¿DÓNDE ESTÁ EL PUNTO?

-No hay tal…
Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

dondeestaelpunto

Benito sueña con irse a Italia a estudiar música y aunque ha conseguido una beca, la burocracia mexicana hará su parte para evitar que logre su propósito; sin embargo, este heroico personaje no se dejará vencer tan fácilmente por las trampas que encontrará en su camino…
¿Dónde está el punto? es una comedia divertida con la que todos los que hemos tenido la desgracia de realizar un trámite en una oficina pública nos podremos identificar y por primera vez en la vida, reírnos de buena gana.

Hasta el 19 de abril
Jueves y viernes a partir de 20, Sábados 19 y domingos 18 hrs.
Roble 3, Santa María la Ribera
Adolescentes y adultos
$60

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

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ENCORE

MEJOR PELEARSE QUE DESPEDIRSE

Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

Encore
¿Se puede mirar a la muerte de frente? ¿Se puede simplemente despedirse de los seres queridos cuando se van? ¿Se puede orar por sus almas mientras nos desprendemos su existencia terrenal de la retina que aún los ve como si no se hubieran ido?
Dos nietos, dos maneras de entender la pérdida de un abuelo en común se enfrentarán en Encore tocando con su conmoción y su ternura todos aquellos duelos por los que nosotros mismos hemos pasado.
Ante el dolor, somos sólo niños asustados…

Hasta el 19 de abril
Jueves y viernes a partir de 20, Sábados 19 y domingos 18 hrs.
Roble 3, Santa María la Ribera
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BANDA DE GUERRA

DE CIERTAS CORRUPTELAS

Por Perla Schwartz

bandaguerra

Una escuela secundaria- que quizás esté enclavada en un barrio populoso es el escenario elegido por el dramaturgo Luis Ayhllón para el desarrollo de “Banda de guerra”, una obra que plantea como surgen las corruptelas en un microcosmos, debido a la ambición de Matamoros, su director (un estupendo Alberto Estrella).

Él tiene muchos deseos de posesionarse con el puesto de líder sindical y hará hasta lo imposible para lograrlo, pese que apenas controla a los alumnos rebeldes, a quienes se dedica con mayor ahínco su amante Malena, profesora de la asignatura de historia (Irela de Villers).

A golpe de tamborazos y toquidos de trompeta es como se va desplegando un montaje- un tanto largo, dura aproximadamente 140 minutos) dirigido con habilidad por Mauricio Jiménez. El espacio escénico diseñado por Auda y Atenea, está a dos niveles, el más alto donde aparecen los integrantes de la banda de guerra, con gran poderío, a partir de la música que tocan y digamos una planta baja, donde la mayor parte del tiempo, aparecerán Matamoros y Malena; además de Emilio (Erick Israel Consuelo), uno de los alumnos que será víctima de un feroz bullying.

“Banda de guerra” es una propuesta interesante, pero que tiene el defecto que se alarga en demasía, y que en ocasiones repite el mismo discurso. Es la parábola del sueño enfermizo de acceder al poder, sin importar quien caiga en el camino.

Puesta en escena que está por finalizar temporada en el Teatro Julio Castillo, y que permite internarse al espectador al mundo de la podredumbre, el hastío y esos anhelos que se quedan truncos, porque no es tan sencillo vencer a un sistema, que parece sólido pero que se está cayendo a pedazos.

 

BANDA DE GUERRA
De Luis Ayhllón
Dirección: Mauricio Jiménez*
Con: Alberto Estrella, Irela de Villers, Erick Israel Consuelo
Banda de Guerra: Maestro: Ángel Lara
Cadetes: José Martno, Diego Thomé, Álvaro Sandoval, Adán Aguilar, Fabrizio Grajeda, César René Pérez y Francisco Medina
Teatro Julio Castillo
Centro Cultural del Bosque
Paseo de la Reforma Campo Marte, S/N
Atrás del Auditorio Nacional
Jueves y viernes 8pm, sábado 7pm y domingo 6pm

SAFARI EN TEPITO

“Agradezco a cualquier dios que pudiera existir
por mi alma inconquistable.”
Nelson Mandela

Por Viridiana Nárud
@viridianaeunice

tepito

 

