LO QUE QUEDA DE NOSOTROS

DE AMAR Y SER AMADO: SOBRE LA PÉRDIDA

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

LOQUEqueda.

A partir de la dolorosa muerte de su padre, Nata, decide abandonar a su perro Toto con la finalidad de no relacionarse afectivamente con nadie más. Sin embargo, una serie de circunstancias hacen que decida, poco después, ir en busca de él, aunque quizá sea demasiado tarde cuando se entere que Toto ha sido llevado a la perrera para ser asesinado.

Al ya conocido estilo narratúrgico de Alejandro Ricaño, se suma ahora en coautoría, la vasta selección de imágenes de la actriz Sara Pinet, a quien podemos recordar por su jocoso personaje de Lola en “El amor de las luciérnagas”, del mismo dramaturgo.

Como en cada montaje dirigido y escrito por Alejandro, el resultado siempre se percibe como un hecho que complementa de manera perfecta su trabajo de dirección, aspecto que mantiene al público cautivo. Se distingue en él, un flagrante dominio de la técnica, tanto literaria, como de dirección, obteniendo así del público el resultado que se augura. También, se acredita una vez más como un habilidoso creador que tiene muy claro lo que pretende del público, hacia dónde quiere ir y el camino que debe trazar para guiar a sus espectadores hasta su objetivo. Una de las propuestas que coadyuvan a que su pretensión se vea consumada, es el conmovedor guiño musical – compuesto por David Ortíz y Ricardo Estrada – que mantiene de inicio a fin y que logra entonar la escena desde que la gente ocupa las butacas.

Contemplando el resultado en su totalidad, me atrevo a decir que es un montaje que desdeña toda ociosidad y que se ocupa de trabajar intensamente en la construcción del discurso que desea comunicar. Ser claro, conciso, emotivo e inmediato son algunos de los atributos de “Lo que queda de nosotros”.

Otro de los temas que es indispensable mencionar, por la importancia que tiene, es la realidad que viven los animales de compañía que han sido botados a la calle y que en algunas ocasiones no tienen otro destino mejor que la perrera, donde miles de ellos terminan asesinados por electrocución. Tema que confluye indirectamente con el miedo a la soledad, la necesidad de ser querido y el apego que Nata siente en varios momentos de su vida.

Finalmente, el trabajo actoral está en total consonancia con las demás partes. Sara Pinet, logra un personaje entrañable y que cautiva desde la primera línea. Raúl Villegas trabaja con varios personajes, entre ellos, Toto, el perro de Nata. Es de aplaudirse la manera en la que les da vida a cada uno de ellos.

Muchos son los valores que destacan en “Lo que queda de nosotros” la posibilidad de reflexionar acerca de lo que esperamos de nosotros mismos, de la vida, de los demás. El real significado de la vida, de la muerte, del miedo, de la perdida, del vacío y de la inmensa necesidad de amar y ser amados.

LO QUE QUEDA DE NOSOTROS
De: Sara Pinet y Alejandro Ricaño
Dirección: Alejandro Ricaño
Con: Sara Pinet y Raúl Villegas
Funciones: Sábado y domingo 13:00Hrs.
Hasta el 13 de Diciembre
Sala Xavier Villaurrutia
(Paseo de la reforma y campo marte s/n)
Costo: $80.- general

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

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EL JUEGO DE LA SILLA

LA MÁS FUERTE

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

lasilla

Ana Katz (autora argentina), escribe El juego de la silla, obra que narra la historia de una singular familia liderada por una madre controladora y opresiva, quien recibe con todos los honores a su primogénito radicado en Canadá (Víctor). Conforme se va desarrollando la historia, podemos ver la atractiva dinámica en la cual se ven inmersos los integrantes de esta familia, y cómo comienzan a generarse conflictos en torno a la llegada del hijo mayor.

Con un fascinante realismo, la escenografía logra instalarnos al interior de una casa de clase media en la ciudad de México. Por su parte, la dirección de Angélica Rogel se vuelve sumamente efectista y logra que el espectador inmediatamente genere un vínculo emotivo con los sui géneris y entrañables personajes. Es necesario mencionar, que el trabajo de Rogel está siempre en consonancia con el tono de la obra, lo cual permite que el espectador cada vez se muestre más interesado en la historia de esta familia, y construya una estrecha relación con sus referentes personales.

