PASIÓN

ESE ENCUENTRO CON LA VERDAD
Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

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“Passion play”, obra del dramaturgo inglés Peter Nichols, fue estrenada en 1981 con la Royal Shakespeare Company en el teatro Aldwych del West End. La obra, narra la historia de una pareja en edad madura que ve resquebrajada su relación gracias a las mentiras e infidelidades de ambos. El texto de Nichols, plantea un entorno de falsedades e hipocresías que se vuelve una dinámica de la cual no pueden escapar. La estructura dramática privilegia el ritmo y hace la obra que se vuelva cada vez más atractiva.

El talento y maestría de David Olguín está muy lejos de cualquier duda. Sus montajes siempre impactan al público de alguna manera y éste no podía ser la excepción. El texto de Nichols resultó ser el pretexto perfecto para desbocar la violenta estampida de imágenes que posee, y recrea de manera magistral en escena. La disposición del espacio, el trazo, la articulación de las escenas, las transiciones y el perfecto manejo del tono hacen que el montaje luzca en todo su esplendor. Olguín logra un montaje limpio y lleno de veracidad que conquista a su público. La elegancia, sofisticación y belleza de su trabajo en este montaje, es el resultado de una firme convicción y amplia experiencia en el teatro.

El trabajo actoral está en completa consonancia con la dirección y el texto. La interpretación de Paloma Woorich es fascinante, consigue un personaje que bien puede amarse y odiarse al mismo tiempo. Carmen Beato nos conduce por un camino plagado de intensas emociones, la verdad con la que trabaja siempre, es plausible. Nada diferente a Verónica Merchant y Moisés Arizmendi, que nos regalan dos diáfanas confecciones: las feroces vocecillas dentro de los personajes principales que se vuelven el toque humorístico de la pieza. Juan Carlos Barreto, cumple maravillosamente con un personaje atiborrado de deseos indóciles que llevan su relación al borde del abismo. Si bien, el trabajo de Alejandra Ambrosi no es malo, sería necesario que aprovechara un poco más la gran ejecución de sus compañeros, para nutrir la ficción con aquel deseo insaciable que origina la querella.

Todo lo anterior, está finamente enmarcado por el gran trabajo escenográfico de Jorge Kuri Neumann, quien propone un espacio con elementos mínimos como un sillón y mesa movibles, y un gran cuadro en una de las paredes que devela distintos espacios al abatirse.

“Pasión” es un deleite, es un montaje que disfruta de inicio a fin. Es el claro ejemplo de que es posible hacer teatro comercial con grandes actores y con buenos argumentos. Todo aquel que se jacte de ser amante del teatro, debería ver “Pasión”, debería acudir a ese encuentro con la verdad.
PASIÓN
De: Peter Nichols
Dirección: David Olguín
Con: Carmen Beato, Juan Carlos Barreto, Verónica Merchant, Moisés Arizmendi, Alejandra Ambrosi, Paloma Woolrich y Alejandra Ambrosi.
Del 6 de mayo al 3 de julio
Viernes 20:30 , Sábado 18:00 y 20:30 y domingo 17:00 y 19:45 Hrs.
Teatro Helénico
(Av. Revolución 1500, Guadalupe Inn)

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

LA CIÉNEGA DE LAS GARZAS

LA VORACIDAD DE LA INOCENCIA.
Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

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Una joven pareja, padres de una pequeña niña de aproximadamente seis años, lidian todo el tiempo con la idea de la muerte y la ausencia. Mientras a Irene (la madre), le resulta insoportable la idea; Eleazar se mantiene siempre ecuánime, procurando que éste no afecte la libertad de la pequeña Amelia (su hija). Finalmente, la historia va dejando ver que la desaparición de su hermano hace que ésta desarrolle un irracional miedo y sobre proteja a Amelia.

