TEATRO EN EL TEATRO
Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

El príncipe Alexandro ha sido desterrado y pide ayuda al duque de Cleves para recuperar su reino. La historia cuenta como éste se ve envuelto en amoríos con las hijas del duque, al mismo tiempo que urde una venganza para recuperar su trono. Esta obra es a su vez representada por un par de presidiarios que toman como público al celador de la prisión donde purgan injustamente una condena.

El montaje dirigido por Allan Flores y los mismos Fernando Memije y Fernando Villa (también actores de la obra) es efectiva de inicio a fin. Logra un plausible vínculo con el público y de esta manera derriba la muralla que pudiera existir entre el espectador y el texto. La dirección propone diversas tareas escénicas y ello permite que la obra progrese. Las piezas musicales, en particular la del inicio, coadyuvan a construir el ambiente y tono de la obra. La escenografía, por su parte, resulta eficaz por la manera que es aprovechada y manejada.

El trabajo de Villa y Memije resulta incuestionable. Es evidente el dominio de la forma y la precisión con la que han construido cada uno de los personajes. La veracidad de su trabajo privilegia la conexión con el público y lo convierte en un punto a su favor. La manera en que recrean distintos ambientes permite que el espectador entre en la convención y finalmente se instale en la propuesta lúdica. Sin embargo y a pesar de que el manejo del verso es bueno, sólo en algunas ocasiones falla la dicción. Mas esto no genera mayor problema, ya que con la pericia que trabajan logran que el espectador esté atento a la historia.

“El príncipe ynocente” ofrece al público una propuesta atractiva para disfrutar de la obra de uno de los autores más importantes del siglo de oro español. Desafía la “complejidad” del verso y lo desintelectualiza para hacerlo más asequible al público, pero sin eliminar la gran beldad que lo caracteriza. El sincretismo de todos los elementos, hacen que el montaje adquiera un carácter y una estética muy particular.

La compañía EFE TRES teatro lleva a escena una vez más este clásico de Lope de Vega que próximamente viajará a España para presentarse en un importante festival de teatro. Mientras eso sucede, se presentan en el teatro el granero del Centro Cultural del Bosque en una muy breve temporada.

EL PRINIPE YNOCENTE
Autor: Lope de Vega
Dirección: Allan Flores, Fernando Villa y Fernando Memije.
Elenco: Fernando Villa y Fernando Memije.
Teatro Sergio Magaña (Sor Juana Inés de la Cruz, 114)
Miércoles y jueves 20:00hrs
Hasta el 7 de diciembre 2017
Entrada general $141.-

*Actor, dramaturgo, teatrista.

“Y LA FICCIÓN BOYANTE”

Por Óscar Alberto Fontana * (@fontanaoscar)

No es la primera vez que el director Boris Schoemann elige un texto del canadiense Michel Marc Bouchard, ya lo había hecho en el 2014 con “Tom en la granja”, y un año después con “Bajo la mirada de las moscas”, presentada en el teatro El Galeón del Centro Cultural del Bosque. Este año dirige otro de sus textos, bajo el cobijo de la compañía Petit Comité, a quienes debemos recientemente, por cierto, el muy afortunado montaje “El juego de la silla” de la argentina Ana Katz.

Para quienes conocen los dos textos de Bouchard a los que hice referencia al inicio, quizá coincidan en que ambos comparten un tono denso, pesado, y quizá, hasta un poco negro. Pues en esta ocasión, la historia es distinta. Se trata de un texto jocoso, que gira en torno a la visita de la actriz Sarah Bernhardt a Canadá en 1905. El texto que se vale inteligentemente de una anécdota por demás fecunda, donde a partir de declaraciones polémicas que hace Bernhardt acerca del rezago cultural del país, propicia un beligerante conflicto entre la iglesia y el teatro; conflicto que ya se antoja turbulento desde que se lee en la sinopsis del programa de mano.

Lo que sigue es la consecuencia de un texto sumamente entretenido. La dirección del Schoemann hace que las horas se diluyan por el magistral dominio del tempo y ritmo de la obra, es decir, no hay oportunidad de fugarse, lo que sucede en escena es urgente, y entonces, el celular y los bostezos deben esperar. Y destaco esto porque, por lo menos en estos tiempos, la gente que hace teatro se está rindiendo ante la indolencia del espectador frente a un montaje de más de noventa minutos.

