DUELE SER QUIEN NO SOMOS
Por Johana Trujillo* (@jOtrujilloA)

Me gusta descubrir lugares y encontrarme con amigos que no he visto en mucho tiempo, así que tras la invitación a conocer un nuevo proyecto, y motivada por descubrir “La Carpintería” (Dr. Vértiz 773, col. Narvarte), me di el tiempo de asistir a “La deconstrucción de Paula”, puesta en escena en la cual, tanto dramaturgia como actuación corren a cargo de Fátima Paola Arias (con quien compartimos “El Camino de Sinsol”), dirigida por Ireli Vázquez (“Variaciones sobre las aves”); ambas egresadas de la Escuela Nacional de Arte Teatral (ENAT) del INBA.

Cabe destacar que como antesala de la función –y aquí viene el otro reencuentro-, se exhibe “Deconstrucción”, una muestra pictórica de 8 cuadros realizados por mi amigo, el artista mexicano, Carlos Herrera, que acompaña el reestreno de la obra, y en la que se explora -al igual que Paula-, mediante el proceso creativo, como mapa y territorio, usando los trazos y las formas como significantes de su propio sentido.

Paula nos recibe, momentos previos a ingresar al foro, algo nerviosa —hasta entorpecer, en ocasiones, el diálogo consigo misma—, y nos cuenta que la obra surge de preguntarse: “¿Qué tan importante es saber quién se es?”

Una vez dentro de lo que literalmente podría ser una carpintería, cada elemento (hasta las butacas-cubetas), nos envuelve en el concepto mismo de la deconstrucción. Todo parece un caos, un espacio de trabajo para construir(te).

Así, acompañada de Daniela Falcón, responsable de la musicalización en vivo, Fátima Paola interpreta a Paula, una niña a quien le gusta jugar, inventar y construir con sus amigos (Fuerte Martillo, Fino Serucho, Clavo Valiente, Huicha Precisa y Taladro Bailador); pasará de ser ignorada en sus más impetuosos deseos, a conformarse con las arduas tareas del “deber ser” de una mujer, de acuerdo a los estándares sociales impuestos por su madre: “ponerse vestido, arreglarse para verse bonita, o permanecer quieta escuchando a sus amigas hablar de cosas que le aburren”.

El vestuario de Paula le permite, no sólo transformarse como parte elemental de su trabajo en escena, sino que adquiere relevancia, puesto que le da identidad al personaje, nos muestra quien realmente es, y “eso” en lo que quieren que se convierta; nos descubre la máscara.

La propuesta de Ireli Vázquez apuesta por explotar el lugar y el cuerpo como un lugar. Paula recorre el espacio, sube, baja, pinta sobre la proyección de la pared frontal; se transforma, de niña a mujer, ayudada por una inquietante máscara que moldea su rostro, definiendo por añadidura su manera de estar en el mundo.

La multifacética interpretación está construida tejiendo video, música, danza y teatro; combina la técnica de máscara y la manipulación de objetos; explora la experimentación vocal para los distintos personajes que acompañan a Paula, sin nunca perder el ritmo. La coreografía, hacia el final, muestra los dolores del cuerpo como metáfora de los dolores del alma.

Particularmente, me resultó redundante la interacción con sus herramientas, y abrupta la manera de pasar a lo coreográfico, tras los estímulos que tuve que interpretar antes de ello. Pero finalmente, “La deconstrucción de Paula” pone al descubierto cómo duele dedicarse a ser quien no queremos ser.

Ciertamente, enfrentar las expectativas que la sociedad tiene de nosotros es incómodo; nadie nos enseña la mejor manera de hacerlo, así que podemos escondernos bajo una mesa, jugar para no perder el gozo por la vida y elegir quitarnos las máscaras para descubrir nuestro verdadero ser.

La deconstrucción de Paula
De Fátima Paola Arias
Dirección Ireli Vázquez
Espacio La Carpintería
Dr. Vertiz 773, Col. Narvate.
(Entre Xola y Cumbres de Maltrata)
$120 general, $80 descuento.
Hasta el 8 de marzo
Domingos 19:00 hrs.

* Diseñadora gráfica con inquietud por desarrollar mirada crítica. Desde 2009 adquirió el hábito de ver teatro, primero por trabajo, y después por el placer de ver a actores en vivo hacer historias realidad. Ha tomado cursos del Espectador Crítico en el Instituto 17 y de ensayo breve en Casa del Lago. Has visto más de 85 obras de teatro de 2009 a la fecha. Le gusta escribir poco.