La iniciación

Parecía un encuentro clandestino. Una llamada o un mensaje. Una estación del metro a las 4:45 pm : “Se puntual. El viaje comienza a las 5 en punto.” Fin del mensaje. “Amarren bien sus zapatos. No saquen su teléfono, al menos no en las calles. Manténganse unidos y no se paren a comprar nada.” Es la indicación del guía quien nos lleva con la actriz. Caminamos apurados, cruzamos las calles del Barrio Bravo de Tepito. –Quítense los zapatos. Nos indica la actriz. Los espectadores nos vemos los unos a los otros. No importa. Hay que confiar. Nos deslizamos por los pasillos de algún edificio. La música suena a alto volumen. Nos recibe Irene, quien es nuestra instructora de baile. En la sala, sólo cabe a lo ancho dos personas paradas y un sillón muy pegado a la pared. Bailamos. Se acaba la música. Nos miramos sonrientes. Irene toca el pecho agitado de una de las mujeres.

­-¿Sientes? Es el ritmo de tu corazón. Así es como vivimos y olvidamos…

Irene es una chica que no tiene más de 23 años. Nos narra lo difícil que es vivir en el Barrio Bravo y ser tepiteña. Se sufre discriminación por tu código postal. Las paredes de su departamento se encuentran cubiertas por pequeñas réplicas de los cuadros de Frida Kahlo -símbolo de la fuerza de la mujer tepiteña- y diplomas de su escuela, ya que es “lo único que mi padre va a poder heredarme.” Patricia Ortiz, actriz que fue adoptada por la familia y el barrio, entrelaza su historia de vida y dificultades para su profesión. Su infancia y sus ganas por ‘comerse el puto mundo’, la cual la llevaron a un hospital con una partida de cráneo. Con un té caliente en nuestro estómago nos retiramos del pequeño departamento.

Las calles de Tepito no sólo retratan la pobreza sino también su profunda fe. En cada esquina se encuentra un altar ya sea a San Judas Tadeo, a la Virgen o a la Santa Muerte. Esta última, que por el número de rosas depositadas en su altar, tiene más seguidores que ningún otro. Caminas rápido, casi trotas: “No se separen del grupo.” Los niños juegan, sin miedo en las calles. Las mujeres arreglan sus tiendas.

-¿A dónde vas?

Grita un luchador enmascarado a Patricia. Nos asusta. Nos invita a su casa para platicarnos acerca de su deporte y los riesgos. En una pantalla de plasma corre el video de todos los antepasados de Robin Jr., luchando en Japón. “Son los de la película.” Dicen sus vecinos. A pesar de no haber cámaras. Nos despedimos nuevamente de otro personaje. Caminamos por este barrio que durante cuatro horas estará en tregua con extraños ya que ellos participan y son parte de este Safari.

Si caminas por las entrañas de Tepito y no sólo por eje 1 norte, encontrarás que existen muchos talleres de calzado. La mayoría pertenecen a familias como las de Irene. Así es como llegamos al taller de su padre. Nos explica cómo es qué se hacen los Tom’s. Cómo es que cada 25 de octubre festejan a San Crispín, el santo de los zapateros y cómo esa olla, que se encuentra colgada en la pared se llena de comida o bebida para celebrarlo. La mujer, a un lado, quien no deja de trabajar y poco nos mira, es la madre de Irene, una mujer que no es del barrio y a quien le ha costado trabajo adaptarse.

 

Somos tepiteños

La noche cae. Cruzamos las calles. Un grupo de motociclistas nos esperan. En mi trayecto platico con un joven que tiene unos ojos color gris, impresionantes. Mientras lo abrazo con fuerza por temor a caerme, me pide que ponga mis manos en los fierros que están a mis costados. Flashback: “Mi padre y yo en una moto viajando por carretera y cómo sentí por primera vez vértigo y juré que jamás volvería a subirme a una moto sino era yo quien la manejaba.” Juramento que debo de liberar para continuar en esta aventura.

Un olor a mierda, banquetas en restauración, una iglesia, monjes que caminan en los pasillos, un actor alburero frente a nosotros. La unión de lo profano y lo sagrado. Rituales que a lo largo de la historia se mantienen unidos. Así es nuestro nuevo destino, lleno de contrastes. Patricia se despide y nos deja con Noé Hernández, otro de los actores adoptados. Las campanas de la iglesia suenan. La música de la Guadalupana comienza a sonar de fondo. Seguimos a nuestra nueva guía, Lourdes Ruiz “La reina del albur.” Una mujer con mirada pétrea, “porque los de Tepito somos duros aunque nos esté doliendo el alma.” Así de grande ha de ser su dolor.