El trabajo actoral no podía ser la excepción. De ante mano sabemos – por todo lo que hemos visto de ella – que el trabajo de Margarita Sanz sería maravilloso, así que en esta obra (como en muchas más) es gloriosa. En lo que respecta a Miguel Conde, no hay nada distinto que decir, solamente confirma lo que ya sabemos: la gran verdad con la que trabaja y la honestidad con la que siempre construye sus personajes; eso, para el público es demasiado, se convierte en todo. La participación de Ana Beatriz Martínez, es potente y la manera en la que ha construido el personaje resulta sumamente conmovedor. Nada distinto de Mahalat Sánchez quien también nos regala un personaje entrañable y de gran beldad. Por otro lado, la apatía e indolencia que imprime Alejandro Guerrero a “Andrés” confiere un importante contrapeso a las escenas, lo que lo hace todavía más encantador. Finalmente, el tratamiento que le dio Gabriela Guraieb a “Lucía” funciona en gran medida a que la obra adquiera buen ritmo; a pesar que para algunos, el planteamiento de la historia puede resultar un poco largo.

En conclusión, El juego de la silla destaca por su gran realismo, por su verdad, por todo lo que surge, por todo lo que no se dice. Un juego donde gana, el o la más fuerte, y quien resulte endeble abandona el campo de batalla. Es también, un gran regalo para el espectador, para quienes decidan confrontarse, quizá, con sus propias relaciones familiares, para quienes deseen reconciliarse con ese: su propio grupo.

EL JUEGO DE LA SILLA
De: Ana Katz
Dirección: Angélica Rogel
Elenco: Margarita Sanz, Miguel Conde, Mahalat Sánchez, Ana Beatriz Martínez, Gabriela Guraieb y Alejandro Guerrero.
Funciones: Lunes y martes 20:30Hrs
Hasta el 14 de Diciembre
Un teatro (Nuevo León 46, col Condesa)

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

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LA LLAMADA

LA ESPERANZA DE LO QUE PUDO SER

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

LaLlamada

Un par de adolescentes, comparten la cabaña en un campamento católico de verano – y como es de esperarse – pronto comienzan a sentir ganas de romper las reglas y aventurarse a vivir nuevas experiencias. Sin embargo, María vive un extraño fenómeno: es despertada todas las noches por el canto de Dios. Turbada por lo que le ocurre, decide contárselo a una de las madres, con la finalidad de que le digan lo que debe hacer. Así que decide alejarse de su mejor amiga, Susana, para poner en práctica los consejos de la madre y finalmente responder a “la llamada”.

Lo anterior, es la premisa de la obra escrita y dirigida por los españoles Javier Ambrossi y Javier Calvo. En lo concerniente al texto, es imprescindible mencionar que carece de toda estructura dramática: parte fundamental para que un texto teatral funcione. De tal manera que, con la progresión del tiempo, se espera que suceda algo con la propuesta o simbolismo de Dios, y que incluso comience a desarrollarse el conflicto; sin embargo, esto no sucede, después entonces, la esperanza se diluye en los últimos minutos de la obra. Al final estamos frente a un texto cuyo discurso no pudo dilucidarse, nos encontramos frente a un texto inconcluso y que no muestra un objetivo claro, un texto que se extravía en los enormes recursos estéticos del montaje. Es decir, todo lo que debería complementar el argumento (luces, música, músicos, canciones, escenografía) terminan devorándolo.

La propuesta de iluminación de Mauricio Ascencio, resulta bastante efectiva en cuanto a las atmósferas que quieren ser retratadas. Por otra parte, el diseño de escenografía de Ingrid SA, aporta de manera importante a la construcción de las convenciones y se vuelve práctica y atractiva.

El trabajo actoral está vinculado con la labor de dirección y la construcción de los personajes a nivel dramatúrgico. De tal manera que si el texto es carente, los personajes resultarán carentes también. Sin embargo, es plausible el trabajo interpretativo de Laura Zapata, Natasha Dupeyrón, Alexis de Anda y Tessa Ia, quienes logran construir a partir de lo que tienen, personajes jocosos y entretenidos. Salvo algunos momentos, su trabajo resulta en consonancia la mayor parte del tiempo.