OLVIDA TODOS TUS RECUERDOS
Por Xósem Amero* (@xosemamero)

La ingratitud filial es dolorosa en cualquier etapa de la vida. Y si se presenta en la vejez, cuando los padres han perdido algunas de sus facultades, es mucho peor. Las aves de rapiña sobrevuelan en espera del momento preciso para obtener una tajada del pastel, la herencia, el reino. El senil patriarca no es más que un simple obstáculo entre la ambición y el objeto del deseo. El pasado no está claro. Si fue feliz o amargo ya no es tan sencillo de recordar. Usted me cuenta que nosotros dos fuimos, ¿algo?: Anamnesis

Jaime Chabaud basa su obra en la tragedia clásica de Shakespeare, El Rey Lear. El protagonista es un viejo que ha perdido la memoria. Así como en ocasiones tiene chispazos de claridad, en otras confunde a su enfermero con un bufón y cree ser el monarca de un reino que está fuera de la realidad. De vez en cuando recibe la visita de sus hijas. Ellas, más que por amor, se mantienen cercanas y a la expectativa para obtener del anciano la combinación de la caja fuerte donde guarda sus riquezas.

Los diálogos son amenos y hacen muy dinámica la puesta en escena. Hay algunos guiños a otros personajes de Shakespeare que son oportunos y muy divertidos. Es justo destacar la buena dirección de Richard Viqueira. La permanente acción de todos los actores le imprime un ritmo a la obra que se sostiene de principio a fin. Destaca la parte de la tormenta que en verdad se hace sentir tanto arriba como abajo del escenario.

Carlos Ortega es el Rey Lear, Paula Comadurán personifica a las tres hijas del monarca y Gutemberg Brito es el enfermero o bufón. Los tres están plenamente identificados con sus respectivos personajes y los ejecutan de forma natural y sobresaliente. El público percibe la armonía que existe entre actores y director.

Anamnesis es una obra para divertirse, disfrutar de un texto inteligente y gozar con una estupenda puesta en escena; el buen teatro no necesita de grandes producciones para valer la pena. Esta obra, con sencillos recursos y buenas actuaciones, merece que el público vaya a verla.

Anamnesis
A partir del Rey Lear de William Shakespeare
De: Jaime Chabaud
Dirección: Richard Viqueira
Con: Carlos Ortega, Paula Comadurán y Gutemberg Brito
Teatro Sergio Magaña
Sor Juana Inés de la Cruz 114, col. Santa María la Ribera
Martes y miércoles, 20:00 hrs.
Hasta el 4 de marzo.

EL PLACER ES UNA CARRERA DE OBSTÁCULOS
Por Viridiana Nárud* (@viridianeunice)

Poco a poco los teatros dejan de ser esos espacios museísticos a los cuales los actores y espectadores dejan de asistir porque se ha ido perdiendo el encanto de la experiencia, palabra que hoy en día está de moda. También es cierto que existen tantos licenciados en actuación y se han abierto tantas escuelas emergentes de esta arte que se están dejando en la calle a más actores. En México, siempre se ha apoyado el autoempleo, poner nuestro changarrito. Sabemos que debemos autogestionarnos si queremos que nuestro trabajo se dé a conocer, sobre todo cuando se habla de algún tipo de disciplina artística. Pero cuando un grupo de jóvenes se reúne con ganas de dar a conocer su trabajo surge Mis notas en servilletas de papel.

Para poder ver esta obra de teatro debes seguir varios pasos:

1. Reservar a través de un correo electrónico
2. Esperar respuesta, ya que el cupo es limitado.
3. Poder dar con la dirección.

Definitivamente el preámbulo me provoca un deseo. Quiero tener una GRAN EXPERIENCIA viendo esta obra. La obra se presenta en el garaje en una bonita y sobreviviente casa en la colonia del valle. No por ser un espacio emergente carece de producción y una buena escenografía, puedes oler la pintura fresca y la madera. Una cinta corre: los seres humanos al rayo del sol nos volvemos más ricos. I have a dream. Se repite constantemente antes de empezar la función.

La obra presenta un escenario no muy lejano, es el año 2147. El ser humano se ha encargado de devorar su propio planeta y manda a una expedición a tres sujetos en una nave, todos pobres. Experimentos sociales, basura de la sociedad que debe ser expuesta a un final. Mientras el final llega, el desarrollo es poco atractivo. En una especie de falso documental los personajes graban capsulas como testigos de lo su estancia en la tierra y se nos va narrando cómo es que seres del futuro interpretan el presente.