Enormes fotografías de Juan Pablo II y retratos de la Virgen y todo tipo santos nos despiden de esa iglesia que dentro de poco comenzará su ritual para liberar las almas de todos sus seguidores. Una casa en obra negra, el aroma a cemento envejecido y arrinconado a un costado de los muros, invade la atmósfera. Cinco velas alumbran los escalones: “No pueden tomar fotos. Está prohibido. “ Ordena la voz profunda y ronca de Lourdes.

Un cuarto pequeño, Legua —deidad de la religión yoruba. Dueño de los caminos y el destino — en el centro. Fotos del santero con su hija sonriendo. Un cuadro grande de Jesucristo. Comienza el ritual. “Todo lo has dejado ante los pies de Legua.” Salimos.

 

La cabrona

—Y si te parece. Porque sino a la China.

—A mí no me truenes los dedos.

—Si te los trueno.

La mujer se acerca más al joven hombre y le truena los dedos. No es una escena montada para este Safari, es la realidad del barrio. Lourdes “la reina del albur”, nos hace correr. Una bifurcación no separa nuevamente de Noé. “Aquí se encuentran el altar a las siete cabronas. Cabrona significa: La que cae y se levanta. Así somos las mujeres en Tepito.”

Cruzamos por la unidad. Música. Un hombre con blusa roja satinada nos espera en el parque. Bailamos. Nos despedimos. De nuevo, Noé. La entrada de un departamento. Nos sentamos en la sala. Entre rituales de santería y entre bromas aparece Lourdes nuevamente. En las paredes sobresale una foto de su madre y su hermano muertos, además hay unas pequeñas máscaras.

—¿Y si te quitáramos la máscara? ¿Qué veríamos?

—Una mujer vulnerable, falta de cariño. Soy un terroncito de azúcar.

La voz se quiebra. Una nueva escena. Se sirven frijoles calientes y tequila para todos. Lourdes interpreta al padre golpeador de Noé. Saca un cable y comienza a darle de chingadazos. Él detiene la escena.

—No, así no era. Mi papá era un cabrón que con toda la calma del mundo le daba cinco vueltas al cable y decía: “Te voy a chingar, hijo. Era la única ocasión que me decía hijo. ¡Qué me madree ya! Pero que no me haga esta tortura de alargar los chingadazos. “

Las escenas de este viaje, van revelando a humanos y no sólo a actores y gente invitada. La ficción se funde con la realidad y no importa. Las risas y albures de esos dos personajes contagian a sus espectadores que intrigados interrumpen las escenas. Lourdes, esa mujer de voz ronca y personalidad dura, deja ver a todos que es la falta de amor, la raíz de su dolor. En un barrio donde no hay tregua, dicho por sus propios habitantes en repetidas ocasiones, se puede convivir durante cuatro horas con extraños y abrirles las puertas de su casa y corazón sin miedos ni prejuicios.

Safari en Tepito permite romper esas barreras culturales y sociales que sólo crean estigmas y separan. También es una travesía conducida por los propios habitantes del barrio a través de sus calles, sus casas y sus historias. Ocho actores nos acompañan en este viaje a descubrir los inmensos paisajes que nuestros prejuicios nos impiden ver. Safari en Tepito es una alegre provocación al encuentro con el otro.

Quizá el arte no nos pueda salvar de una guerra, sin embargo, tal vez logre generar espacios utópicos tangibles por un instante y permitir al ser humano a volver a creer en su humanidad. Porque si algo demuestra este viaje es que las divisiones son mentales. Como diría el actor Raúl Villegas : “Tepito me regaló la libertad.”

 

SAFARI EN TEPITO
Boletos en el Teatro El Milagro
Informes al 5535 1291

LABERINTO

CABEZA DE TORO
Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

laberinto

Allá donde nadie mira, en un espacio que no se puede del todo penetrar y del que no se puede salir, habita un monstruo. Dicen que tiene cabeza de toro y cuerpo de humano, que está siempre enojado, que aunque tiene cuerpo de hombre, es una bestia…

Laberinto es un montaje escénico inspirado en la serie de cuentos que constituyen El espejo en el espejo del popular autor alemán Michael Ende. Dividido en dos historias, una que ocurre dentro del laberinto de Creta y el otro a las puertas de este. La obra reflexiona en la paradoja que se establece entre el minotauro, animal híbrido que busca desesperadamente su razón humana de existir, y sus carceleros y cazadores, personas crueles, deshumanizadas e impías.