Retomando el sentido, es necesario mencionar que, además de los elementos de tempo/ritmo en el montaje, es necesario destacar el magnífico trabajo de vestuario y escenografía; gracias a esto y a la diestra manera en que se resuelven los espacios, se logra recrear perfectamente el ambiente en el que se desarrolla cada escena. Todo esto confluye en un bellísimo cuadro escénico. El cuidado de todos y cada uno de estos elementos coadyuvan, finalmente, a la gran sofisticación de la puesta en escena.

Aunque el trabajo de los actores no es malo, sí es irregular. Sobre todo, apuntaría la búsqueda de unidad tonal, sin embargo, esto no es un problema grave. Creo que, hasta cierto punto, es algo normal; no es sencillo trabajar con once actores en escena. Y a propósito de lo anterior: este es un montaje de rostros conocidos, de certezas, pero también de vicios y de comodidades, claro, a cada quién lo que le toca. Este negocio es así: somos falibles como actores, pero el director posee una facultad privilegiada en el montaje: tiene la sensibilidad para percibir cualquier falla o inconsistencia en la escena, además de un panorama mucho más extenso de lo que sucede al frente, con sus actores, con su ficción, con su micro(macro)cosmos escénico, y en él debemos confiar.

Aquí está una prueba, aquí está el bozal. Tenemos un montaje entretenido, bello, atractivo y necesario. Tiene las características, sí, para estar en el teatro Insurgentes, pero llena Teatro La Capilla. También dura más de noventa minutos, pero definitivamente cada segundo vale la pena.

“LA DIVINA ILUSIÓN”

Dramaturgia: Michael Marc Bouchard.

Dirección: Boris Schoemann.

Con: Pilar Boliver, Miguel Conde, Miguel Corral, Dalí González, Gabriela Guraieb, Olivia Lagunas, Constantino Morán, Carmen Ramos, Servando Ramos, Eugenio Rubio, Mahalat Sánchez.

Lunes y martes 20:00 Hrs.

18 y 19 de diciembre 2017

Teatro La Capilla. (Madrid 13, colonia del Carmen, Coyoacán)

*Actor, dramaturgo y director. Actualmente también se desempeña como dramaturgista en la compañía LaSilla Teatro.

REVOLUCIONAR LAS ALMAS HUMANAS
Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

¿Son necesarias las palabras muertas de poetas muertos para resucitar a este país? Definitivamente no porque estas palabras nunca estuvieron vivas. “Malpaís” es una obra que se desarrolló a través de trabajos de David Olguin, los actores y fragmentos de poemas de José Emilio Pacheco, Jaime Sabines, Ramón López Velarde, Octavio Paz, ellos fueron los protagonistas.

En una especie de fiesta, de caos, de violencia, gritos y dolor extremos, se invita al espectador a tomar consciencia de lo que sucede en nuestro país. Mientras veía las dramáticas interpretaciones de estos jóvenes, la frase que vino a mi mente fue: La esperanza es un terrible mal porque nos hace creer que algo bueno puede pasar. A pesar de mostrarse críticos ante su propio quehacer teatral y de su inutilidad, creían en una nación, en ellos.

Confieso que, aunque nunca he tenido a David Olguin como maestro, para mí lo ha sido. Es un referente en la dramaturgia y dirección mexicana y un gran pensador. Pero me pregunto: ¿qué pasó aquí? Noto que con mayor frecuencia las palabras en el arte toman fuerza, sin embargo, cada vez menos gente lee. Hay una necesidad de enunciar lo que sucede, mas no basta con eso, falta la poesía porque las ideas son incapaces de revolucionar las almas de los hombres si no vienen acompañadas de sentimientos.

La ideas carentes de emoción son protagonistas de las artes. Para aclarar a lo que me refiero les cuento que hace unos días fui a una exposición llamada Fábulas sin moraleja. El desbordamiento de la corrupción en México en Casa del Lago, los recortes de periódicos y sus encabezados en donde se exponía la violencia extrema de nuestro país fueron los actores principales. Decepcionante. Nadie permaneció en la sala por mucho tiempo. Veían más de reojo que concentrados. Algo parecido me sucedió al ver “Malpaís”, a pesar de que leyeron los encabezados de las notas más relevantes en los últimos seis años, nada pasó. Sus poemas y sus palabras se encontraban muertas. ¿Qué no se trataba de revivir a los muertos?