Puede quizá sospecharse el discurso que Camila Villegas pretende con su texto, sin embargo, transcurre el tiempo y la historia no logra avanzar ni un ápice del inicio. Es claro el tema, incluso el conflicto; pero no logra consolidar nada porque éste se mantiene siempre en una postura tibia y no profundiza en lo que propone. El montaje inicia y termina soslayando el desarrollo. Estamos ante un material inconcluso que se libera de cualquier responsabilidad y no se compromete con el planteamiento. Pareciera un texto más de forma que de fondo, donde lo importante es deleitase en el estilo y desdeñar todo lo demás.

La dirección e iluminación está a cargo de Alberto Lómnitz, quien propone un montaje sencillo pero dinámico. Es interesante ver el trabajo de este director en las dimensiones de un teatro como Teatro La Capilla. Es plausible la estética que logra con la intervención de las marionetas y la disposición del espacio.

Respecto al trabajo actoral, Teté Espinoza logra una madre afectuosa, pero dominada por el miedo y la ansiedad; mientras que Ovalle con su muy particular estilo, construye un padre afable y desenfadado, sin embargo, tendría quizá que buscar que el vínculo con la pequeña actriz sea mucho más verdadero. La participación de la pequeña Majo Vallejo resultó una agradable sorpresa para todos, la honestidad de la niña logra un personaje entrañable e inocente que se apodera del escenario.

“La Ciénega de las garzas” es un montaje que puede ser profundamente conmovedor si se trabajaran las inconsistencias en el texto, puesto que tiene todo para tener gran éxito: un director notable y magníficos actores. Sólo faltaría que todos estos elementos estuvieran en perfecta concordancia.

LA CIÉNEGA DE LAS GARZAS
De: Camila Villegas
Dirección: Alberto Lómnitz
Con: Teté Espinoza, Harif Ovalle, Majo Vallejo / Valentina Rivera (alternando)
Miércoles 20:00 Hrs.
Hasta el 20 de julio
Teatro la capilla
(Madrid 13, Coyoacán)

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

Enrique IV, primera parte

Pensada originalmente para escenificarse a cielo abierto, se ha presentado en diversos foros desde su estreno en 2012, que se estrenó en el Zócalo capitalino, en La Corrala del Mitote. Desde entonces se ha presentado en Londres, el Bitola Festival en Skopie, República de Macedonia y en México, el Centro Nacional de las Artes y ahora en el Centro Cultural del Bosque.

Harry, príncipe heredero, como futuro rey se enfrenta a dos modelos para gobernar: el de su padre, el rey y el de su amigo Falstaff, especie de padre adoptivo. La historia se sitúa en la Inglaterra medieval, donde la nobleza y el pueblo cohabitan y se confunden.

de William Shakespeare
dirección Hugo Arrevillaga
hasta el 5 de junio de 2016.
jueves a sábados 19:00 horas, domingos 18:00 horas.
Teatro Julio Castillo
Centro Cultural del Bosque
Reforma y Campo Marte S/N

Costo del boleto $150, descuentos a estudiantes, profesores e INAPAM con credencial vigente.
Jueves de Teatro $30, Viernes en bici $45.

1er. Festival Internacional de Teatro Sensorial por la Inclusión

La discriminación sigue siendo una problemática enraizada culturalmente en nuestro país. Por ello, Sensorama, compañía mexicana que celebra 20 años de trayectoria artística, presenta la primera edición del Festival de Teatro Sensorial por la Inclusión Social, donde cuatro compañías teatrales provenientes de Argentina, España y México unen su poética teatral y dramatúrgica del 12 al 22 de mayo con diversas actividades, en su mayoría gratuitas, en diferentes sedes de la Ciudad de México.

Su objetivo es promover y difundir el trabajo de artistas nacionales e internacionales que han implementado estrategias para abordar el hecho escénico desde una perspectiva no convencional e incluyente, en donde los espectadores utilizan diversos canales de comunicación a través de la estimulación de todos sus sentidos: el olfato, el oído, el gusto, el tacto, o la alteración visual.

