ALMACENADOS

EL TEDIO DE LA SIN RAZÓN
Por Mireya Flores Marín (@MireyaFloresM)

Poster 4 Cartas Couche

Nos ubica en un espacio grande, una bodega donde mucho podría entrar, mucho podría almacenarse, sin embargo, sólo encontramos el vacío, el vacío de un hombre que atrapado en una pasiva rutina de trabajo, ha tenido que construirse una historia, una función para estar ahí y una razón que le permita sentirse útil en ese gran ensamble que es SALVALEON S.A., empresa constructora de astas y mástiles. No es para menos este afán por sentirse útil y sobretodo eficiente, en una época consumista donde la utilidad de los objetos y las personas se ha sobrevalorado, incluso en el ámbito laboral: si no sirve se desecha, por ello a éste viejo hombre: El señor Lino (Héctor Bonilla), le ha llegado el momento de jubilarse tras 29 años de servicio.

Es entonces cuando alguien nuevo debe llegar, algún joven, no importa que sea inexperto, ni si tiene la energía suficiente para hacerse cargo del almacén; este joven es Nin (Sergio Bonilla), quien tendrá que asumir en 5 días un puesto que llevó al señor Lino 11 años obtener. Nin tiene que someterse al pie de la letra a un orden y un control establecidos que no permiten el equívoco ni el retraso, pues sólo vale el cumplimiento de un deber: “¿estamos o no estamos?”.

En “Almacenados” la juventud y la vejez confrontan el tedio de la sin razón, ponen en escena el tema del trabajo y su naturaleza esclavizante y enajenante, esto contra lo difícil que resulta para un joven incorporarse al ámbito laboral; donde al final, lo que se supone dignificaría la vida del hombre, se vuelve en lo único que da sentido a su vida y del cual depende. La fila de hormigas, en una parte del almacén, es la perfecta metáfora de todo esto.

En el aprendizaje del oficio, Nin descubre que ahí no pasa nada, que nunca pasó y mucho menos ocurrirá algo. Nin se pregunta ¿qué esperamos? y con ello parase aludir a la espera de Estragon y Vladimir en “Esperando a Godot” de Samuel Becket, pues, también aquí la espera se vuelve un absurdo.

El vacío es escenificado por la ausencia, que no es únicamente la falta de una motivación en la vida de los personajes, sino también, por lo material y los mínimos elementos escenográficos: más allá de un altar a la Guadalupana, un escritorio viejo, donde se colocan tres carpetas en perfecto orden, un lapicero, la maquina para checar entradas y salidas y un dispensador de agua, el espacio se vuelve grande, monótono y aburrido; donde solamente vale el paso del tiempo que ha de ser preciso, para checar en el tarjetón las entradas y salidas, para saber la hora del almuerzo, la hora de salida y para darse cuenta que los días han transcurrido y que en 29 años no ha pasado nada y así seguirá siendo. La tan repetida frase “vamos a lo que vinimos” es una más de las paradojas; ¿pero a dónde?, valdría preguntarse.

Con un texto de David Desola y la dirección de Fernando Bonilla, el trabajo actoral es respaldado por la experiencia de Héctor Bonilla quien se desenvuelve feroz y excepcionalmente en escena, y a quien Sergio Bonilla logra seguir y dar replica, al grado de parodiar acertadamente al personaje del otro, recordándonos que se trata de padre e hijo, lo cual sale sobrando en ésta bien lograda puesta en escena.

Almacenados
Autor: David Desola
Dir. Fernando Bonilla
Elenco: Héctor Bonilla / Fernando Bonilla
Cía. Puño de Tierra
Viernes 8:30 pm, sábado 7:30 pm y domingo 6:00 pm
Teatro Arlequin
Villalongin 22, Cuauhtémoc.
Hasta el 28 de junio

EL MALENTENDIDO

SER FELIZ O MORIR
Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

MALENTENDIDO

Inspirado en una noticia publicada en un diario parisino, Albert Camus escribe “El malentendido”. Obra cuyo proceso de montaje se realizó en medio de un ambiente conflictivo por la batalla de Cherburgo (1944). A pesar de ello, la puesta en escena pudo estrenarse exitosamente ese mismo año.