La puesta, hecha con gran belleza y perfección en la expresión corporal, tiene una mezcla de contorsión y acrobacia que recuerda a la danza contemporánea y la selección de los fragmentos y citas del libro original generan ese ambiente de patética hermosura que tanto celebramos en su autor.

La premisa: “cada uno se transforma en aquello que busca” se convierte en desgarradora premonición: somos animales aspirando a una grandeza imposible o somos sanguinarias bestias de dos patas… ¿Y si el laberinto estuviera aquí dentro?

Hasta el 20 de abril
Lunes, 20:30 hrs.
Círculo Teatral
Adolescentes y adultos
$200

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

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TEATRO EN CORTO

EN VERDAD CORTO…
Por Virdiana Nárud* (@viridianaeunice)

teatroencorto

Me gustaría comenzar esta crítica a partir de una reflexión que nace de una entrevista a la dramaturga argentina Griselda Gambaro, publicada en el sitio web del periódico ‘La Nación’:” En realidad, el teatro es un arte tan rico que uno le puede agregar cualquier adjetivo y siempre puede ser pertinente, aunque sea por la equivocación que pueda encerrar. Cómo fue el teatro en el pasado no lo sabemos con exactitud, pero la impresión de lo contemporáneo es que está todo muy mezclado. Y eso lo vuelve vulnerable. Pero al mismo tiempo uno sabe que el teatro es de una resistencia feroz. Así que llamarlo vulnerable encierra también una contradicción. Porque hoy en día el teatro a veces es puro desparramo de ocurrencias. Y nada más. “

Quiero hacer una pausa y enfatizar dos puntos muy importantes que ella menciona y cuestionar el acontecer de la arte escénico actual: 1) “El teatro es un arte tan rico que se le puede agregar cualquier adjetivo y siempre puede ser pertinente.” Si bien es cierto que todo está permitido en el arte, incluso adjetivarlo ¿Hasta qué punto el creativo debe de instalar cuanta ocurrencia se le venga a la mente y dejar de significar todo aquello que se pone y dice en escena para ser complaciente con su espectador y con él mismo? 2)” En lo contemporáneo todo está muy mezclado”. Efectivamente, todo se encuentra tan amalgamado, que se ha perdido todo rigor en la elaboración de la obra “artística.” Y como el arte es poder, cualquiera en la actualidad se puede autodenominar “artista” y buscar escaparates que le permitan exponer y validar su obra a través de teatros, instituciones, becas, críticos y espacios emergentes, estos últimos, tan de moda hoy en día.

Los actores de televisión también buscan nuevas formas de validar su oficio y por ello Lola Cortés ha creado un espacio que se llama ‘Teatro en Corto’. Si bien es cierto, que no todos los actores que pasan por ese espacio tienen un contrato con alguna televisora, si muchos de los que están ahí han pasado por ahí. En esta ocasión voy a hablar de tres obras: La Mujer de mi Vida de Zoé Mendez, RIP (Relaciones Interpersonales) de Mario Montes y Dios no está aquí de David Loza.

La mujer de mi vida es una obra que trata de un hombre quien no puede decidir entre en el amor de una mujer o el de su madre para ser feliz. El montaje comienza con la fuerte presencia del actor Juan Carlos Martín del Campo entrando a la recámara. Entre un llanto contenido llega su madre, Elvira Monsell, quien durante los primeros minutos conserva mesura en su actuación. Con pocas líneas fuertes en la dramaturgia como: Los amores imposibles no existen. Existen los cobardes que se inventan excusas. La obra va cayendo en un melodrama y que la dirección refuerza con actuaciones de Carla Carrillo y Monsell, quienes en la última etapa muestran una actuación desmesurada llena de gritos y llantos. Debo ser muy puntual que el actor Juan Carlos Martín del Campo fue el único en no caer en la sensiblería y supo contener la fuerza, a través de una interpretación limpia.