Teatro Ciego (Argentina)Teatro en el Aire (España)Seña y Verbo: Teatro de Sordos y Sensorama(México) son las compañías que participan, y cuyo trabajo inter-trans-disciplinario es reconocido en sus países de origen por abordar el quehacer escénico poniendo al espectador en primer plano, al permitirle ser parte de la obra.

El Festival consta de 12 presentaciones, como Un viaje a ciegas de Teatro CiegoBailando tus huesos de Teatro en el Aire, Un Gato Vagabundo Seña y Verbo y Cosas que sólo de muerto se sabe 2.0 de Sensorama.”Iniciará el próximo jueves 12 de mayo con la obra Un Viaje a Ciegas que se llevará a cabo en el Centro Cultural del Bosque (Paseo de la Reforma y Campo Marte s/n, metro Auditorio), a las 18:00 Hrs, el boleto tiene un costo de $80 y $45 para estudiantes, maestros e INAPAM. Es importante mencionar que Centro Cultural del Bosque es el único recinto en que los asistentes tendrán que pagar su boleto, las demás actividades son totalmente gratuitas.

Además, el festival cuenta con un programa académico de tres mesas de trabajo sobre arte e inclusión:

Mesa 1 “La inclusión como modelo de gestión y producción en las artes escénicas”

Mesa 2 “Orígenes, desarrollo y retos de la poética sensorial iberoamericana”

Mesa 3 “Arte sensorial e inclusión”

También, se impartirán cuatro talleres para impulsar la metodología de teatro sensorial; y contribuir a la profesionalización de artistas en diversas poéticas escénicas sensoriales:

Taller de actuación: herramientas de percepción no visual. A cargo de la compañía Teatro Ciego.

Taller  “El Hilo de la creación” a cargo de la compañía Teatro en el Aire.

Taller “Seña y Verbo en tu espacio” a cargo de la compañía Seña y Verbo

Taller “Silencio visual y sensorialidad como estrategias pedagógicas en los procesos de inclusión y autoinclusión” a cargo de la compañía Sensorama.

Las sedes que albergarán el Primer Festival de Teatro Sensorial por la Inclusión son la Sala CCB, Centro Cultural de España, FARO de Oriente,  Museo Universitario del Chopo y Foro Sensorama.

El Festival concluirá en el Foro Sensorama (Calle San Luis Potosí 199, primer piso, colonia Roma) con el taller Seña y Verbo en tu espacio.

 

 

 

UNA LUNA PARA LOS MALNACIDOS

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EL RITUAL QUE PRECEDE A LA REDENCIÓN

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

 

 

Escrita en 1943 por el dramaturgo norteamericano Eugene O’Neill, “A moon for the misbegotten” es considerada una pieza autobiográfica junto con “Long day’s journey into night”, obra que precede a ésta y que está situada una década antes.

 

En México, dos años después de estar en temporada en el foro Sor Juana Inés de la Cruz y viajar al festival iberoamericano de teatro de Bogotá, finalmente es repuesta en el foro Lucerna, pero con algunas modificaciones en el elenco; integrándose David Hevia como Tyrone y Alaciel Molas como Josie, personajes que interpretaron Karina Gidi y Rodolfo Arias respectivamente.

 

El montaje de Mario Espinosa propone una relectura – por demás atractiva- de los diversos planos de interpretación del texto: en primer lugar, la relación afectivo- agresiva que sostiene Hogan y Josie (padre e hija). El segundo plano, hace referencia a los deseos de los personajes como resortes que los instigan a accionar de la manera que lo hacen. Finalmente, el tercer plano propuesto, es la analogía de un ritual entre la vida y la muerte: la manera en la que se busca la reconciliación con el pasado para dar marcha hacia la redención.

 

El discurso de dirección es complementado con el plausible trabajo escenográfico de Gloria Carrasco, quien propone una especie de ruedo o chiquero redondo, tapizado de hojarasca. A pesar de que no se apostó por una escenografía realista – como se pudiese esperar-  la propuesta de Carrasco logra recrear la granja en la cual sucede toda la acción. Amén que, permite la posibilidad de montar el escenario para un espacio tipo arena.