Camus desarrolla la historia en un inhóspito hotel que es atendido por dos mujeres, quienes acostumbran asesinar a los huéspedes para después robarles su dinero. Jan, un hombre exitoso y acaudalado llega a este lugar con el único propósito de reencontrarse con su madre y hermana, sin sospechar que será asesinado antes de que pueda revelar a ellas su identidad. El caos se desata cuando la madre descubre que a quien asesinó, era su hijo.

Después de algunos años de haberse presentado, vuelve a cartelera con la Compañía Nacional de Teatro bajo la dirección de Marta Verduzco. El diseño de escenografía es de Gabriel Pascal, quien propone un escenario absolutamente blanco. Esto aporta a la escena un ambiente mórbido y agobiante. La dirección funciona pero la división del escenario (habitación y recepción) en algunos momentos resulta contraproducente, ya que no coadyuva a que se termine de construir la convención de hotel.

Luisa Huertas y Emma Dib forman un binomio perfecto, sus trabajos logran acoplarse de excelente manera en escena. En el caso de Rodrigo Vázquez es probable que se perciba un trabajo demasiado formal que puede considerarse forzado y fuera de tono.

Camus hace con esta obra un enérgico cuestionamiento acerca de la condición humana y su relación con su entorno. Presenta personajes complejos y plagados de carencias, necesidades, resentimientos y furia contenida. Es interesante el progreso de cada uno de los personajes y la manera en la que reprimen o hacen emerger las emociones. “El malentendido” es una obra que trata de justicia, de injusticia, de silencio, de muerte, de vida, de hartazgo, de cansancio. Ser feliz o mejor morir.

EL MALENTENDIDO

Dramaturgia: Albert Camus.

Dirección: Marta Verduzco.

Reparto: Luisa Huertas, Emma Dib, Rodrigo Vázquez, Érika de la Llave, Roberto Soto.

Hasta el 24 de Mayo.

Teatro Jiménez Rueda
De La República No. 154,
Tabacalera, Cuauhtémoc (Metro Revolución)

Jueves y viernes 20:00hrs.
Sábados 19:00hrs.
Domingos 18:00hrs.

Entrada libre.
Foto: Sergio Carreón

* Actor, dramaturgo, teatrista.

PETIT COMITÉ EN UN TEATRO

Por Viridiana Eunice (@viridianaeunice)

petitComite

El jueves 23 de abril se abrió un nuevo espacio alternativo en ‘Un Teatro’, Petit Comité es su nombre. Nuevamente nos encontramos en México ante la apertura de nuevos lugares que pretenden dar abasto a la demanda excesiva de producciones teatrales y nuevos públicos en la ciudad de México. Los puntos que hoy nos atañen es entender si las producciones y nuevos espacios se encuentran preparados para albergar a estos nuevos espectadores deseosos de nuevas experiencias.

El concepto no es nuevo. En las recámaras de una vieja casona en la Condesa se instalan distintas obras de teatro, con una duración de 40 minutos y un público máximo de veinte personas. Las instalaciones en la casa son improvisadas e incomodas para el espectador. El calor es tan sofocante dentro de las habitaciones que, en ocasiones, es difícil permanecer atento a la obra.

Esta vez vi dos obras: ‘No me reconozco’ de Rodrigo Verastegui y ‘Adentro’ de Ludmila Bolatti. La primera es un monólogo que nos sitúa en un mundo postapocaliptico. La guerra ha acabado con casi todos los seres humanos y nos presenta a una mujer que de la nada comienza a hablar de manera reflexiva y aleccionadora para decirnos lo mal y egoísta que puede llegar a ser la humanidad. La iluminación es sólo un foco que no hace ningún tipo de transición lumínica, lo que crea una escena y un cuadro sin profundidad, al igual que el personaje. La actuación de Jimena Herreno Sin, es aburrida ya que se encuentra desconcentrada y enunciado el texto. Así que cuando pretende llorar, sólo imita a una mujer que lo hace y no genera empatía con el espectador.

