Por Johana Trujillo

En el escenario del Teatro El Milagro, cinco actores se acercan a una gran esfera de luz que dice #RESISTE. Después, uno a uno van eligiendo a uno de los cinco espectadores que los acompañan. Entre conversaciones entre ellos, les quitan los zapatos y les envuelven los pies con una hoja de plátano y un listón rosa para después llevarlos a un espacio más estrecho, debajo de las butacas.

Los actores eligen la zona con arena en el piso, los cinco invitados están frente a cada uno. La estética de esta parte del dispositivo escénico recuerda a una escena de la película Stalker del director ruso Andréi Tarkovsky, considerado uno de los grandes maestros de la historia del cine. Esta película transcurre en un lugar de Rusia llamado «La Zona», donde hace algunos años se estrelló un meteorito. A pesar de que el acceso a este lugar está prohibido, los «stalkers» se dedican a guiar a quienes se atreven a aventurarse en este inquietante paraje. Teatro El Ghetto plantea La arquitectura del silencio como un proyecto escénico en homenaje al director de cine.

El montaje es un dispositivo en el que se comparten miradas, silencios, recuerdos y secretos que llevan a vivir una experiencia con todos los sentidos, dejando atrás lo cotidiano y trayendo la memoria de cada uno. Una aventura en una zona segura y conmovedora pues cada actor comparte una vivencia: alguien a sus cinco años tenía un hamster que no respiraba y nunca se atrevió a decirle a nadie que había muerto; otra confiesa que está enamorada de dos personas aunque sabe que no durará mucho o que tuvo problemas con el radiólogo pero nunca se lo dijo a nadie…

Bajo la idea, concepto y dirección de Agustín Meza, La arquitectura del silencio no es solamente un montaje íntimo que interviene las butacas y el espacio escénico del Teatro El Milagro, también es una invitación a confiar de nuevo, recordar lo que es estar frente a frente con el otro, compartiendo algún suceso de la propia vida. Por eso, cada función es única e irrepetible; depende de la vulnerabilidad con la que se dejen ser quienes elijan verla de manera presencial. No hay ficción, texto ni historia; hay una oportunidad de explorar el silencio, los laberintos de la memoria, lo ausente y sólo tal vez un “logro desbloqueado” porque “esos pequeños logros nos dan vida” y “la belleza siempre está ahí para aquellos que quieran mirarla”.

La Arquitectura del silencio ofrecerá funciones el 21, 27 y 28 de marzo a la 1 pm en el Teatro El Milagro y por streaming. El costo del boletos es de $80 o $150 para streaming y en presencial Donativo Voluntario Consciente. Los boletos se pueden comprar en Boletópolis.

¿De qué trata #Resiste?

La contingencia llevó a cada uno a replantearse muchas cosas, a la comunidad artística a reflexionar y mostrar el valor de las artes. En agosto de 2020 Agustín Meza, director y fundador de la Compañía de Teatro El Ghetto, lanza la iniciativa #RESISTE con el proyecto “We´ll meet again” para defender el arte ante la contingencia sanitaria por el Covid-19 que mantuvo los teatro cerrados hasta septiembre de 2020.

Para ellos era muy frustrante tener que pensar en el Zoom, pues el verdadero sentido del teatro está en el encuentro con el otro, en el contacto humano. La pandemia lo llevó a ser el primer colectivo mexicano que salió a la calle a través de su pronunciamiento #RESISTE, poniendo al alcance de la gente el teatro presencial en espacios públicos. Definitivamente, El Guetto Teatro es una compañía que se adapta a la complejidad del tiempo que vivimos.

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

En algún momento de nuestra infancia esperamos la noticia de “eres adoptado”, “tus verdaderos padres son…” sin embargo, conforme crecemos en nuestra familia los vamos aceptando y nos adaptamos a ellos. Un día, esa interrogante desaparece, empero, esa sensación de no ser parte de ese núcleo se mantiene oculta.

“Acá en la Tierra” es la historia de Lolo, un niño extraterrestre que espera a su familia en el planeta Tierra. Manda mensajes al espacio en espera de una respuesta y rogando que vengan por él pronto. Conforme avanza la trama, entendemos que Lolo es un niño transgénero que no se identifica con el género que una sociedad le impuesto.

En su soledad, se encuentra con Dolores, una mujer de intendencia que posee el súper poder de la invisibilidad. ¿Cuál es la moraleja? Esta sociedad invisibiliza a todos aquellos que no pertenecen al promedio. Dolores es una mujer que con la edad se volvió invisible y Lolo, busca el no ser visto para no sufrir más.