RIP (Relaciones Interpersonales) es una obra de la que no hay nada bueno que mencionar. Las actuaciones por parte de Ramón Medina y Cecilia Cantú son pobres y hasta cínicas. Interpretan sus personajes con tanta flojera que hasta dan ganas de salir del espacio. El cinismo se debe a que lo hacen frente al asistente de dirección que nada dice. Al terminar se despiden con una risa desvergonzada.

Dios no está aquí, narra la historia de la película “El Rito” de Michael Petroni, con algunas variantes. El dilema de un joven sacerdote, a quien el diablo pone a prueba. Una película que no fue favorecida ni por la crítica ni por el público. No entiendo por qué alguien se empaña en llevar a escena, un conflicto tantas veces visto en el cine. Sin embargo, voy a aplaudir que hayan optado por el género de terror. Hubo mucha expectativa por parte del público, algunos de ellos salieron conmocionados. Aquí debo ser muy puntual, porque el director de esta obra Axel Ricco, deja a los actores David Loza, Atenas Vallejo, Carlos Barragán naufragar en la comodidad de una interpretación actoral.

Es bueno que en México se abran tantos espacios emergentes que den oportunidad a creadores sin importar de la escuela, empresa o compañía que provengan. Lo importante son los resultados, aún falta mucho camino y sobre todo rigor por parte de los intérpretes y directores. Todo se vale, menos ser complaciente con uno mismo.

Teatro en corto
Yosemite 40
Funciones jueves a sábado de 8 a 10:30pm
Domingos 6 a 8:30pm
$70 por obra

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

Jacinto y Nicolasa ¿Para quién es la justicia?

Por Artemisa Tellez (@artemisatellez)*

Dos personas que no se conocen. Dos caminos que nunca se tocan. Una sola identidad. Un mismo destino. Jacinto cometió un crimen. Su comunidad le exige ponerse en manos de las autoridades. Nicolasa perdió a su hijo a manos de un grupo armado, no sabe siquiera dónde buscarlo. No se tienen siquiera el uno al otro. Tienen cientos de testigos, no tienen por interlocutor a nadie, no hay una sola persona que se ocupe de lo que les pasa a los pobres, de lo que les pasa a los indios. Dos diálogos de sordos, la repetición absurda de la tragedia cotidiana, el sufrimiento estóico de quienes se han acostumbrado a no contar para nadie. Vértigo.

Jacinto y Nicolasa es una tragedia a la mexicana llena de belleza y maravilla, de realismo mágico, de certezas perdidas; es un drama que se teje entre los huecos y los vericuetos de nuestro sistema de justicia que aborda con inteligencia y sencillez el tema -aunque vigente, sistemáticamente invisibilizado- del indigenismo en México.

Original de Camila Villegas y dirigida con gran sensibilidad por Alberto Lominitz, Jacinto y Nicolasa más que una puesta es una propuesta escénica que nos obliga a mirar con ojos nuevos conflictos con los que vivimos todos los días.

Una obra entrañable que vale la pena conocer, recomendar y ver más de una vez.

 

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

(Reseña escrita en su temporada en mayo 2015 en el Círculo Teatral)

CHECKPOINT

LA GUERRA LLEGA AL PUNTO DE REVISIÓN

Por José Manuel Lira C.* (@jomalira)

checkpoint587

En la línea divisoria entre Palestina e Israel se encuentra el “checkpoint”, lugar donde son sometidas a revisión las personas que quieren cruzar. Es una revisión supeditada al estado de humor y el criterio de los militares, quienes pueden llegar a cometer atropellos, e incluso crímenes, en contra de los migrantes. La obra “Checkpoint” no habla de cosas lejanas, sino de situaciones que suceden a cada momento en muchos lugares del planeta.

El abuso de autoridad, el maltrato a la mujer y los infantes, la guerra, vivir con miedo, tener que agachar la cabeza para sobrevivir, no poder olvidar a los que se van; éstos son sólo algunos de los temas abordados. Y es que, como todos sabemos, la guerra trae consigo soledad, rencor, vergüenza, ira, inseguridad, terror.

Dos mujeres -una de cada lado del checkpoint- deberán pasar por situaciones amargas a causa de seres vacíos que no saben a quién sirven ni para qué trabajan, pero que tienen odio y nunca se han dado la oportunidad de reflexionar. Un joven militar experimenta sensaciones que no necesariamente están bien, pero le brindan placer; una madre debe aprender a perdonar y superar la negligencia de los uniformados, por culpa de los cuales ha perdido un hijo -si no lo hace, no le será posible avanzar-.