La segunda, ‘Adentro’, es una obra con mayor estructura dramática y un mejor dominio del tiempo en escena. Es interesante notar que a pesar de ser un espacio emergente, la directora ha tenido el cuidado para dibujar un pequeño cuadro que enmarca la vida de los personajes y separa al espectador de la realidad. La iluminación, tiene cambios que permiten al espectador intuir de una mejor manera la emoción por la cual transitan los personajes, haciéndolos un poco más tridimensionales. Las actuaciones de Florencia Lima, Rosendo Gázpel y Mai Elissalt, son buenas ya que existe una entrega sincera en el escenario. ‘Adentro’ trata de una mujer que ha perdido a su hijo y cómo su muerte ha transformado su vida, alejándola de todos los que ama.

A pesar de que segunda obra presenta una mayor reflexión creativa, el texto no ostenta nada nuevo. El teatro no es para exhibir hechos reales. La realidad, siempre se ha dicho, supera a la ficción. Sin embargo, la ficción genera en el espectador la capacidad de entenderse a sí mismo y el mundo que lo rodea. Esa es la magia del arte. Cuando ésta realmente sucede y el espíritu del hombre es tocado, jamás volverá a ser el mismo. Los griegos lo llamaban anagnórisis. Toquemos espíritus y no intelectos.

Dónde: Petit Comité, en un Teatro. Nuevo León 46, col. Condesa.
Cuánto: $150.00
Cuándo: Jueves y viernes 20:30 hrs. Sábados 19 hrs. Y Domingos: 18 hrs.

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

LO QUE QUEDA DE CIELO

LA VIDA HECHA JIRONES

Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

loquequedacielo

Una fiesta de quince años sorpresa, una madre emocionada que lo prepara todo, un enamorado devoto que compra a plazos el vestido perfecto y un padrino pudiente y espléndido se enfrentan cara a cara en medio de una noche eterna: la quinceañera no llega. En el centro del escenario, una muñeca rota de tamaño real a la que todos cargan, abrazan y besan; es a ella a quien van dirigidas sus miradas, sus discursos, sus acciones: Cielo, enfundada en raso y tul, tan inocente y cursi, es la protagonista de un drama en el que no puede hacer ni decir nada: Cielo no es una persona, Cielo es una cosa.

Lo que queda de Cielo, una puesta en escena que aborda el tema de la trata de mujeres y esclavitud sexual desde la perspectiva de quienes la hacen posible: seres de carne y hueso temerosos, ignorantes, equivocados que son a su vez victimarios y víctimas en un mundo complejo e injusto.

A pesar de lo doloroso del tema, a la obra no le falta buen gusto ni sentido del humor; los hechos se suceden dentro de una cotidianidad trágica en la que todo gesto típico del género quedaría fuera de lugar: simplemente así pasa cuando se nace en el norte, cuando se es pobre, cuando se es mujer…

Hay risa en medio de todo esto, hay risa, hay miedo, hay indignación, hay una mirada inteligente y comprometida, la de su autora Camila Villegas y una historia que apunta a las miles de desaparecidas a las que sus madres, parejas, hijos están buscando y a las otras, las que nadie busca, porque saben por lo menos cómo y dónde las perdieron.

Bajo la dirección de Aída Andrade, María del Carmen Félix (Cirila), Mauricio Montes Amorós (Tony) y Raúl Andrade-Lee (Don V.) ponen ante nuestros ojos los hilos ocultos tras uno de tantos “negocios familiares” y una de tantas familias; su mensaje llega directo, indiscutible: ¿es que, en medio de una realidad como esta, todavía puede quedar alguien inocente?

Hasta el 29 de junio
Lunes, 20:45 hrs.
Foro Shakespeare
Adolescentes y adultos
$180

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

www.facebook.com/artemisa.tellez
www.facebook.com/LibrosdeArtemisaTellez

ARE YOU TALKING TO ME?