 

El trabajo de David Hevia es bastante generoso y permite al espectador vincular con el tono que propone. Logra un personaje que se vuelve más y más atractivo con el desarrollo de la obra. Nada distinto al trabajo de Alaciel Molas, quien requiere una presencia y carácter imponente, características que consigue y hace que el personaje se vuelva entrañable. Patricio Castillo crea un Hogan que bien hubiésemos podido no imaginar así. “Desprovisto” aparentemente de la menor malicia, genera una ternura que muchos espectadores dejan escuchar con una graciosa onomatopeya, sin embargo, es esta “aparente” ternura lo que lo vuelve tan interesante.

 

“Una luna para los malnacidos” reproduce las inquietudes de su autor que aún moribundo, termina de escribirla para resarcir en algo las huellas de su intensa vida, la relación con su familia e incluso con el alcohol. Ésta historia muestra la crudeza de lo que se calla, de lo que se construye y también de lo que se destruye. Estamos frente a un montaje de gran beldad, pero que, al mismo tiempo, es dueño de una violencia infinita que resulta insoportable.

 

 

UNA LUNA PARA LOS MALNACIDOS

De: Eugene O’Neill

Traducción y adaptación: Humberto Pérez Mortera

Con: Patricio Castillo, David Hevia, Alaciel Molas, José Juan Sánchez

Foto: Carlos Alvar.

Hasta el 19 de Junio

Viernes 20:45, Sábado 19:00 y Domingo 18:30 Hrs

Costo $300.-

Foro Lucerna

(Calle Lucerna 64)

 

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

Curso Técnica de Uta Hagen con Alejandro Bracho

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La Técnica de Uta Hagen, dos veces ganadora del Tony como mejor actriz de Broadway, fue creada conjuntamente por ella y su esposo Herbert Berghof, quien fuera discípulo del legendario Max Rdinhardg.

Esta técnica, no “método”, se trata de una serie de ejercicios prácticos muy concretos que ayudan al actor a resolver cualquier situación que surja en escena o frente a una cámara, así como a hacer más vivencial, realista y creíble su actuación no actuando sino siendo momento a momento.

Herbert Berghof y Uta Hagen primero actuaron profesionalmente en Europa y luego emigraron a Nueva York donde fueron co-fundadores del muy respetado HB Studio, donde estudiaron entre muchas estrellas Al Pacino, Sarah Jessica Parker, Whoopi Goldberg, Harvey Keitel, Jessica Lange, F. Murray Abraham, Geraldine Page, Alfred Molina y John Leguizamo, quien fue compañero de clase de Alejandro Bracho.

El curso es totalmente práctico, y se enfocarán en los principales Ejercicios de Objeto de Uta Hagen. Será del lunes 18 al viernes 29 de abril de 4 a 8 pm en Coyoacán. Cupo máximo 10 personas. Para informes e inscripciones escribe a maestro.alejandro.bracho@gmail.com o habla directamente con él al 04455 3531 1311.

 

AL TOMAR EL TALLER CON ALEJANDRO BRACHO PODRÁS:

* Tener la oportunidad de pasar a hacer tus ejercicios, pues sólo son 10 alumnos máximo.

* Grabar todo tus ejercicios constantemente para que puedas ir monitoreando tu avance y compruebes la eficacia de la técnica.

* Estar en comunicación directa con Alejandro Bracho todo el tiempo en caso de que tengas dudas.

* Aprender en un ambiente cálido y amigable, sin gritos ni sombrerazos.