“Checkpoint” ubica al espectador en diferentes lugares, en diversos puntos de vista, para que podamos ver con sus ojos, respirar con su aliento y comprender, sin tomar partido, pues lamentablemente todos, y a su vez nadie, tienen la razón.

Un excelente texto de la mano de Verónica Maldonado, con actuaciones de Mercedes Olea (quien destaca al mostrar y contener la angustia, el odio, la nostalgia), Leticia Garza y Tabris Berges, quienes interpretan a varios personajes -cuyos sentires son tan semejantes que uno se podría perder descifrando lo indescifrable, lo complejo, lo humano-, bajo de la dirección de Rocío Carrillo.

La escenografía logra generar el ambiente de tres espacios diferentes, para ubicarnos en la historia. “Checkpoint” cuestiona y, como reza uno de los diálogos del libreto, se siente “hasta en los huesos”; estremece pensar que uno mismo pudiera encontrarse en los zapatos de los protagonistas. Una obra que dice no a la guerra, presentando lo absurdo que resulta ésta e intentando sembrar balas de paz y de cambio en el espectador; conmover, para generar una transformación.

CHECKPOINT
Dramaturgia: Verónica Maldonado
Dirección: Rocío Carrillo
Foto: Alfredo Millán
Casa Actum
Héroes del 47 no. 9 San Diego Churubusco, Coyoacán;
muy cerca del metro general Anaya
Domingos, 18:00 horas
$140, con descuento a estudiantes, maestros e INAPAM.
Del 15 de marzo al 3 de mayo

* Licenciado en Comunicación Social (UAM-X), actualmente estudia la licenciatura en Actuación (ENAT/INBA). Escribe sobre teatro en su blog personal: Expectativa Teatral

BAÑOS ROMA

EL LENGUAJE ES COMO LA LUNA Y TIENE SU HEMISFERIO DE SOMBRA

Por Viridiana Tovar (@AlbusViridi)

Fotografia. Baños Roma. Teatro Helenico (4)

Para mí ya es costumbre –una de las buenas- ir al Centro Cultural Helénico y disfrutar de un riquísimo aguachile en la marisquería de enfrente. O tomar un excelente expreso con un delicioso alfajor en el Café Bolshoi, que ya no sólo tiene sucursal a una cuadra sino en el mismo teatro, para poder esperar cómodamente la función.

Esta vez Teatro Línea de Sombra, compañía de proyección internacional, con doce años de trayectoria y un gran compromiso social, explora en la transdisciplina, modelos alternativos dentro del lenguaje escénico contemporáneo; guiándonos por un camino insospechado a la historia que antes maravilló a Julio Cortázar, inspirándolo a escribir “La Noche del Mantequilla”

A través de los recuerdos albergados en la memoria individual y colectiva, se dibuja en una especie de documental -vivencial- la historia del ex campeón mundial de boxeo José Ángel “Mantequilla” Nápoles, leyenda que habita en el imaginario social mexicano y que actualmente vive en Ciudad Juárez, lugar que sin saber, eligió para su retiro y en el que es muy apreciado debido a sus grandes aportaciones en la comunidad.

Al construir desde este enfoque la historia de su presente y viajando hacia sus glorias pasadas, observamos muy de cerca la “realidad memorable” de la celebridad mundial; la realidad y el recuerdo donde se vuelca la imaginación en otro orden, dotando de sentido a la memoria desde el presente. El sabor al final de la obra es el de haber conocido Ciudad Juárez y al Mantequilla íntimamente, entre la dicotomía y el diálogo del presente y el pasado. ¿Cómo y con cuánta facilidad nos enganchamos a algo o a alguien? ¿Qué tanto es mi recuerdo leal a lo sucedido? Con muchas interrogantes y gran gozo, los espectadores son los confidentes del que habla ahí en el escenario con la sinceridad, la apertura y la confianza que el teatro necesita.

“Hay veces que se usa el nombre de Brecht en vano. Por suerte, hay propuestas que no son tan prepotentes y que desde la sencillez y humildad abordan temas de nuestro tiempo con valentía” Revista Que Revienten Los Artistas (QRLA), España.