LOS ENCANTOS DEL RIESGO

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

areYoTalking

Actualmente existen algunos espacios dedicados a la presentación de obras teatrales de breve duración, Teatro en corto es uno de ellos. En esta sexta temporada se presenta “Are you talking to me?” obra escrita por Luis Felipe Tovar y Carolina Torres.

La anécdota tiene lugar al interior de un cuarto presumiblemente hostil en algún sitio de la ciudad. La historia muestra las vicisitudes por las que atraviesa un veterano director de cine al seleccionar el elenco de su próxima película.

Luis Felipe Tovar – director del montaje- pretende construir un ambiente ominioso y asfixiante con ayuda de algunos elementos escenográficos y una luz débil. Aunque la unión de todos estos componentes funciona para tal efecto, no logra concretarse por algunas carencias en el texto. La dirección propone tonos muy altos, constantes, lo que satura la escena y no permite que la dinámica del suspenso (inacción – acción: tempo) surta efecto. Debido a esto resulta estridente y caótica la mayor parte del tiempo sin dar al público un respiro, ni lograr que la convención se sostenga. Las actuaciones se mantienen al nivel de la obra, no son malas, pero están desequilibradas.

“Are you talking to me?” finaliza de manera súbita y dejando algunos cabos sueltos, cabos que algunos espectadores no logramos atar.

Are you talking to me?

Dramaturgia: Luis Felipe Tovar y Carolina Torres.

Dirección: Luis Felipe Tovar.
Elenco: Mauricio Somuano, Fernanda Tovar, Carolina Torres, Humberto Búa, Fernando Juvenal.

Teatro en corto, sala 5

De jueves a sábado a partir de las 20:00hrs;
domingos a partir de las 18:00hrs.

Entrada general: $70.-

* Actor, dramaturgo, teatrista.

LISISTRATA

MÁS RESPETO Y MENOS INGENUIDAD

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

lisistrata

Por segunda ocasión me encuentro con el autor Luis Santillán. La primera fue en la obra En el obligo en la Luna. En esa crítica hago una invitación a dejar la mediocridad ya que el teatro sirve para denunciar todo aquello que en la realidad no se puede expresar por temor o pudor a la sociedad. Continuaré bajo esta misma línea.

Los textos de este autor demuestran gran inocencia por su parte. Sin duda es un escritor que se atreve a sumergirse en la escritura sin siquiera entender un poco del tema y contexto político y social en el cual enmarca su obra y tampoco la realidad.

El argumento de Lsistrata es tomado de la obra homónima de Aristófanes, sólo que con muchas variantes. Habla de una huelga de sexo en contra de los hombres. ¿El objetivo? Que los hombres hagan lo que ellas quieran y poder alcanzar un poco de poder. El movimiento se encuentra encabezado por Lisistrata que poco a poco va perdiendo fuerza entre sus compañeras ya que, al parecer, las mujeres sólo piensan en penes enormes –que podemos ver en escena a manera de dildos– y coger. Y, como a los hombres de esta obra sólo les importa tener una mujer para tener la cena servida, la huelga de sexo se pierde en el primer momento ya que encuentran sustitutos entre sus amantes masculinos. El texto trata de hacer un recorrido de manera pobre por la historia del feminismo y cómo una mujer puede perder la vida por sus ideales. Siendo las misma mujeres las traicioneras.

No pienso abordar más en el tema. Sólo quiero hacer una breve invitación al dramaturgo a que haga una lectura minuciosa de feministas y mujeres que han tratado de dar a conocer una realidad social y política que nos concierne como humanos. P.ej. Virginia Woolf, Rosario Castellanos, Simone de Beauvoir, Emma Goldman, entre otras. No se puede abordar de manera tan insultante la lucha de las mujeres en contra de los feminicidios, por la equidad de género, del machismo, por tener un lugar en la sociedad, cuando a diario son asesinadas por ser mujeres.

Luis Santillán, por favor más respeto a las víctimas y menos ingenuidad.

Dramaturgia y dirección: Luis Santillán
Centro Cultural de la Diversidad.
Colima 267, col. Roma.
Todos los viernes 20:30 hrs
Hasta el 29 de mayo.