“Acá en la Tierra” es una obra que busca visibilizar a los invisibles y que puede ayudar tanto a niños como padres a entender lo que puedan estar viviendo dentro de sus hogares o con un familiar o amigo. El conocimiento puede desembocar en empatía y dejar atrás el odio. Esta obra nos invita a conocer y dejar atrás la intolerancia.

ACÁ EN LA TIERRA
De Luis Eduardo Yee
Dirección Rebeca Trejo
Con Assira Abate, Vicky Araico y Mahalat Sánchez.
Sábados y domingo 13:00 horas hasta el 15 de diciembre de 2019
Teatro Milán (Lucerna 64, esquina Milán)
Duración aproximada: 80 minutos.
Clasificación: Todo público.
Boletos:  Entrada general $250.

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

Pogo es la historia de John Wayne Gacy, un hombre que se disfrazaba de payaso para divertimento del vecindario y en la oscuridad de su sótano era un asesino serial de adolescentes. Su historia fue tan conocida que Stephen King se inspiró en él para escribir su novela “Eso”, de la cual se desprendió una franquicia cinematográfica muy lucrativa.

En México David Rodvel nos presenta una versión de “Pogo, el payaso asesino” poco clara. No es suspenso, tampoco es terror. Las convenciones dentro de esta puesta en escena se encuentran nulificadas. Las convenciones sólo sirven para hacer de la ficción una realidad y si este universo se rompe, el espectador sabe que esta dentro de una gran mentira llamada teatro. Es vital para un director entender que el teatro es una ilusión y que al romperla nosotros los espectadores sabemos que estamos ante una gran mentira. Es como el mago que revela sus trucos frente a la cámara.

Si bien es cierto que David Rodvel nos dibuja un universo poco claro, la apuesta es interesante y necesita ser depurada. Primero, la cita es en el Foro Contigo América, un espacio en la Nápoles, en extinción. La gentrificación no ha llegado a esa calle de la colonia, casas viejas que nos remontan a los años setenta; el foro en su descuido muestra el paso de los años y su historia. Ideal para contar la historia de un asesino serial de los años setenta. Al entrar, uno ve reproducciones de las obras que Pogo hizo en sus años de prisión, también ve una pequeña historia de los asesinos seriales, en el centro, sin razón aparente cuelga un traje de payaso. Traje que perteneció a John Wayne y utilizaba para entretener a niños del vecindario. Al final, la actriz se encarga de aplaudirle. Bien, esta información que estoy dando nunca es revelada. Uno no sabe que la pintura es una reproducción de Pogo, ni que el traje fue suyo.

Las actuaciones de Luis Ernesto Verdín y Daniel Mandoki permiten que la obra se mantenga. En el monólogo de John Wayne, Luis Ernesto Verdín, nos presenta a un hombre atormentado por su pasado y alter ego, sin embargo, cuando Pogo aparece, los gritos se apoderan de la escena y uno deja de escuchar lo que se dice.

Pogo es una apuesta teatral que necesita someterse a un rigor de dirección. El talento de actores se encuentra. El concepto que trata de ser una experiencia también está apuntalado, pero mal ejecutado. Se necesita un punto de vista que guíe la historia. ¿Qué se quiere mostrar en escena? ¿Qué se quiere comunicar al espectador? ¿Por qué si se tiene un objeto como el traje original de Pogo en escena y se le rinde homenaje, nosotros espectadores no sabemos? ¿Si es una historia de terror por qué no se define el universo de éste y se respeta?

Pogo es una apuesta que en su ambición se puede fragmentar. Sería necesario recordarle al director que menos es más.

POGO. Sábados 9, 16 y 23 de noviembre a las 20 hrs, Foro Contigo América (Arizona #156, Col. Nápoles)

Por Viridiana Nárud (@viridianaeunice)

El contar cuentos en la Historia de la humanidad ha sido un arte que requiere de oficio. El romper las reglas necesita de maestría. Una historia debe tener un inicio, un intermedio, un clímax y un final. El orden no importa. Se puede comenzar por el final y contar una historia. Si nos vamos por la línea de la Nouvelle Vague en donde se busca la máxima libertad de expresión sin ataduras técnicas, encontramos dentro de esta ruptura una necesidad íntima y honesta de expresión, que no deja de emocionar al espectador. Un claro ejemplo es Jean Luc Godard en donde sus filmes muestran, en su mayoría, la expresión intima de sus personajes sin seguir ninguna regla narrativa. Crea una nueva manera de hacerlo. Por lo tanto, vemos que se ha roto la regla para crear una nueva forma: ya no se habla del mundo exterior de los personajes y cómo es que éste afecta sus vidas; se habla del mundo interior y cómo éste crea el mundo de los personajes.