“La llamada”, tiene la cualidad de ser divertida y entretenida para su público, que después de dos horas de euforia y de haber visto rostros de hombres y mujeres muy bien parecidos, hace que salgan emocionados, satisfechos y felices por lo que vieron y escucharon; sin embargo, como ya se mencionó, otros podrían ser los resultado, si el argumento no colapsara.

LA LLAMADA
Texto y dirección: Javier Ambrossi y Javier Calvo.
Con: Laura Zapata, Federico di Lorenzo, Natasha Dupeyrón, Alexis de Anda y Tessa Ia
Funciones: Viernes 20:30Hrs, Sábados 18:00 y 20:30 Hrs y Domingos 17:00 y 19:30Hrs.
Boletos: $500, $350, $200
Centro Cultural San Ángel
(Av. Revolución S/N Álvaro Obregón. San Ángel)

*Actor / Dramaturgo / Teatrista
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EL EXTRAÑO CASO DE TAI CHI Y TÉ CHAI

tachiTeChi

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice*

La risa ‘es la aberración de la sensación placentera que experimentamos cuando el esfuerzo de reprimirse se vuelve súbitamente innecesario’, palabras de Sigmund Freud, tratando de explicar un fenómeno que ha sido estudiado por Darwin hasta Jesusa Rodríguez.

También en el año 2013 Salman Rushdie, expresó que en tiempos modernos donde se exige a un escritor ser optimista, el humor toma más fuerza. Quizá, por ese motivo, las comedias tienen mayor éxito en cartelera y, comienzan a tener en su discurso que exige inteligencia y astucia por parte de los intérpretes.

La Piara teatro, es una compañía con años de experiencia. Combina el teatro, el clown, el circo y el bufón. El resultado de la suma de estos cuatro componentes es la revelación de una sociedad aberrante que trata de mantenerse dentro de los límites de la normalidad, tomando como escape la risa.

“El extraño caso de Tai Chi y Té Chai” narra la historia de dos empleados de la banca que han estafado a un panda y le han robado todos los ahorros de su vida. El Panda, en venganza, manipula la mente de Tai Chi y Té Chai para que tomen dinero “prestado” de la banca y le compren boletos de lotería, con la promesa de volverse millonarios y regresar lo que han tomado. Sin embargo, ¿cuáles son las posibilidades reales de ganarte el premio mayor en una ciudad con una población de más de 7.100.000 habitantes?

El resultado de esta obra es divertido y sumamente dinámico, además de mostrarnos el caso real de dos empleados chinos que robaron cinco millones de euros para gastarlos en la lotería. Es por ello que la risa revela súbitamente lo que ya no es necesario reprimir, como la estupidez del ser humano y su ambición.

Que esta obra se encuentre inspirada en hecho reales y nos revele la miseria humana no la vuelve grave ni pesada. Y es por ello que las palabras del escritor Salman Rushdie se vuelve tan vigentes. La oscuridad siempre hace mejor comedia.

EL EXTRAÑO CASO DE TAI CHI Y TÉ CHAI
Elenco: Artús Chávez, Fernando Córdova y Medeleine Sierra.
De Juanma Rodríguez
DirecciónElena Olivieri
Producción: La Piara Teatro.
Miércoles 20:30pm
$350 general
Foro Shakespeare.
Zamora 7, col. Condesa. Atrás de Metro Chapultepec.

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

21 HISTORIAS DE BAÚL

ODA A LA METAMORFÓSIS

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

historiasBaúl

Tomado de “Historias mínimas” del dramaturgo español Javier Tomeo, cuatro actores con la ayuda de un inmenso baúl que toma forma de todo, representan una veintena de jocosas y diversas historias que llevarán de viaje al público a distintos lugares.

Amanda Farah – directora del montaje- es la encargada de unificar esta serie de personajes e historias, para que finalmente se materialicen en escena. Y en este tenor, es plausible la estética que logra con los diversos escenarios que hace emerger del baúl. Es de destacar también, que el trazo de los actores – la mayor parte del tiempo en escena – resulta eficaz y dinámico: logra que aún quienes en algunas ocasiones no tienen el o los personaje(s) principal(es), adquieran sentido y no se vean en ejecución de alguna tarea escénica ociosa. Es necesario entonces, mencionar que el montaje es poseedor de una magia que cautiva a su público de manera inmediata; sin embargo, es menester que se ponga atención en algunos errores técnicos que puedan entorpecer el encanto.