NEGACIÓN

ENTRE LA IMPOSIBILIDAD Y LA INOCENCIA

Y el público creerá en los sueños del teatro, si los acepta realmente como sueños y no como copia servil de la realidad, si le permiten liberar en él mismo la libertad mágica del sueño, que sólo puede reconocer impregnada de crueldad y terror.
Antonin Artaud.

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

negacion

‘Negación’, es una obra que trata la imposibilidad de una mujer por entender que detrás de la desaparición de su esposo e hijo en el mar está la muerte. Tras el encierro de días, la conciencia de esta mujer cobra vida y comienza a dialogar con ella para ayudarla a entender su realidad. Las actuaciones están a cargo de Guadalupe Damián y Diana Lein, quienes hacen un buen trabajo.

La dirección se encuentra a cargo de José Juan Meráz, quien trata de generar cuadros plásticos en escena. Sin embargo existen distintos factores que no permiten que su trabajo sea consumado. Uno de ellos es la reiteración del texto en escena. Lo cual provoca que el acto sea aburrido y poco propositivo. Es importante entender que para generar contrastes existen distintos tipos de montajes los cuales el director debe vincular. P. ej.: 1) Movimientos, los cuales crean ritmo y apoyados de calidades y cualidades de los intérpretes pueden generar un tiempo supuesto al real. 2) Combinaciones, los cuales se encuentran vinculados con la iluminación, escenografía y composición y 3) Intelectual, el cual apoyado de conceptos y metáforas pueden interpelar a la emoción e imaginación del espectador. Ninguno de estos conceptos se encuentran unidos en escena.

También es necesario considerar que el texto creado por Daniel de la O es reiterativo y que la hora y media que vemos en escena bien podría ser resumida en los últimos cinco minutos. La obra termina con una imagen, un tanto pretenciosa, de la protagonista viendo al mar y con música que sólo pretende reafirmar el sentimiento que no fue creado a través de la acciones de las intérpretes, del dramaturgo y del director. Para entender esto último voy a citar a Federico Fernández Díez: El poder evocador de la música, la concreción de la palabra que marca el sentido exacto del discurso, el realismo que aportan los ruidos de ambiente, el dramatismo del silencio, constituyen recursos expresivos que, como convenciones, deben ser usadas con eficacia y profesionalidad por los constructores de los mensajes audiovisuales.

‘Negación’, solamente reafirma la inocencia de muchos creadores. Hace falta rigor intelectual para llevar a las últimas consecuencias el quehacer teatral. El arte puede ser todo menos inocente.

Hasta el 16 de junio
Martes 20:30 hrs.
Teatro Helénico
Av. Revolución 1500. Metro Barranca del Muerto
Adolescentes y adultos
$150 general

SIN PARACAÍDAS

EL LABERÍNTICO RECORRIDO DEL INCONSCIENTE

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

Sin paracaídas
Una mujer está al borde de la muerte. Sumergida en su tina, tiene solo cuatro minutos para decidir salvarse o morir.

Bajo esta premisa comienza un viaje al centro de la psique. Gabriela Ochoa (autora y directora del montaje) plantea tres personajes principales, con los cuales comienza un entramado que, entre otras cosas, cuestiona el planteamiento de los roles de género. “Sin paracaídas”, resulta ser un viaje onírico plagado de simbolismos y metáforas que trastocan la realidad, para finalmente dar paso a una explicación exacerbada y un tanto psicótica del amor, la pérdida, el desconsuelo y la toma de decisiones. Para tal efecto hace converger a: una azafata, una terapeuta y una mujer denominada como reptil, en una misma.

Ochoa plantea – en la inmensidad del teatro – un escenario bastante bien delimitado para la progresión de cada personaje. Además de lograr un espacio equilibrado con algunos elementos escenográficos. Envuelta en un tono surrealista, la farsa se desarrolla entre referencias freudianas y turbulencias caóticas que logran que la historia adquiera una personalidad muy bien definida. La mecánica entre cámara lenta y estrépitos casi simultáneos hacen que la dirección se vuelva ágil y efectiva. Lo cual crea en el público una expectativa constante. El aparente riesgo físico al cual están expuestos los personajes todo el tiempo, es un valor destacable y coadyuvante a la inestabilidad de la atmósfera. La dirección está diseñada definitivamente para ser impredecible de principio a fin.