Estas grabaciones tienen como propósito transmitir los errores de los humanos esperando que en un futuro se puedan interpretar y hacer de éste un mundo mejor. Sin embargo, los mismos personajes cuestionan esta posibilidad, ya que la humanidad tiene como costumbre transmitir mensajes que nunca son descifrados, como las pinturas rupestres, los códigos mayas… También son críticos ante esta sociedad que se ha dejado engañar por el amarillismo y dejado atrás el periodismo, para abrir paso a la Era de la Telenovela donde la ficción suplanta a la historia.

Son demasiadas las críticas en esta obra que, en ocasiones, pareciera que quisieran adoctrinar al espectador, y voy a citarlos para pedir que no renuncien para siempre jamás al pensamiento simbólico y  arte. Abro un paréntesis: pero que renuncien a pensar de una manera sofisticada de conocer, pensar tanto las palabras nos aleja de la emoción. El arte es del pueblo y para el pueblo, debemos emocionarnos y deslumbrarnos ante el arte, no ante un pensamiento que crea laberintos y nos aleja de nuestro espíritu.

Sin duda la labor de estos actores es de respetarse. Autogestionan sus propias obras y han ido busca de directores, dramaturgos, productores, escenógrafos… para dar a conocer su trabajo. Mis notas en servilletas de papel es el 3 de 4 obras que nacieron de un cadáver estacional. ¿Por qué verla? Porque invita al espectador a salir de su zona de confort y porque como creativos continúan interviniendo espacios y sacando al teatro de su tumba.

Dramaturgia: Edgar Chías.
Dirección: David Jiménez Sánchez
Escenografía e iluminación: Tenzing Ortega
Diseño de vestuario. Julieta Reyes Retana
Producción: Samuel Sosa
Con: Ana Beatriz Martínez, Gabriela Gyaraieb y Luis Eduardo Yee.
Funciones: Martes 20:30 y 22 hrs.
cadaverestacional@gmail.com
Foto: Galería Reptante

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

UNA DULCE MEDICINA
Artemisa Téllez* (@ArtemisaTellez)

“La sensacional orquesta lavadero” presenta un nuevo chou divertido, sorprendente y lleno de detalles cómicos absurdos e inolvidables. Cabaret, clown y música en vivo se conjugan para dar como resultado “Mi mundo es alegre” un espectáculo sin descanso ni desperdicio que logra entusiasmar y hacer reír a todo tipo de público.

Burlarse de todo estereotipo, subvertir los roles, convertir lo trágico en cómico, negar toda forma de autoridad y ser capaces de todo con tal de entretener limpiamente a los espectadores se dice fácil, hacerlo sin decaer ni por un instante es algo que sólo se logra con ese desenfado y precisión que garantiza esta compañía.

Bajo la dirección y autoría de Jesús Díaz, “Mi mundo es alegre” es una puesta que nos lleva de la mano sin soltarnos de las aisladas risillas iniciales a la unánime y catártica carcajada colectiva.

Hasta el 24 de abril
Viernes 20:30 hrs.
Foro La Gruta
Teatro Helénico
Adolescentes y adultos
$150

*Escribidora, tallerista y teatrohólica
www.facebook.com/LibrosdeArtemisaTellez

MONTAJE DE VISITA OBLIGADA
Por: Pablo Iván García* (@garciapabloivan)

Haciendo una fusión entre la realidad social y política de nuestro país, las virtudes escénicas del rap, así como una elaborada gama de recursos que ahondan en la dicotomía realidad/representación, Francisco Barreiro presenta un espectáculo de gran alcance, en términos artísticos, y muy pertinente desde el punto de vista de la actualidad y la resistencia cívica.

A años luz del discurso simple y panfletario -distancia que ha tomado siempre el colectivo Lagartijas tiradas al sol, del cual Barreiro forma parte-, “Está escrita en sus campos” es el resultado de una ardua investigación documental y artística, que deriva en un montaje de visita obligada, no sólo para el público ávido de propuestas novedosas, sino para todo ciudadano que se precie de serlo.

No encuentro ninguna obra tan comprometida con su propio discurso, con su ideología, ni con su resolución formal sobre el escenario. El trabajo de Barreiro es un ensayo crítico, una crónica verosímil, un testimonio apoyado en recursos audiovisuales, un perfomance de rap sui generis. Trabajos tan logrados nos dejan muy claro que el arte no se aprende en las escuelas.

ESTÁ ESCRITA EN SUS CAMPOS
Escrita y dirigida por: Francisco Barreiro
Foro del Dinosaurio
Museo Universitario del Chopo
Del 31 de enero al 15 de febrero
Sábados 19:00 y domingos 18:00 hrs.
$100 y $50 pesos

* Pablo Iván García es dramaturgo. Estudiante de posgrado en la Universidad Intercontinental, conduce el programa sobre teatro contemporáneo en Puentes.