* Montar en el 100% de las clases ejercicios de actuación, todo el tiempo

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ALEJANDRO BRACHO adquirió popularidad como actor de comedia por su interpretación del villano Emily en la telenovela Los Sánchez (Copyright DR 2004 Tv Azteca), que estuvo más de un año al aire. Se formó como maestro, actor y director en N.Y. y L.A. Fue editor de la revista Artes Escénicas y tradujo Environmental Theater de Richard Schechner como El Teatro Ambientalista (Arbol Ed./UNAM, México, 1988). Ha sido maestro de actuación desde 1979 en la escuela Héroes de la Libertad, el Teatro Carlos Lazo de la UNAM, el CEA de Televisa, el Estudio M & M, el CAPDEC de la ANDA, la Escuela Humanista Erich Fromm y de unos años a la fecha es uno de los maestros de actuación para cine más reconocidos de México y tiene su propia escuela, Estudio Bracho. Entre sus muchos alumnos se encuentran su primo Julio Bracho, Fernando Colunga, Gaby Platas, Eduardo Verástegui, la directora de repartos Isabel Cortazar y el dramaturgo Mauricio Pichardo. En teatro actuó en Herejía de Sabina Berman (dir. A. Oceransky), El balcón de Jean Genet (dir. Lech Hellwig-Corzinsky), Una parjea abierta… muy abierta de Darío Fo y Franca Rame (dir. Benjamín Cann) y media docena más de obras. Ha participado en más de 20 series y largometrajes, co-estelarizando la cinta norteamericana Romero junto al desaparecido Raúl Julia y 007’s License to Kill de James Bond. Dirigió escena en locación en las telenovelas Mágica Juventud, Valentina, Señora y Marea Brava. Debuta como director de teatro con Esperando a… Godette.

EL CRÍTICO ABUCHEADO

REFLEXIONES DE UNA CRÍTICA

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

CriticoAbuchado

Durante este proceso de convertirme en una crítica de teatro, he comenzado a enfrentar distintas opiniones acerca de mi trabajo, en ocasiones, negativas o positivas. También me he tenido que enfrentar a insultos y, lo más difícil, pedir que quiten mi columna porque a alguno de los creadores escénicos no le s parece lo que he escrito.

En realidad, las burlas e insultos elevan mi ego. En ocasiones se debe a la falta de preparación de algunos fanáticos o creadores escénicos, o simple vanidad que deciden abandonar el diálogo debido a que se niegan a debatir.

Lo que no han entendido las personas que se han sentido ofendidas por una crítica “negativa”, que mi trabajo no es personal. Es decir, no asisto a un estreno u obra porque desee levantar con mi opinión la taquilla. La tarea del crítico no es llevar audiencia a los teatros; de hecho la única tarea que tiene el crítico es tratar de ser lo más objetivo posible y ver qué elementos funcionan o contradicen el discurso propuesto por el director o colectivo. No es el crítico quien decide si es una buena obra, o una obra de arte; es el trabajo de meses anteriores reflejado en la puesta en escena. Es la voz del público que hace que las taquillas se saturen o no. Ellos deciden si es una obra de arte.

Cuando uno asiste a ver una obra existen elementos que se califican, y no con puntajes, sino tomando en cuenta la dramaturgia, la iluminación, el diseño sonoro, las actuaciones, escenografía, la respuesta del público, etc. Es decir, cómo la propuesta del director es expresada en la escena.

La tarea del crítico es dialogar con el público y requiere una preparación. Al menos, para aquellos que quieren entender de una manera profunda el acontecer teatral de nuestra época. Porque son los escritos de los críticos los que harán la historia del teatro. Y por eso es para mí importante ser honesta con él, no favorecer a ningún amigo ni tener piedad con aquellos que nos tuvieron sentados por más de dos horas o unos escasos minutos, porque de nuestra ética depende el cómo se verá el teatro en un futuro y su evolución, así como su presente.