El trabajo de los actores es plausible. Los cinco personajes se perciben construidos de manera concienzuda. Ello, desde luego, se convierte en una aportación imprescindible para que la convención surta efecto.

“Sin paracaídas” es una flagrante convulsión, un sueño, un Ernst, un viaje: es todo. Es la inmensidad creada y derruida en unos cuantos minutos.

SIN PARACAÍDAS
Dramaturgia y dirección: Gabriela Ochoa
Reparto: Gabriela Betancourt, Romina Coccio, Pilar Cerecedo y Alejandro Morales
Fotografía: Pili pala
Tetro el galeón del Centro Cultural del Bosque
Jueves y viernes 20:00hrs
Sábados 19:00hrs
Domingos 18:00hrs
Hasta el 03 de Mayo
Entrada general $150.-

*Actor, dramaturgo, teatrero.

EL ÙLTIMO ENCUENTRO

Un último desencuentro
Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

ultimoEncuentro

Ser uno en el otro: ser el espejo doble y nítido de la amistad. Crecer cara a cara, enfrentados, creyendo que lo que se tiene es valioso, incorruptible, eterno…

El último encuentro es una obra acerca del desgarramiento causado por una amistad traidora y la necesidad de venganza mediante el uso del arma más punzante posible: la verdad.

Basada en la novela homónima del escritor húngaro Sándor Márai y adaptada para la escena por Cristopher Hampton, esta puesta explora en la frustración, decepción y recelo que genera la pérdida de una amistad y en el enfrentamiento, cuarenta años después, de sus protagonistas.

La historia, construida en una tensión casi insoportable, no deja espacio para respirar: cada nuevo diálogo constituye una revelación más obscura del lazo que une a los personajes de una manera tan estrecha que no les permite separarse aunque se odien. Miedos, mentiras y secretos aparecen como pinceladas ante nuestros ojos y nos presentan un paisaje desolador: dos soledades que teniéndose sólo una a la otra, se repelen.

Bajo la dirección de Raúl Quintanilla, Sergio Klainer (Henrik) impresiona, conmueve y deja sin palabras a los espectadores que lo ovacionaron de pie.

El último encuentro es una obra para todos aquellos que perdieron a alguien que consideraban fundamental y que sin embargo, viven…

Hasta el 31 de mayo
Miércoles a viernes 20 hrs. Sábados 19 hrs. Domingos 18 hrs.
Teatro Juan Ruiz de Alarcón
Centro Cultural Universario
Adolescentes y adultos
$150. 50% Maestros, estudiantes e INAPAM. Jueves de teatro $30

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

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SOMOS BEAT

BELLOS NIÑOS ÁCIDOS

Artemisa Téllez* (@artemisatellez)

somosbeat

¿Cómo fue la vida de los beat en México? ¿Cómo y por qué hicieron el insólito viaje al sur? ¿Qué buscaban? ¿Qué encontraron? ¿Qué los encontró?

Somos beat se enfoca principalmente en tres de los poetas de la generación: Gingsberg, Kerouak y Burroughs, en su relación con nuestro país, con la droga, la poesía y la amistad epistolar entre los dos primeros.

Podemos conocer la vida y obra de estos tres jóvenes beatnicks y su búsqueda creativa a través de imágenes, metáforas visuales, baile, cartas, canciones, fragmentos de poemas (algunos en su lengua original) y mucho, mucho jazz.

La musicalización hecha con un trío que toca en vivo da al espectáculo una calidez y honestidad totalmente envolventes.

Más que una obra, una experiencia, Somos beat es una aventura a la que hay que adentrarse sin expectativas ni juicios previos.

Hasta el 27 de abril
Lunes, 20:30 hrs.
Foro El Bicho
Colima 268, Roma Norte.
Adolescentes y adultos

*Escribidora, tallerista y teatrohólica

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