En el caso de “La Reunión” nos enfrentamos a una dramaturgia sin rigor alguno: el tono y el género se hacen a un lado y por lo tanto no sabemos a qué nos enfrentamos. ¿Podría ser esto algo innovador e interesante? En teoría, esta obra es la reunión entre la Reina Isabel la Católica y Cristóbal Colón; en este encuentro los personajes comienzan hablar de la conquista de las Indias, la esclavitud y la masacre de los indios. No hay matices: Cristóbal es un malo cínico e Isabel una reina sin mucha personalidad. Mientras transcurre la obra, uno llena con nuevos datos lo que fue la Conquista, sin tomarlos muy en serio porque, además de estar dentro de una ficción, tampoco se arrojan datos duros. La permanente tibieza es la constante de la obra.

La dirección de Pilar Boliver se vuelve protagonista y enfrenta lo que todo director hace cuando no sabe contar una historia: juega con la escenografía haciendo trazos escénicos innecesarios que no cobran sentido. También la creación de cuadros, antigua escuela del teatro, se vuelve predecible. Sin entender que el cuadro se encuentra guiado por la emoción del personaje y que ésta es la que guía la dirección, no al contrario. La escenografía de Matías Gorlero es sobria y hermosa, justa en su medida. Los actores son buenos, sólo se enfrentan a una trama sin sentido.

Al final, todo se resuelve en un Deus ex machina. Fantasmas y muertos cobran vida. No es terror, tampoco es histórica. Una obra que en su pretensión se quedó corta y que recuerda que el saber contar historias es un arte y que en el teatro incumbe tanto al dramaturgo como al director. Los actores, como nobles del arte, sólo se someten a estas dos voluntades.

DATOS DE TEMPORADA

La Reunión se presenta hasta el 1 de diciembre los viernes a las 20:30 horas, sábado 19:00 horas y domingo 18:00 horas. El costo del boleto es de $300. Las localidades están disponibles en la taquilla del
Centro Cultural Helénico ubicado en avenida Revolución 1500 y en la página de internet www.helenico.gob.mx

O cómo encontrarse con el “yo” y el “otro”.

Fredo Godínez (@AlfiePingtajo)

I – ¿Cómo se llega a una obra?

Muchas veces he sostenido un sinfín de conversaciones con hacedores, gestores y amantes del Teatro sobre el por qué eliges ir o no a ver una obra.

El lugar común suele ser: elenco, dramaturgo, director, sinopsis de la obra y en extrañas ocasiones la compañía productora.

El título de la obra no es una de las elecciones de las personas con las que llegué a hablar. Y es que a veces el nombre puede ser referencial, poético o inspirado en alguna escena o palabra que se repite mucho.

En esta última visita a la CDMX, hice una elección basada en tres motivos: conocer la dramaturgia y actuación de Valeria Fabbri, y lo poético del nombre: “Perderlo todo, menos la soledad”.

II – El “yo” ante la obra.

Después de la espera acostumbrada entro en la sala, primera fila y en medio, siempre me ha gustado ver las obras desde ese lugar. No me gusta ver las cabezas de nada y no quiero que nada me estorbe para ver limpiamente a las actrices y actores, así como al escenario.

Me impresiona ver un escenario que bien podría participar dentro de las exposiciones/intervenciones arquitectónicas que se instalan en la Alameda Central, dentro del famoso Mextropoli.

Lejos de parecerme ruidoso, me llamó la atención saber cómo iban a utilizar la misma a lo largo de la obra.

La obra ha comenzado y en la parte más alta del escenario, aparece -la que asumo será- la protagonista de la obra. Su presencia vocal y actoral en escena lo marcan. Y como dictan los recetarios de escritura: la primera escena atrapa y llama la atención: algo extraño le está pasando a la protagonista y no sé qué es. Sólo sé que tiene unas ganas de volverse invisible en una ciudad, donde esa ya es una condición de vida. Sin embargo, la protagonista vive una etapa de esas que uno suele tener: soltar todo y largarse sin mirar atrás. Ella ha deseado cambiar de aires y se ha ensimismado tanto en ese deseo que sin darse cuenta ya recorrió toda la línea 2/línea azul del metro y está llegando por tren ligero al Estadio Azteca.