21 historias de baúl es un montaje atractivo también, por la concienzuda construcción que sus actores hacen de sus personajes, y por la diversidad de sus propuestas, además de la creación de ambientes con la voz y demás efectos. Es esto que genera que el público se divierta y se vea inmerso en todas las situaciones que el texto propone.

Vale la pena salir de casa en domingo, para asistir a disfrutar de esta puesta en escena que promete que todo sucederá en cuanto el baúl se abra, y comience la oda a la metamorfosis.

21 HISTORIAS DE BAUL
De: Javier Tomeo
Dirección: Amanda Farah
Con: Llever Aíza, Daniel Breton, Johanna Larequi, Francisco Pita, Emilio Savinni.
Funciones: Domingos 12:30Hrs
Hasta el 11 de octubre.
Costo: $150.- general
Teatro la capilla (Madrid 13, Coyoacán)

*Actor / Dramaturgo / Teatrista

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oscar.fontana@distritoteatral.mx

BASHIR LAZHAR

LA VOIX DE LA DOULER

Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

BASHIR

Évelyne de la Cheneliére (dramaturga de origen canadiense), escribe acerca de un inmigrante argelino que huyendo de la violencia de su país, decide refugiarse en Canadá donde es contratado como suplente en una escuela primaria. Sin embargo, los métodos de enseñanza y las limitaciones del sistema escolar – producto de la diferencia cultural de aquel país- hacen que Bashir Lazhar entre en conflicto con su “nuevo” entorno.

Mahalat Sánchez (directora del montaje) propone un espacio casi vacío donde el minimalismo se convierte en la característica principal. Como consecuencia de esto, el montaje adquiere un carácter lacónico y bastante atractivo a nivel estético, haciendo que en consecuencia, el argumento cobre mayor importancia y capte totalmente la atención del espectador. Lo cual da sentido a un principio de dirección que propone que el director debe saber exactamente en qué o dónde pretende que el espectador vuelque su atención.

Boris Schoemann logra un Bashir Lazhar entrañable y conmovedor, lleno de imágenes y sensaciones que estremecen de inicio a fin. Su histrionismo resulta plausible y por demás potente. Cabe mencionar que el vestuario diseñado por Pilar Boliver contribuye en gran medida a que éste sea construido de manera excepcional.

“Bashir Lazhar” es la voix de la douleur , una voz que se pierde en un alarido sordo y doliente.

“BASHIR LAZHAR”
De Evelyne de la Cheneliére
Con: Boris Schoemann.
Hasta el 30 de septiembre
Miércoles 20:00hrs.
Boletos $150.- entrada general
Teatro la capilla
(Madrid 13, Coyoacán)

* Actor / Dramaturgo / Teatrista
Facebook.com/oscaralfontana

CASA MATRÍZ

¿MADRE SÓLO HAY UNA?

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

“Casa matriz” es una agencia encargada de alquilar madres sustitutas. Los clientes sedientos de desahogar sus penas acuden a ésta para poder desquitar o vivir todos sus traumas de infancia o no, ocasionados por sus madres.

La dirección de Ana Lorena Pérez Ríos, es sencilla y poco arriesgada, lo que provoca que en la segunda escena la obra caiga. Sin embargo, el texto de Diana Raznovich, es divertido y lleno de humor negro; lo que permite que Monica Dione (madre sustituta) y María Aura (Bárbara) puedan explotar sus técnicas como actrices y levantar la escena.

Conforme pasa el tiempo en escena vemos a una madre sustituta, la cual, en ocasiones, se asemeja al arquetipo de prostituta. Ya que su vulnerabilidad radica en su soledad; en el vacío que se vuelve más grande ante cada cliente y ese silencio lleno de misterio que nos hace desear qué es lo que pasa en la mente de esa mujer indescifrable.

Por otra parte, Bárbara, es agente liberador. Una mujer que trata de hacer catarsis ante sus traumas de infancia y liberarse de todo el peso sofocador de una madre. Porque el amor de ésta puede ser sofocante y pocas veces liberador.

Es una obra entretenida con buenas actuaciones. Para todos aquellos amantes del humor negro, una obra que les dejará una sonrisa y ganas de salir a cenar con su acompañante.