Eduardo Millán, poeta uruguayo explica que en América Latina los temas siempre son: el hambre, la discriminación, la intolerancia, la represión, los modelos imposibles de crecimientos, los niños dejados a su destino y una empecinada, central, ineludible necesidad de esperanza. No hay demasiada búsqueda, necesidad de búsqueda de la palabra original como fundamento de purificación del lenguaje poético. “Malpaís” es un camino de vuelta, la palabra inmediata. El decir “Patria herida” no es –cito nuevamente al autor– no es un coraje libertario: es un simple juego de metátesis, un intercambio de letras en comercio. Sería necesario regresar a un estado de escucha, que es el de alerta. La palabra inmediata nunca tiene raíces y por ello siempre está condenada a la muerte.

MALPAÍS
Dramaturgia y dirección: David Olguín
Elenco: Nick Angiuly, Tony Corrales, Sofía Gabriel, Efrén García Aguilar, Amelia Holguín, Miguel Jiménez, Patricia Loranca, Jaklyn Michelle, Dano Ramírez, Alejandro Romero, Viridiana Tovar, Eduardo Treviño, Lorena Valdés, e Iván Zambrano Chacón.
Duración: 2:20 hrs
Lunes, Jueves y Viernes 20:30 hrs.
Sábados 13:00 y 19:00 hrs.
Domingos 13:00 y 18:00 hrs.
Del 19 al 30 de octubre de 2017.
Teatro El Milagro (Calle Milán 24, Col. Juárez)
Foto: José Jorge Carreón

* Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

**El texto publicado es responsabilidad de su autor.
DISTRITO TEATRAL es el amigo que te recomienda qué ir a ver de la cartelera teatral no comercial en la Ciudad de México. Creemos en el poder de la cultura para transformarnos al dar sentido a lo que vemos. #Amamoslacultura y #vamosalteatro a descubrir qué vale la pena ir a ver, compartir, recomendar y conversar de elllo. También entrevistamos a figuras clave de la escena en la Ciudad de México.

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¿CÓMO SOBREVIVIR A LA PROPIA DIRECCIÓN Y NO MORIR EN EL INTENTO?

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

En el foro “La Gruta” del Centro Cultural Helénico ha aterrizado un montaje que, en su currículo, enlista el espacio urgente uno del Foro Shakespeare, el Traspatio Escénico, la sinagoga “Justo Sierra” y el Centro Gallego. El interés por dar a conocer la historia de las hermanas Touza ha hecho que la puesta en escena haya recorrido varios espacios con el objetivo de enarbolar la labor de estas mujeres que, en 1941, ayudaron a más de quinientos judíos a escapar de la persecución nazi.

Y aunque la anécdota pudiera ser considerada, por muchos, jugosa; la ejecución y dirección resulta errátil, confusa y fullera. Es decir, quienes nos dedicamos al teatro, entendemos que la ficción es un acuerdo que pactan actor y espectador. En consecuencia, la ficción se construye mediante una serie de acciones que el actor va ejecutando en escena, y que lo envuelven en un halo independiente al espectador, pero que al mismo tiempo lo incluyen y hacen que éste entre en convención – en el mejor de los casos.

Uno de los problemas más grandes de Las Touza radica en llevar al público a la escena, y pretender que este sea un ente interactivo. La pregunta aquí es: ¿Cómo puede el espectador entrar en la convención propuesta por la directora si no tiene las herramientas para hacerlo? El actor está educado para recabar información de los personajes que interpretará, para generar atmósferas, recrear ambientes, entrar en el acuerdo y no romperlo: ese es su trabajo, para eso ha estudiado. El papel del espectador es ser receptor, no una herramienta de la cual el actor puede echar mano para “esponjar” la escena. Escribo esto no porque crea que el espectador debe permanecer impertérrito en la butaca, sino porque el riesgo que corre la ficción es muy grande, y la dirección puede ir en detrimento del montaje.

Y es que esta acción, aparentemente, “inocente” y bienintencionada logra que toda la propuesta dramatúrgica, de convención y construcción de la atmósfera no prospere. Como resultado, se tienen dos dimensiones totalmente divergentes en escena. En una se encuentran las tres hermanas; en la otra, los espectadores que hacen las veces de judíos. Sin embargo, este último elemento rompe la ficción, ya que la consciencia del público no es estar participando de la ficción, sino de ser un espectador al que se le ha pedido que, en vez de ocupar una butaca, acompañe a las actrices en el escenario. El efecto que genera es contradictorio y caótico, ya que por una parte las actrices construyen la ficción, mientras que los espectadores la derriban. Pero no se trata de poner al espectador como “el malo del cuento”, al contrario. Ellos simplemente han sido llevados allí como elemento de soporte, únicamente. No es su responsabilidad si la propuesta, finalmente, no progresa.