Si un crítico miente por omisión, entonces no es un crítico, sino un adulador. Nuestro presente teatral necesita de personas que estemos dispuestas a decir lo que en realidad creemos y mostrar las fallas y fortalezas de nuestro teatro. Poner bajo sospecha representaciones o actuaciones fallidas y aduladas por el público y la crítica. No todos podemos pensar lo mismo. Es más, creo que esta capacidad de no aplaudir lo que todos hacen, es un síntoma de bienestar social. Recordemos el siglo de la luces y su capacidad crítica. Kant fue su máximo exponente. Existe un dicho que dice así: Estar de acuerdo con el mundo es sencillo, sólo tienes que estar de acuerdo.

Los alumnos en las escuelas no saben de críticos y no podrían decir cinco nombres, porque el crítico no se ha ganado un respeto para ser leído. No generalizo, existen algunos que son respetados, pienso en Rubén Ortiz quien es también un creador escénico.

Mi oficio no es sencillo. Me enfrento a la censura y, en ocasiones, a la autocensura, a la cual debo dejar siempre atrás. Porque sé que después de escribir una crítica algunas personas se enojaran, me abucharan, pondrán tuits y notas en Facebook ofensivas; pedirán a mi editor que quiten mi nota; algunos escritores como Beckett se burlan del crítico; y aún así siendo humillada públicamente debo tener el valor para escribir lo que pienso.

Invito a los creadores escénicos que al sentirse humillados, expuestos, regañados, agredidos por una crítica poco favorecedora, debatan. Es la crítica un arma que se extiende a ustedes para que su obra tenga mayor vida en un futuro. Un diálogo capaz de generar una conexión, no sólo intelectual sino emocional, con el espectador y su trabajo. Tomen la crítica como una guía que ilumine senderos que no pueden ver como creadores. También rechazarla si en verdad no dice nada.

Al final, como crítica he sido humillada, abucheada, ignorada, y censurada; también he tenido la libertad de dejar que mi juventud, que se desvanece día a día, hable con irreverencia propia de mis años. Tal vez en un futuro relea esto y no me encuentre, sólo quiero tener la conciencia que lo que he expresado ha sido una reflexión y creencia acerca del teatro.

MI QUERIDO CAPITÁN

FARSA Y HUMOR NEGRO
Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

queridoCapitán

Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio (LEGOM) busca sostener su teatro en la palabra. Por ello es que encontramos en su lenguaje una transgresión, una violencia de éste. LEGOM es poco cómodo ya que deja desde su escritura una nula partitura que sirva como guía para el director. Esto se debe a que no existen acotaciones. No es algo nuevo en la dramaturgia, lo que sí ha llamado la atención es la manera en que aborda la escena y la acción dramática a través de la palabra.

“Mi querido Capitán” es una farsa que hace escarnio de la milicia mexicana y, la nula eficacia de la guerra contra el narcotráfico que comenzó en el sexenio de Felipe Calderón. Para lograr esto pone en una comprometedora situación al personaje principal. “El Capitán” es un homosexual de closet quien mantiene una relación amorosa y sexual con un soldado raso. La historia comienza tras la muerte “accidental” de uno de los testigos en el interrogatorio. El batallon, un grupo de ineptos, conoce la relación del Capitán con el soldado Pachis, abusando de las influencias que tiene el soldado desobedecen cualquier orden del Capitán.

Es necesario señalar que el texto de LEGOM no sólo es complejo por la ruptura del lenguaje, sino también por su tejido dramático ya que existen elipsis que nos llevan del presente al pasado y viceversa. Cosa que resuelve bien el director Sebastián Sánchez Amunátegui. Sin embargo existen deficiencias en la iluminación ya que no logran crear la atmósfera que permita dialogar con la propuesta escénica, que es fársica.

También existe una problemática en el sonido. Entiendo que la propuesta del director es ser naturalista respecto a este aspecto de la obra, empero debemos tomar en cuenta que en una farsa se rompe con toda la realidad y naturalidad de la vida, por ello no es necesario pretender que un sólo aspecto nos puede hacer recordar nuestra realidad. Suficiente es la crítica y la manera inconsciente en que esta opera. Ya es triste ver y vivir la ineptitud de una guerra donde a diario mueren personas, y una milicia que en lugar de defender a sus ciudadanos los mata. Sería necesario que los episodios donde la música suena, esta se escuche con más fuerza. No se pierde nada y se gana mucho en efectos dramáticos.