CASA MATRIZ
Dirección: Ana Lorena Pérez Ríos.
Dramaturgia: Diana Raznovich
Elenco: Mónica Dionne y María Aura
Producción: Anilú Pardo y Mario Mandujano.
La Teatrería. Tabasco 152, Col. Roma
Viernes 19:30 y 21:30 hrs, sábado 18:00 y 20:00 y doingo 17:30 y 19:30 hrs
Hasta el 23 de agosto

CUERDAS

Y EL DESEQUILIBRIO

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

Si bien es cierto que cada puesta en escena cambia por los actores, el director, el escenógrafo y los múltiples factores que la integran; es necesario hacer una pausa y, reflexionar sobre lo que sucede antes y después de un montaje que ya ha visto la luz con éxito, como lo es el caso de ‘Cuerdas’.

Cabe mencionar que el montaje pasado, dirigido e interpretado por Richard Viqueira, hacía un encuentro entre los actores, el texto y el espacio vacío. Lo cual provocaba que las fuerzas del texto y los actores detonaran en escena. Este hecho fue aplaudido por la crítica y bien recibido por el público. En el caso de Antonio Serrano, director encargado de esta nueva puesta en escena, nos encontramos ante una escenografía poco actual que nos hace pensar en los años noventa y sus luces neón.

Desde un inicio uno se siente un poco desconcertado al enfrentarse con esta obra que en su publicidad muestra a tres actores apuestos con vestimenta sobria. Lo que encontramos en escena es a tres actores, interpretando a tres personajes con personalidades muy distintas mostradas en el cartel.

‘Cuerdas’ habla del rencuentro entre tres hermanos, hijos de un equilibrista quien ha decidido retirarse debido a una grave enfermedad. En el aeropuerto, los hermanos poco a poco van revelando secretos que creían ya olvidados. El viaje los transforma y los acerca hasta cierto punto, con la promesa de volverse a ver.
La dirección de Antonio Serrano es poco atractiva y efectista. La dirección de actores ha hecho que uno de ellos, José María Yazpik, se muestre simplón ante el público y reciba risas en cada acto. Este hecho no es que sea malo, simplemente, nos enfrentamos a un actor que deja de exigirse a sí mismo para recurrir a técnicas efectistas a cambio de unas risas. También cabe mencionar que Luis Roberto Guzmán, es un actor que se ha dado a conocer por aceptar papeles que salgan un poco de la convención comercial, y se ha mostrado interesado por trabajar en teatro y salir de su zona de confort. Sería necesario mencionarle al actor que sólo deje al personaje vivir y no se preocupe por cómo suena su voz en el teatro. En el caso Osvaldo Benavidez, es un actor que se muestra tibio en escena, cómodo.

Lo interesante en este caso, es escuchar al público que ha sobrevalorado el trabajo de estos actores y se ha vuelto poco exigente. Definitivamente, esta puesta en escena nos deja mucho que pensar. ¿El público realmente va al teatro para ver una obra, o sólo asiste a él para ver a los actores que ven en tele? ¿Es el actor más visto en tele al que el público reconoce su trabajo?

Es necesario decir, que la fuerza dramática de ‘Cuerdas’, se pierde ya que su director no supo interpretar el vacío existencial por el cual atraviesan estos personajes, y optó por luces color neón, aviones a escala en escena y actuaciones técnicas y poco sentidas.
Si usted, espectador, sólo disfruta de ver a sus actores favoritos cerca de un escenario, es una obra que no se puede perder.

CUERDAS
Dirección: Antonio Serrano.
Dramaturgia: Barbara Colio.
Actuaciones: José María Yázpik, Luis Roberto Guzmán y Osvaldo Benavidez.
Teatro López Tarso en Centro Cultural San Ángel
Av. Revolución 1733 Esq. Francisco I. Madero, Col. San Ángel, México, DF 01000
Viernes 20:30 hrs, sábado 19:00 y 20:30 hrs y domingo 17:00 y 18:30 hrs

*Escritora por necesidad, teatrera por convicción. Ha trabajado como directora, dramaturga y productora teatral, ha presentado obras en foros alternativos como: El Trolebús Escénico, Foro Shakespeare, Pandeo, Lucerna… Muchas veces se ha preguntado el por qué habría de escribir. Llegó a una conclusión: la realidad no le es suficiente. Cree que el mundo exterior tiene que ser revelado a través de esclarecimiento de las ideas y por ello el ejercicio de la crítica es fundamental. Egresada de la Escuela de Escritores SOGEM.