Otro de las partes que no aportan a la puesta en escena es cocinar – con ayuda del público- los tradicionales melindres gallegos. Si la acción en escena no es imprescindible para la progresión del montaje, seguramente terminará desviando la atención del público. Esto es conveniente si el objetivo de dirección es ese, pero si no es así, resultaría penoso que el director estuviera jugando en contra de su montaje. Esto me conduce a dos preguntas más: ¿Dónde quiere el director que se focalice la atención de su espectador? O mejor aún: ¿De qué es de lo que quiere que salga hablando el público?

Finalmente, el trabajo de Adriana Focke, Alejandra Marín y Abril Pinedo resulta inverosímil en cuanto a la dimensión de lo que se pudiera distinguir como conflicto en el texto. Resulta absurdo que los personajes reaccionen con parsimonia ante una serie de eventos – no de menor relevancia – acontecidos en la segunda guerra mundial. Uno de los elementos más importantes en el trabajo de un actor es, precisamente, la verosimilitud con la que reacciona ante el estímulo de la ficción; esto dependerá, obviamente, de la dimensión de las circunstancias que está viviendo. Quiero decir, los personajes no reaccionarían de la misma manera si estuvieran en medio de una guerra, a que si estuvieran en un parque de diversiones en nuestra época. Es esto lo que completa el cuadro para que la convención no termine de edificarse: por una parte, el público en escena que nada tiene que hacer; y por otra, los personajes que no reaccionan de manera verosímil a la dimensión del conflicto.

Las Touza es una puesta en escena con claras pretensiones. Navega con el interés de mostrar a su público la labor filantrópica de estas tres hermanas. Sin embargo, pareciera que todo el tiempo se está tropezando con la propuesta de dirección. Es muy parecido a la sensación que causa ver a un atleta que en su carrera, tiene que ir derribando escollos para poder llegar finalmente a la meta. De la misma manera, en este montaje, el público tiene que ser lo bastante hábil para esquivar los distractores en escena y poder, finalmente, establecer un vínculo con la anécdota; siempre con el riesgo que, si cede ante la distracción, habrá perdido la batalla.

LAS TOUZA
Dramaturgia: Alfonso Cárcamo.
Dirección: Carla Soto.
Con: Adriana Focke, Abril Pinedo (alternando con Isabel Bazán), Alejandra Marín.
Foro “La Gruta”del Centro Cultural Helénico (Av. Revolución 1500, Guadalupe Inn)
Viernes 20:30Hrs.
Hasta 24 de noviembre.

ACTUAR UNA AGONÍA DOLOROSA

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

No pude aguantarme las ganas de ver Wit, obra escrita por Margaret Edson, que ha ganado decenas de premios incluyendo el Pulitzer. Durante algún tiempo me encontraba reticente a ese hecho. Debo ser sincera, ver los espectaculares en los camiones sobre Avenida Revolución fueron convenciéndome lentamente. Mi mayor temor era enfrentarme ante una obra llena de virtuosismo y así fue.

La actuación de Paloma Woolrich y la dirección de Diego del Río se encuentra en un lugar en donde la sorpresa queda descartada. Las risas y lágrimas se encuentran dónde deben estar. Sin embargo, debo expresar que mi asombro no sólo radica en la temática de la obra, una mujer enferma de cáncer que veremos agonizar durante dos horas, sino que el espectador paga por ver a una mujer sana actuar una agonía dolorosa.

Al ver esta obra me sentí en una especie de Coliseo Romano. Ver a una mujer gritar “¡Me duele, puta madre!” con todos los gestos, por demás dramatizados, de un hecho real, me hizo sentir muy mal. Me pareció indignante porque al terminar la obra, existieron ovaciones. En realidad, ya no puedo escribir más de la obra, me ha dejado en un estado en donde la sorpresa, el horror y la tristeza se han mezclado. Creo que la realidad tiene un lugar en el mundo y es la que vivimos todos los días. Llevarla a un espacio en donde el arte debería o llega a ser recinto me confunde.

WIT
Dramaturgia: Margaret Edson
Dirección: Diego del Río
Elenco: Paloma Woolrich, Pablo Bracho, Concepción Márquez, Luis Arrieta, Marisa Rubio, Miguel Salas, Mauricio Romero, Lupi Labunia y Sebastián Mingüer.
ESTUVO EN TEMPORADA.