Las actuaciones de Ricardo Rodríguez y Antonio Lojero son justas en su medida, a pesar de ser una farsa no se encuentran sobre actuadas. “Mi querido Capitán” es una obra para aquellas personas que son críticas de su actualidad, gustan de la farsa y humor negro.

DRAMATURGIA: Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio, L.E.G.O.M.
DIRECCIÓN: Sebastián Sánchez Amunátegui
ACTÚAN: Antonio Lojero, Ricardo Rodríguez, Bernardo Benítez, Alan García y Ariel de la Torre.
DÓNDE: Foro Shakespeare.
DIRECCIÓN: Zamora 7, Colonia Condesa. A dos cuadras de Metro Chapultepec.
CUÁNDO: Martes 20:45 hrs. Hasta el 26 de marzo
COSTO: $200 entrada general. Boletos en taquilla y ticketmaster.
DURACIÓN: 65 minutos sin intermedio.

LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD

LA CONSTRUCCIÓN DE LAS IDEAS

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

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1939, transcurre la segunda guerra mundial. Sigmund Freud está a pocos días de fenecer víctima del cáncer bucal que padece. C.S. Lewis – conocido novelista cristiano – acude a su estudio para sostener una charla y poner sobre la mesa un turbulento tema: La existencia de Dios.

Mark St. Germain escribe “La última sesión de Freud” basándose en un texto del Dr. Armand M. Nicholi, Jr . (profesor de psiquiatría), tomando como objeto de debate, la creencia religiosa del novelista cristiano C.S Lewis. La premisa que se propone, resulta, en primera instancia, brutalmente provocativa para cualquier persona, amén de ser un campo fértil para el desarrollo de un atractivo conflicto; sin embargo – y sin restar el valor estético que confiere al texto, producto del paralelismo que se logra entre el caos de la segunda guerra mundial y la batalla que viven estos personajes al interior del consultorio– no consigue que el conflicto logre emerger. El montaje nos invita a ser testigos de una serie de diálogos que buscan exponer argumentos para probar la existencia o la no existencia de Dios. Que el texto resulte fallido, es, hasta cierto punto, bastante lógico, ya que “La última sesión de Freud” no fue concebido originalmente por Armand Nicholli como un texto dramático, sino como la derivación de un estudio acerca de Sigmund Freud.

A pesar de que el argumento puede resultar cansado para el espectador, es necesario destacar el impecable trabajo de Sergio Klainer y Darío T. Pie. Es plausible la comunicación que sostienen en escena y la naturalidad con la que trabajan hace que el espectador se muestre interesado en lo que está viendo.

Otro de los valores que es necesario destacar, es la estética y la propuesta realista que José Caballero nos ofrece para nutrir la atmósfera bélica de los de finales de los años treinta, internándonos en el estudio de Freud y bajo la tensión constante producto de la guerra que se estaba viviendo.

“La última sesión de Freud” asume un riesgo enorme, pero con la certeza de que logrará un éxito como lo está siendo, y no es para menos, porque aunque el texto no sea del todo bueno, la marquesina anuncia una reyerta muy atractiva que inevitablemente anima al público a ocupar las butacas del teatro helénico y así disfrutar del trabajo de dos grandes actores.

LA ÚLTIMA SESIÓN DE FREUD
De: Mark St. Germain
Dirección: José Caballero
Con: Sergio Klainer y Darío T. Pie
Hasta el 17 de abril
Viernes 19:00 y 21:00Hrs , sábados 18:00 y 20:30, domingos 17:00 y 19:00.
Centro Cultural Helénico
(Av. Revolución 1500, col Guadalupe Inn)
Foto: Secretaría de Cultura

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

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EL MAGO DIOZ

¿CUÁL ES TU SUEÑO?