¿DÓNDE ESTÁ EL PUNTO?

ESTRATEGIAS PARA LOGRAR LO INASEQUIBLE
Por Óscar Alberto Fontana* (@fontanaoscar)

ELunto

Microeatro es un nuevo concepto en México que presenta obras de no más de quince minutos en un espacio pequeño para máximo quince espectadores. Está atractiva estructura permite al público disfrutar de varias obras de pequeño formato en una casa muy bien adaptada, donde en cada habitación se presenta una micro-obra distinta.

Esta temporada podremos ver “¿Dónde está el punto?”, obra que relata la historia de un estudiante de música que se hace acreedor a una beca en el extranjero y acude a una institución para finalizar el proceso. El conflicto inicia cuando quien lo atiende obstaculiza la culminación de éste, pretextando un error en su nombre. Benito (el personaje principal) se valdrá de una singular estrategia para ver consumado su objetivo y finalmente viajar a Italia.

La laureada obra de Jesús Delgado (autor y director) posee una estructura jocosa y ágil que resulta eficaz. Por otra parte, la dirección se nutre del texto internando al espectador en una oficina caótica y asfixiante llena de escollos y malos entendidos.

El trabajo actoral está en balance e insoslayablemente hace que el espectador conmisere a uno mientras aborrece a otro y viceversa.

“¿Dónde está el punto?” presenta la terrible realidad burocrática a la que todos nos enfrentamos en algún momento de la vida. Retrata la manera en la que nuestra paciencia se ve fracturada y nos vuelve diestros en buscar estrategias para lograr lo “inasequible”.

¿DÓNDE ESTÁ EL PUNTO?
Texto y dirección: Jesús Delgado.
Con: Sebastián Torres, Mayra Dávila, Angélica Gómez y Ángel López.
Jueves y Viernes: 8:10 · 8:40 · 9:10 · 9:40 · 10:10 · 10:40
Sábados: 7:10 · 7:40 · 8:10 · 8:40 · 9:10 · 9:40
Domingos: 6:10 · 6:40 · 7:10 · 7:40 · 8:10 · 8:40
Boletos $70.- entrada general.
Foto: Tikva Levy

* Actor / Dramaturgo / Teatrista
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SURREALISMO

ACERCA DEL SER MUJER

Por Viridiana Nárud @viridianaeunice

Surrealismo

Para todos los amantes de André Bretrón, Louis Aragón y todos los surrealistas les aviso, de ante mano, que esta obra no se encuentra relacionada con el movimiento intelectual que surgió en 1920.

Para la autora de ‘Surrealismo’, ésta palabra se encuentra relacionada con las realidades del sur y sus ismos, como lo son el pendejismo. La obra se encuentra dividida en dos: El mundo real de la autora donde se permite, sin pudor, hacer un monólogo donde la improvisación y una poesía emocional la desbordan y la segunda, la ficcional. Esta parte se encuentra dividida por distintos monólogos con voces femeninas.

Sin duda es un trabajo de reflexión acerca del ser mujer, y todas sus aristas sociales y privadas. Se encuentra la mujer trabajadora que mantiene una relación con sus hijos a través del teléfono. La niña que vive una nueva manera de ver a las familias. La mujer enferma y deforme que muestra que el amor tiene un rostro y al verse distinto nos asusta. Entre otros personajes muy divertidos.

La belleza de este texto y actuación se encuentra en su honestidad en cómo enuncia las cosas. Vemos a una actriz desgarrándose en escena tratando de exorcizarse a sí misma. También es cierto que existen momentos en donde las transiciones de un personaje a otro son demasiado largas y hace que el público se canse. Sin embargo, el sabor de boca al salir del foro es grato. Una obra para mujeres románticas que se encuentran en búsqueda del amor y su identidad como seres individuales.

Tal vez, como dice Nora Fernández casi al final de su monologo: Tengo ganas que mi corazón se vuelva loco de amor sin ninguna intervención del pasado. Así que dejemos el pasado en su lugar y demos cabida a un surrealismo donde la fronteras latinoamericanas no existen porque hablamos el mismo lenguaje, el del amor.

Dramaturgia, interpretación y dirección: Nora Fernández.
Producción General: Adrián Alarcón.
Miércoles 9:00 pm
Hasta el 26 de agosto
Foro Shakespeare
Zamora 7, Condesa
Hasta el 26 de agosto