Luego, también sin darse cuenta, se percata que su cuerpo sigue en la estación Zócalo del Metro y ella anda en algún otro lugar del mundo. Posteriormente le invade un ansia de reencontrarse con su cuerpo y al mismo tiempo entender lo qué está viviendo.

De pronto, como todo viaje místico, aparece una especie de Virgilio que se ofrece a ayudarle a encontrar su cuerpo. Él puede hablar con ella, pero no pueden verse y si eso no fuera suficiente para tener una extraña comunicación, este acompañante “místico” es un hombre mayor y con un estilo muy “propio” de hablar que provoca, constantemente, muchos errores en su comunicación.

Después de estas escenas que acontecen relativamente rápido, se vienen una serie de vueltas de tuercas que rematan y rompen al espectador o al menos a mí sí me rompió. Dejándome un sabor agridulce en la boca.

El escenario es certero. Es bien usado por los actores a lo largo de toda la obra y al final forma parte de una de las tantas metáforas que tiene.

III – El “yo” después de haber visto la obra

La potencia dramatúrgica y -por qué no decirlo- poética que despliega Fabbri en su texto es maravillosa. Con escenas poco pretenciosas y sí precisas y muy metafóricas logra entregar al espectador una obra que invita a reflexionar sobre: las ausencias comunicativas que tenemos como sociedad; el distanciamiento lingüístico que tenemos con las generaciones que nos antecedieron; el lugar que nos gustaría ocupar en el mundo y la forma en que nos percibimos como individuos ante nosotros mismos y ante la masa.

Entré esperando una obra que hablará de la soledad desde un punto de vista, casi romántico, y salí confrontado con mis procesos internos que estaba y sigo viviendo: saber cómo afrontar la soledad circunstancial y la soledad que uno elige; seguir aprendiendo a vivir con mis grandes lapsos depresivo/ansiosos y no fracasar en el intento.

A veces es tanta la desolación que he olvidado que puede uno sobrevivir sin el cariño o comprensión del otro, pero cuando pierdes el propio; entonces ya se convierte uno en un muerto viviente.

Y al mismo tiempo; esta obra me vino a recordar que mientras sepa dónde y cómo estoy, será más fácil que alguien logré encontrarme para acompañarme el tiempo que la vida y la circunstancias lo permitan.

A veces, dicen por allí que para encontrarse es necesario extraviarse un poco.

IV – Epílogo

No sé, si en verdad este es el objetivo del texto y de la dirección de la obra; empero yo salí de esa forma. Cada uno tendrá su propia versión/visión/sensación de la obra y en eso radica la belleza del Teatro.

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“Perderlo todo, menos la soledad”.
Dramaturgia: Valeria Fabbri.
Dirección: Cecilia Ramírez Romo.
Elenco: Miguel Flores, Paulina Méndez y Valeria Fabbri.
Teatro La Capilla (Calle Madrid #13, Col. Del Carmen, Alcaldía Coyoacán, CDMX).
Jueves: 8PM.
Hasta el 26 de septiembre de 2019.
Duración: 80 minutos.

Por Fredo Godínez (@AlfiePingtajo)

I – El origen

Escrita en 2005, el dramaturgo de origen escocés se inspiró en los crímenes cometidos por Toby Studebaker en Estados Unidos.

Dicha obra ya ha sido llevada al cine bajo el título de “Una” y se estreno en 2016 en el Festival de Cine Telluride.

“Blackbird” se desarrolla en una caótica oficina donde trabaja Ray (55 años), quien es sorprendido al ser visitado por Uma (27 años); una mujer con la que se relacionó sexualmente hace 15 años.

II – La interpretación y el texto

Cassandra Ciangherotti interpreta de forma precisa a Uma, una mujer que durante 15 años sigue tratando de asimilar la violación sufrida por parte de Ray. Y que por extraño u oscuro que parezca ha desarrollado un apego emocional que raya en el enamoramiento.

Alejandro Calva da vida a Ray, un hombre que hace 15 años sintió atracción por Uma, de tan sólo 12 años. Con ella tuvo relaciones sexuales y pagó una condena de varios años en prisión. Tiempo después huye de la ciudad donde vivió por años para comenzar otra vida, con otro nombre, en otra parte del país.

