan

Dirección e Iluminación: Alberto Lomnitz

¿En qué teatro? Foro Lucerna (Lucerna 64 col. Juarez)

¿Qué días está? Jueves 8:45 p.m.

¿Cuánto cuesta? $250

Hasta el 8 de diciembre

 

 

*Diseñadora gráfica de profesión, mercadóloga por necesidad y experiencia. Curiosa, observadora y promotora por naturaleza.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.

En DISTRITO TEATRAL creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Vamosalteatro para descubrir qué #valelapena ir a ver y conversar. Da click aquí si quieres conocer más de nosotros.

LOS MINUTOS SE VIERTEN

UN AUTO DE FE AMOROSO

Por Fredo Godínez

 

“Llevamos en la sangre, en el alma y en la mente, lo que hemos sido. Nunca dejaremos de ser, nuestras madres (padres), nuestras abuelas (abuelos). Pero siempre será nuestra elección lo que seamos.”

Carolina Estada.

losminutos

Mucho se ha discutido sobre si el director debe pensar en el espectador al momento de ir armando el rompecabezas que unirá en un solo cuadro al dramaturgo, a los actores y al director. Los desencuentros en este tema son frecuentes.

 

El debate tiene dos polos, pienso: la obra debe ir en busca del espectador o el espectador en busca de la obra.

 

Desde mi perspectiva, una buena obra de Teatro es aquella que logra conectar con el espectador sin hacer a un lado las búsquedas estéticas o discursivas del dramaturgo o del director. Y por otro lado, lo peor que puede pasarle a todos es que el espectador salga de una obra de Teatro de la misma forma en que se entra: sin nada.

 

Mis conocimientos del Teatro son los de un simple espectador que va por los foros en busca de obras, de historias que me cubran los huecos que me dejan la Novela, el Cuento o la Poesía.

 

“Los minutos se vierten” no sólo me cubrió mis huecos, mis ausencias sentimentales; si no que me abrió tales y me recordó que a pesar de esas ausencias sigo en pie, sigo vivo.

 

A través de la Danza y el Teatro, un colectivo de actores se plantan en el escenario para contarnos sus historias familiares, más precisamente sus recuerdos más hondos y alegres que tienen y conservan sobre sus abuelas. La sinceridad de cada actor en el escenario es asombrosa; aquí la ficción es la gran ausente y cede espacio a la entraña, al sentimiento más puro. El teatro, pues, como una auténtica catarsis y el espectador como el gran receptor, quien también tendrá su oportunidad de abrir sus entrañas y ponerse al mismo nivel del actor. Es un círculo sentimental que se abre con el actor en escenario y logra cerrarse cuando el espectador se reconoce y da voz a sus sentimientos y recuerdos.

 

“Los minutos se vierten” es un homenaje a las abuelas por sus enseñanzas, sus cuidados y también es un reclamo, una reconciliación y un perdón; un auto de fe.

 

“Los minutos se vierten” es una obra que viene a recordarnos que uno es lo que es gracias y a pesar de nuestros abuelos, nuestros padres y nosotros mismos.

 

“Los minutos se vierten” como un homenaje al tiempo perdido y una invitación a atesorar cada recuerdo, pues son gasolina para sobrevivir a los tiempos difíciles.

 

“Los minutos se vierten” es una obra realizada por la parte personal e íntima de los actores, y que busca conectar con los sentimientos más profundos del espectador. Una obra que sirve para formar públicos teatrales, y que debe y puede ser vista por toda la familia.

 

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“Los minutos se vierten”

Creación colectiva basada en el texto homónimo de: Carolina Estrada.

Dirección: Adrián Asdrúbal Galindo Vega.

Reparto: Iván Caldera Álvarez, Gabriela del Río, Marisol Paredes, Yollotl Manzur, Alejandra Díaz y Natalia Alanís.

Producción y Gestión: ONIRISMOS, A. C.

Teatro Sergio Magaña: Calle Sor Juana Inés de la Cruz, 114, Sta. María la Ribera, 06400, Ciudad de México.

Martes y miércoles 8:30 P.M., hasta el 26 de octubre.

ROMEO Y JULIETA

¿QUÉ SE NECESITA PARA MONTAR UN SHAKESPEARE?
Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

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Muchas han sido las versiones y puestas en escena que surgieron de la experimentación, literalidad, adaptación o fragmentación de la obra más representada del dramaturgo isabelino. Y dicho fenómeno, quizá ha colaborado a que la obra siga instigando el interés de actores, directores, dramaturgos e investigadores teatrales. Pero, en este tenor: ¿cuál es el sentido de seguir montando una obra tan conocida?, ¿qué falta por descubrir en el texto?, ¿hasta qué punto se puede volver un ejercicio vacío y mecánico? Los riesgos, conforme pasa el tiempo, crecen. Parece que montar un clásico requiere cada vez de mayor pericia para lograr un legítimo movimiento emotivo en el espectador, y no sólo una valoración de carácter histórico y cultural.

El director José Caballero, monta con la compañía El coro de los otros, una versión de “Romeo y Julieta” donde todos los actores son todos los personajes de la obra. Y es justamente esto – amén de la variedad de edades entre los integrantes de la compañía- los que se vuelven, definitivamente, aspectos imprescindibles en la conformación del discurso escénico: todos, independientemente de la edad, son susceptibles a amar y ser amados. Todos son Romeo y todos son Julieta. El discurso de dirección avanza hacia un conocido sitio: el amor y la imposibilidad de ser ejercido, gracias a una serie de circunstancias “indirectas” y coincidentes. Aunque éste, resulta ser un discurso bello e idílico, no parece derivar de un análisis absoluto de la obra. Es decir, la sustancia del texto, se diluye en la gran beldad de la propuesta discursiva, soslayando cualquier profundización. No es la superficie lo que debemos observar, es la inmensa fuerza y potencia del tema lo que vuelve interesante y valioso el texto de Shakespeare.

Se distingue una genuina intención por cubrir las exigencias de carácter en cada personaje, desgraciadamente el flujo de éstos termina por debilitar la escena. No es un problema de forma, sino de fractura en la línea de acción.

“Romeo y Julieta”, es un ejercicio que nos recuerda que existió un dramaturgo brillante, cuya grandeza radicaba, entre otras cosas, en conferir a los personajes de una agobiante fuerza interior. Es por esto que, montar una obra de Shakespeare exige un agudo trabajo analítico. Es laudable que se sigan montando obras este dramaturgo, que incluso se hagan adaptaciones y se ofrezcan, quizá, otras alternativas para observarlo, contemplarlo o acercarse a él; pero siempre con la consciencia que, al enfrentarse a sus obras, se estará entrando a un universo lleno de las más perversas tentaciones.

ROMEO Y JULIETA
De William Shakespeare
Dirección y adaptación: José Caballero
Con: Laura Almela, Rubén Cristiany, Luis Arturo García, Alejandro Toledo, Lucía Uribe y Patricia Yáñez
Se presenta en el teatro Benito Juárez (Villalongín 15, col Cuahutémoc)
Finaliza temporada el 02 de octubre.
Viernes 20:00 Hrs, sábados 19:00Hrs y Domingos 18:00Hrs.

oscar.fontana@distritoteatral.mx
*Actor / Dramaturgo / Teatrista