BAÑOS ROMA
Teatro Línea de Sombra
Dramaturgia: Gabriel Contreras, Eduardo Bernal y Jorge Vargas
Dirección: Jorge Vargas
Elenco: Jorge León, Zuadd Atala, Vianey Salinas, Alicia Laguna y Malcom Vargas
Foto: Teatro Helénico

Centro Cultural Helénico
Del 3 de Febrero al 11 de Marzo de 2015
Funciones: Martes y Miércoles 20:30 horas

ODISEO

UNA COMEDIA MUSICAL GRECO-MEXICANA

Por Viridiana Nárud @viridianeunice

ODISEO

Hace no mucho escuché a una extranjera decir: México, se encuentra a nivel internacional en el ámbito cultural. Lo que ella no ha notado es que en la actualidad, nuestro país tropieza ante una sociedad endogámica, encargada de hacer teatro para teatreros, quienes aplauden y poco critican su oficio. Sé que hacer este tipo de crítica siempre causa polémica. Además la palabra concepto ha tomado tal fuerza que es el “artista” el encargado de justificar su obra. Por este motivo hacer teatro se ha vuelto poco arriesgado, mediocre y cómodo.

Sin embargo, existe un público que no se haya sujeto a ataduras intelectuales y al cual no se le puede juzgar de ignorante e hipócrita. Por ello me parece necesario hacer una pausa a mis reflexiones y revisar el trabajo de Sergio Rüed en Odiseo. Esta obra, no solamente es ambiciosa por resumir la Odisea de Homero en una hora y media o por ser un musical greco-mexicano independiente, sino que está dirigida a los niños.

“Odiseo”, cuenta la historia del legendario héroe Odiseo de la guerra de Troya y sus aventuras para regresar a casa junto a su amada Penélope. Se presenta en un espacio emergente de la colonia Condesa, el cual no cuenta aún con las instalaciones necesarias para llamarse teatro, lo cual dificulta el trabajo de los actores y la experiencia del espectador. Sin embargo, el calor sofocante no opaca el desempeño de esta puesta en escena. Al contrario, lo lleva a otro nivel ya que los niños a pesar del calor lo primero que hacen al ver la primera escena de Odiseo es sorprenderse y observar al héroe con gran asombro. También existen llantos en el momento en el que el Cíclope atrapa a Odiseo y a sus compañeros. El manejo de luces para hacer las transiciones de tiempos y de personajes es bueno hasta el momento en que Circe es poseída por Eolo y Tiresias, aquí el público, en general se cansa, tal vez un juego de luz en cada transición de estos momentos del montaje podría darle la vida y la fuerza requeridas. Otro punto que también hace falta reforzar es la voz de Calipso, la ninfa del mal, quien ocasiones no alcanza los tonos y desafina.

“Odiseo” es una obra inteligente para niños, que no sólo los va a emocionar ante los personajes y canciones, a lo largo de hora media, sino que también los va a acercar a libros que pocos quieren leer pues parecen reliquias literarias, como es el caso de la obra de Homero. Sin duda, es necesario poner bajo la lupa el trabajo de Sergio Rüed, quien no sólo destaca en esta puesta en escena como actor, adaptador sino director que entiende el lenguaje de los niños y el subtexto que debe llevar toda obra infantil para ser disfrutada también por los adultos.

La compañía Madre Coraje muestra mucho esfuerzo, compromiso y alma en esta obra. Ningún actor se encuentra por debajo del otro aunque sí resaltan unos más que otros. Será necesario seguir el trabajo de Sergio y esta compañía ya que no sólo promete, sino que es una gran maquinaria que comienza a accionar puntos de búsqueda estéticos en el teatro infantil independiente. Es necesario que este tipo de compañías que resisten y luchan encuentren los apoyos necesarios para lograr mejores experiencias en sus montajes futuros.

Cuándo: Domingos a las 13 horas.
Temporada: 18 de enero al 5 de abril.
Dónde: Un Teatro Alternativa Escénica. Nuevo León #46 Col. Hipódromo Condesa.
Basada e inspirada en el poema épico de Homero.
Con: Compañía Madre Coraje, integrada por Sergio Rüed, Fabiola Mata, Guillermo Revilla, Daniela de Ríos, Ximena G. Sastrías, Hugo Rocha y Yunuén Flores.
Dirección y adaptación: Sergio Rüed.
Música: Alex Medina.