Por Ariel Escalante (@YosoyAriel)

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La vida te puede llevar por caminos tormentosos si tomas las decisiones equivocadas. Pero, ¿serías capaz de regresar por esos mismos caminos varias veces? ¿puedes encontrar el camino de regreso a casa por cuenta propia? Es parte de la reflexión a la que lleva al público –y a sus propios actores- la puesta en escena “El Mago Dioz”, de la Compañía de Teatro de la Penitenciaria del Distrito Federal.

Esta versión muy libre y muy ‘chilanga’ del texto clásico de ‘El maravilloso Mago de Oz’ de Lyman Frank Baum constituye una experiencia teatral que vale la pena conocer, bien por la propia ficción dramática, por su original propuesta escénica o por la historia real detrás de este proyecto.

El cuento es el siguiente: en un día que parecía ordinario, Doroteo se ve inmerso en un mundo particular en busca de un Dioz poderoso que puede hacer realidad sus sueños. Durante la búsqueda, Doroteo tendrá que sortear múltiples dificultades, acompañado por unos peculiares personajes: un tonto actor que busca un cerebro, un codicioso licenciado que busca un corazón, un león cobarde cuyo mayor deseo es ser valiente, además de su perro Toto.

La obra es divertida, dinámica y libera mucha energía, que se nota en el ambiente. Es un trabajo atribuible a la buena dirección de Itari Marta y Juan Carlos Cuellar. La acción se desarrolla en cada rincón del amplio auditorio “Juan Pablo de Tavira” de la penitenciaria de Santa Martha Acatitla. Desde el inicio, los trazos de los actores van a ritmo vertiginoso. Y es algo que el público siente –literalmente-.

Los actores muestran niveles distintos de desarrollo histriónico, que se entiende porque algunos llevan más tiempo que otros en la compañía y porque han existido cambios en la interpretación de personajes. Y porque, al final, aquí no se busca el lucimiento de los actores

La compañía es uno de los proyectos de impacto social del Foro Shakespeare; su objetivo es ofrecer un medio de reinserción social a los reclusos, a través de la instrucción escénica profesional. A decir de los propios internos, ha logrado además bajar sus niveles de estrés y violencia, y ha cambiado en mayor o menor medida su idea de la libertad.

El Mago Dioz inició su segundo año de presentaciones el pasado 5 de marzo y se estará presentando los sábados de los siguientes meses en la misma penitenciaria de Santa Martha Acatitla. Excepto el último sábado de cada vez, cuando la compañía presentará otro montaje de su repertorio: Ricardo III.

Y para terminar, recurro a la pregunta que hace Doroteo a los asistentes a esta obra:
¿Sabes cuál es tu mayor deseo?

Los internos miembros de esta compañía de teatro sí lo tienen: enderezar el camino y poder regresar a casa pronto, con su familia.

“El Mago Dioz”
Dirección: Itari Marta y Juan Carlos Cuellar
Reparto: Michel Jorge, Ismael Corona, Fidel Détor, Oscar Lara, Francisco Ortiz, Valeria Lemus, Rodrigo Espinoza, Fidel Gómez Pérez, René Hernández, Rafael Martínez, César David, Eduardo Sixto, Héctor Maldonado Rojas, Israel Rodríguez, Javier Cruz.
Auditorio “Juan Pablo de Tavira”, penitenciaria de Santa Martha Acatitla.
(Salida en el Foro Shakespeare)

Fechas programadas:
Marzo 12 y 19
Abril 02, 09,16 y 23

Para los que deseen adentrarse al reino de Dioz, el proceso es el siguiente: reservar con anticipación a los teléfonos 5553-4642 y 5256-0014, o al correo teatroyprision@shakespeare.com y la cita es el sábado a las 11:30 horas en las instalaciones del Foro Shakespeare, desde donde sale un transporte hacia la penitenciaría.