Cassandra y Alejandro interpretan de forma magistral la extraña relación que existe entre violador y violada, seductor y seducida. Ambos habitando en dos mundos diversos: Ray se encuentra huyendo de un pasado y de una atracción anormal que le atormentan. Uma vive atormentada buscando regresar al pasado para comprender los sentimientos encontrados que la gobiernan. Habitar el presente para reencontrarse con la única representación de amor que ha conocido en vida.

Katina Medina Mora ha decidido llevar a escena una obra con una temática compleja, controvertida y oscura. Se ha valido de un par de actores que con la precisión del bisturí de un cirujano logran una interpretación nota por nota.

III – Mi introspección

Para todos los que habitamos en este país bello y doloroso, al mismo tiempo, no nos resulta ajena la situación violenta por la que están pasando las mujeres, y con ello la necesidad de reconfigurar la forma en la que nos relacionamos hombres y mujeres, sociedad en general.

Por ello “Blackbird” resulta una obra compleja para los tiempos que estamos habitando, pero necesaria para poner las cosas sobre la mesa y analizar (desde todas las perspectivas) lo que nos ha venido definiendo como la raza animal que somos.

El arte nunca debe aleccionar, pero sí debe confrontarnos y cuestionarnos. “Blackbird” no sólo confronta y cuestiona, también incomoda.

No sé si es virtud propia del texto o gran atino de la dirección y el talento actoral, pero la obra parece un partido de tennis donde los protagonistas bien podrían ser: Serena Williams vs María Sharapova o Roger Federer vs Novak Djokovic. La conversación existente entre ambos personajes parece tener al espectador yendo de un lado a otro, “aplaudiendo o celebrando en los adentros el punto defendido por cada uno”. Sólo que este partido se desarrolla al revés, los jugadores buscan recuperar lo perdido, y con ellos sanar las heridas del juego.

IV – Una obra que debe ser vista

“Blackbird” podría mirarse desde dos perspectivas: la del abuso de poder y la de una historia de amor imposible e inadecuada para una sociedad, aún conservadora, como la nuestra. Si partiéramos desde el segundo punto de vista, esta obra narra la historia de un amor interrumpido entre un hombre adulto y una menor de edad, el cual ha sido juzgado sin comprender sentimentalmente a los involucrados. Tiempo después se reencuentran para darse cuenta de que uno ha estado toda la vida huyendo, pues no sabe qué hacer con ese amor imposible y la otra no ha descansado hasta dar con su amor eterno. Y busca darle vida, ahora que las circunstancias podrían permitir su existencia, sin juzgamiento alguno.

Ahora bien, si analizamos la historia desde la primera perspectiva, entonces estamos ante un relato de abuso sexual. Donde un hombre mayor se aprovecha del estado de indefensión e inocencia de una niña para iniciarla tempranamente en su sexualidad. Y ésta ante la confusión y la incomprensión del hecho, ha vivido una vida donde no sabe si lo que necesita es una disculpa.  O está experimentando una especie de apego/codependencia con su agresor que, al parecer, ha representado la única experiencia sentimental y sexual que la protagonista ha tenido.

Sin duda, “Blackbird” es una obra que debe ser vista por todos. Debe servir como punta de lanza para comenzar a discutir: la diferencia entre amor y deseo; los distintos tipos de deseo sexual que existen; comprender el amor y el deseo desde la psique, pero también desde la filosofía. Definir cómo podríamos, deberíamos y tendríamos que actuar ante los distintos tipos de deseos sexuales que existen. A la vez, entender y comprender que los delitos de índole sexual no sólo deben ser castigados con privación de la libertad sino venir acompañados de una asistencia psicológica y sexual. Para que el infractor, realmente, logre comprenderse, controlarse y con ello rehabilitarse.

En fin, existe mucha brecha por recorrer en estos ámbitos. Y la mejor forma de abrir el debate y sensibilizarnos es por medio de las expresiones artísticas. Vayan pues a ver “Blackbird” y abramos el debate.

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“Black Bird”
Dramaturgia: David Harrrower.
Dirección: Katina Medina Mora.
Elenco: Cassandra Ciangherotti y Alejandro Calva
Foro La Gruta del Teatro Helénico (Av. Revolución 1500, Guadalupe Inn, Alcaldía Álvaro Obregón, CDMX)
Viernes: 8:30PM, sábados: 5 y 7PM y domingos: 6PM.
Hasta el 29 de septiembre de 2018.
Duración: 75 minutos.