¿CUÁNDO ME VOLVÍ INVISIBLE?
Por Johana Trujillo* (@jOtrujilloA)

Un día recibí un correo de la Secretaría de Cultura. Ahí leí que “Mene, de cuando me volví invisible” es el primer montaje de La Caja de Teatro, compañía fundada por escenógrafos que buscan generar espectáculos desde una perspectiva diferente a lo habitual: convocar al director de escena, dramaturgo y actores para la creación de la pieza que nace desde el diseño escénico, que es más que sólo aportar elementos visuales a la obra. Mi reacción inmediata fue responder el correo diciendo: “yo quiero verla”. Me cumplieron mi deseo y me fui el sábado al Foro A Poco No. Un foro pequeñito en el centro de la Ciudad de México.

“Mene, de cuando me volví invisible” es una obra conmovedora inspirada en un cuento de Hervé Bouchard y Janice Nadeau, Harvey. Él, Mene, contará el relato de lo que ocurrió a su familia para comprender exactamente cuándo fue que él desapareció por completo. Conocemos al pequeño en la escuela. Es participativo y curioso. Lo primero que pregunta a su maestra es a dónde se va cuándo uno se muere y ¿Por qué no podemos ser felices aquí? Pero su maestra le responde que son cosas que sólo entiende la gente grande. Perspicaz, Mene le responde que si ella entiende esas cosas porque ella es gente grande. Poco a poco conocemos a su mamá, a su papá y toda su cotidianidad. La vida le va pidiendo a Mene que crezca. Tiene que aprender a dormir con la luz apagada y olvidarse del miedo, asistir por primera vez a un funeral y ayudar a su mamá en las cosas de la casa, incluido ayudar a su hermanito a hacer la tarea.

La obra dirigida por Josejuan Meraz nos situa frente al interior de una casa. El tapiz azul en una pared con dos puertas, tres bancos blancos, y un títere es lo único que vemos. Toda la estética es tipo ilustración de cuento para niños. Da la sensación de estar dentro de un cuento ilustrado que va cobrando vida, poco a poco, como crecer y olvidarse de nuestro niño interior. Cambios de vestuario para indicar los cambios de personajes, pues Guadalupe Damián interpreta a la maestra y a la madre, y Miguel Romero interpreta al padre, a un gato y al niño que ha crecido. Margarita Lozano y Jorge Valdivia son los responsables de la manipulación del títere, Mene.

Sin nunca perder el ritmo ni la atención del público, al menos no la de la niña que se sentó a mi derecha, el texto de Daniel de la O, el diseño de escenografía, iluminación y vestuario de La Caja de Teatro y la dirección de Meraz, nos llevan a nuestros recuerdos, a darnos cuenta que nos olvidamos de nuestro niño interior, manipulándolo o guardándolo en una caja cual títere olvidado.

Yo que creí que sólo iría a ver una obra de teatro para niños, fue gracias a la niña a mi derecha que recordé la curiosidad y los temores de la infancia. Ella comenzó diciendo “Ay, ya me dio miedo (el oscuro del inicio)” para seguir con “Mene se ve terrible (refiriéndose al títere)” para preguntar a su abuela por todas las convenciones teatrales y cerrar con “Pobrecito Mene, pero ¿es fantasía? Estuvo triste”. Una niña igual de curiosa que Mene a la que su abuela amorosamente le respondía todas sus dudas.

Mene, de cuando me volví invisible
De Daniel de la O
Dirección Josejuan Meraz
Diseño de escenografía, iluminación y vestuario: la caja de teatro
Diseño de títere: Giselle Sandiel
La caja de teatro: Giselle Sandiel, Rodigo Sosa, Félix Arroyo y Sara Losada
Reparto: Guadalupe Damián, Miguel Romero, Margarita Lozano y Jorge Valdivia
Foro A Poco No. República de Cuba 49, Col. Centro. Metro Allende.
Del 31 de enero al 1 de marzo
Sábados y domingos 13:00 hrs.
Foto: Secretaría de Cultura.

* Diseñadora gráfica con inquietud por desarrollar mirada crítica. Desde 2009 adquirió el hábito de ver teatro, primero por trabajo, y después por el placer de ver a actores en vivo hacer historias realidad. Ha tomado dos cursos del Espectador Crítico en el Instituto 17 (2011) y dos de ensayo breve en Casa del Lago.(2012). Le gusta escribir poco.